GabaritosdasAtividadesdeArtes-9ano[1]

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SUMÁRIO
A música---------------------------------------------------- 03-16
A dança na arte--------------------------------------------17-26
Semana da arte moderna--------------------------------27-61
Impressionismo---------------------------------------------62-67
Surrealismo--------------------------------------------------72-80
Performance------------------------------------------------81-93
Arte Urbana------------------------------------------------94-100
Romero Birtto--------------------------------------------101-107
Edvard Munch-------------------------------------------108-110
Picasso-----------------------------------------------------111-120
Cubismo---------------------------------------------------121-127
O QUE É A MÚSICA?
 A música faz parte das nossas vidas. Pode se mostrar presente de forma indireta,
como nos veículos de comunicação, filmes, games e peças de teatro. Ou, de forma
mais indireta ainda, como nas academias de ginástica, nos supermercados, salas de
espera e elevadores.
 Claro, em inúmeros momentos e situações, é a música que está no palco principal:
nos shows e concertos, ou quando paramos para admirar uma obra musical em casa,
com nossos fones de ouvido ou caixas de som. Seja como for, raros são os
momentos em que não temos algum contato com essa forma de arte.
Mas você já parou para pensar o que é, afinal, a música?
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(EF69AR19) Identificar e analisar diferentes estilos musicais, contextualizando-os no tempo e
no espaço, de modo a aprimorar a capacidade de apreciação da estética musical.
A Origem da Palavra
Para encontrarmos a origem da palavra “música”, precisamos nos transportar à
Grécia Antiga (nos tempos de Platão e Aristóteles), revisitando significados que
essa arte carregava nessa sociedade, que é considerada o berço do pensamento
ocidental.
A palavra “música”, para os gregos, possui um sentido bem mais abrangente do
que o que lhe damos hoje em dia: é uma forma adjetivada da palavra “musa”,
que, na mitologia clássica, refere-se a qualquer uma das nove deusas irmãs que
presidiam as artes e ciências. 
Encontramos, assim, dois significados bastante amplos: o primeiro deles, é que
para os Gregos a música possuía algo em comum com todas as atividades que
dissessem respeito à busca da beleza e da verdade. Outro, é colocar uma
relação direta da arte musical com o mundo divino, que estaria em harmonia, e
que nós, humanos, através da música, conseguiríamos imitar.
Claro que, pensando dessa maneira, a sensação que temos é de que música
nesses tempos era algo muito maior do que o que chamamos de música hoje em
dia. E era mesmo. No pensamento grego clássico, a música não dizia respeito
apenas aos sons: estava diretamente ligada às outras artes, como o teatro, a
dança e os esportes, assim como aos outros conhecimentos, como a aritmética e
a astronomia, uma vez que a tudo isso poderia se chamar de “música” na época
(todas artes e conhecimentos vindos das musas). Talvez o mais importante disso
tudo seja pensar que, quando falamos de música nos termos da Grécia Antiga,
estamos falando de cuidar e administrar o que conhecemos, aprendemos e
sentimos. Algo como um cuidado e aprendizado da nossa vida interior. Nós com
nós mesmos.
Agora, há de se perguntar: será que a música ainda consegue carregar essa
nossa jornada interna?
https://www.musicdot.com.br/artigos/saiba-o-que-e-musica
 
(EF69AR19) Identificar e analisar diferentes estilos musicais, contextualizando-os no tempo e
no espaço, de modo a aprimorar a capacidade de apreciação da estética musical.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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FOTOS ILUSTRANDO DIFERENTES MOMENTOS MUSICAIS. 
(EF69AR19) Identificar e analisar diferentes estilos musicais, contextualizando-os no tempo e
no espaço, de modo a aprimorar a capacidade de apreciação da estética musical.
Assista a esse vídeo explicando um pouco sobre a música da Grécia antiga até a
atualidade.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Assista:
https://www.youtube.com/watch?v=VapDZ5l9IIo&feature=youtu.be
 
A música grega mais antiga não deixou qualquer registro. As primeiras menções se
encontram na era Homérica, quando já havia uma considerável cultura musical
nacional em pleno florescimento, baseada principalmente na récita de poesia
acompanhada com instrumentos, do qual o mais comum era a forminx, uma espécie
de lira.[9] As descrições sugerem que a música grega era basicamente monódica, e
no máximo heterofônica. É uma asserção geralmente aceita a de que a harmonia,
como hoje é entendida — uma organização do tecido sonoro em camadas com várias
notas soando simultâneas em acordes — é invenção mais recente, datando da Idade
Média. Seus conceitos de dissonância e consonância eram aplicados principalmente
para os intervalos da melodia, e não como uma combinação simultânea de notas.
Mesmo assim, alguns registros fazem crer que pelo menos em algumas ocasiões
havia música realmente harmônica, ainda que isso fosse considerado uma técnica
avançada e nem sempre adequada. Não parecem ter dado grande importância à
ornamentação da melodia, permanecendo o ritmo e a inteligibilidade da poesia
cantada aspectos de interesse principal.
 
 
 
 
 
 
 
 
(EF69AR19) Identificar e analisar diferentes estilos musicais, contextualizando-os no tempo e
no espaço, de modo a aprimorar a capacidade de apreciação da estética musical.
https://pt.wikipedia.org/wiki/Homero
https://pt.wikipedia.org/wiki/Forminx
https://pt.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_da_Gr%C3%A9cia_Antiga#cite_note-9
https://pt.wikipedia.org/wiki/Mon%C3%B3dia
https://pt.wikipedia.org/wiki/Heterofonia
https://pt.wikipedia.org/wiki/Harmonia_(m%C3%BAsica)
https://pt.wikipedia.org/wiki/Acorde
No século VI a.C. o Coro (música) coro teve importante papel em eventos públicos,
religiosos ou laicos, e a lírica coral se tornou um gênero autônomo, elaborando tipos
definidos de composição para cada ocasião. Assim, eram entoados ditirambos em
honra a Dionísio, peãs para Apolo, epitalâmios nos casamentos, trenodias nos
funerais, partênios como canto de jovens, hinos em louvações variadas. Estas formas
dependiam diretamente da estrutura e ritmo da poesia, e a origem do teatro grego
está na evolução dos ditirambos cantados.
O phorminx foi o principal instrumento na Grécia Antiga. Era uma lira para
acompanhar poetas, ou cantores. O primeiro músico a tocar phorminx foi Terpander,
no século VII aC
 
O aulos é o ancestral do oboé.
Feita de dois tubos com uma palheta na extremidade. Era muito difícil de ser
executado, e uma pulseira de couro foi feita para ser colocada em torno da boca e da
cabeça para aliviar os músculos das bochechas. O aulos era usado como um
instrumento militar musical pelos espartanos.
 
 (EF69AR19) Identificar e analisar diferentes estilos musicais, contextualizando-os no tempo eno espaço, de modo a aprimorar a capacidade de apreciação da estética musical.
https://pt.wikipedia.org/w/index.php?title=Coro_(m%C3%BAsica)_coro&action=edit&redlink=1
https://pt.wikipedia.org/wiki/L%C3%ADrica_coral
https://pt.wikipedia.org/wiki/Ditirambo
https://pt.wikipedia.org/wiki/Pe%C3%A3
https://pt.wikipedia.org/wiki/Epital%C3%A2mio
https://pt.wikipedia.org/w/index.php?title=Trenodia&action=edit&redlink=1
https://pt.wikipedia.org/wiki/Part%C3%AAnio
https://pt.wikipedia.org/wiki/Hino
https://pt.wikipedia.org/wiki/Teatro_na_Gr%C3%A9cia_Antiga
Pitágoras e a vibração das cordas
Pitágoras foi a primeira pessoa a fazer a ligação entre matemática e música,
analisando criteriosamente as vibrações produzidas por cordas de comprimentos
diferentes, e chegou a conclusões que constituem a base da teoria musical até os
dias de hoje.
Segundo a lenda, Pitágoras de Samos, (século 6 aC), observouque quando o
ferreiro batia na bigorna, notas diferentes eram produzidos de acordo com o peso do
martelo utilizado.
 Para pesquisar estes sons, Pitágoras teria então esticado uma corda que quando
“dedilhada” ( não sei se esta é a melhor expressão) produzia um determinado tom,
que ele tomou como tom fundamental. Em seguida, cortou a corda pela metade e
observou que se produzia exatamente uma oitava acima do tom original.
Começou então a fazer marcas na corda, para dividi-la em seções iguais, e testava o
resultado do tom obtido:
Para 3/4 do comprimento da corda, obteve uma quarta em relação ao tom
fundamental. Para 2/3 do comprimento da corda, obteve a quinta. E foi fazendo isso
sucessivamente, até chegar em doze seções. Este instrumento mais tarde seria
chamado de monocórdio, que se assemelha ligeiramente a um violão, exceto pelo
fato de ter apenas uma corda.
(EF69AR19) Identificar e analisar diferentes estilos musicais, contextualizando-os no tempo e
no espaço, de modo a aprimorar a capacidade de apreciação da estética musical.
As fracções 1/2, 3/4, 2/3 correspondiam à oitava, à quarta e à quinta, e Pitágoras
considerou que os intervalos de quarta e quinta eram nobres, e é por isso que até
hoje tratamos estes intervalos como justos ou perfeitos. Ainda voltaremos a tratar do
assunto intervalo em postagens futuras para um melhor entendimento desta
maravilhosa descoberta de Pitágoras, que achou inclusive que havia solucionado o
grande enigma do Universo, por música e da matemática, que para ele, na verdade,
era uma coisa só.
https://jobert.info/introducao-a-tecnologia-musical-a-musica-na-grecia-antiga/
Exercícios...
(EF69AR19) Identificar e analisar diferentes estilos musicais, contextualizando-os no tempo e
no espaço, de modo a aprimorar a capacidade de apreciação da estética musical.
1-O que é música?
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Música é a combinação de ritmo, harmonia e melodia, de maneira agradável ao
ouvido. No sentido amplo é a organização temporal de sons e silêncios (pausas).
2-Qual a origem da palavra música para os Gregos? 
Para os gregos a palavra música é uma forma adjetivada da palavra " musa"
que, na mitologia clássica, refere-se a qualquer uma das nove deusas irmãs que 
presidiam as artes e ciências. 
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DATA: ____/____/____
INTENSIDADE: o som pode ser fraco ou forte;
DURAÇÃO: o som pode ser longo ou curto;
ALTURA: o som pode ser agudo ou grave;
TIMBRE: é a propriedade que faz com que diferenciemos, por exemplo, o som de
um piano do som de uma flauta, ou a voz de uma pessoa de outra.
Do que é feita a Música
Assim como todas as formas de arte, a sua definição é sempre algo mais complicado
do que se imagina. Vamos do início: em sua essência, pode-se dizer que a música é
a arte originada da organização e manipulação dos sons (ou seja, ondas sonoras) em
um discurso lógico, ou seja, que tem um começo e um final. Embora ainda assim
possa-se haver discussões a respeito, consideremos essa definição como um ponto
de partida. Afinal, uma enorme parcela da História da Música Ocidental está
organizada dessa maneira.
 
Esses sons podem ser produzidos pelo corpo humano (voz e percussão corporal) ,
por instrumentos musicais (acústicos, como um piano, sax ou um violão), elétricos
(como uma guitarra em um amplificador) ou digitais (como um sintetizador). Podem
ser, ainda, uma gravação (como um disco de vinil, um cd ou arquivo mp3) assim
como qualquer outro som, de qualquer natureza, organizado de alguma maneira
lógica.
Qualquer som produzido possui sempre quatro propriedades:
É através da manipulação dos sons e de suas propriedades que a música começa a
criar forma e é estruturada.
 
 
 
ASSISTA AO VÍDEO PARÂMETROS DO SOM.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
(EF69AR19) Identificar e analisar diferentes estilos musicais, contextualizando-os no tempo e
no espaço, de modo a aprimorar a capacidade de apreciação da estética musical.
https://www.youtube.com/watch?v=iiaserCoJQE
A estrutura da Música
Agora que você conhece essas propriedades, é a hora de organizar esses sons.
Embora existam outras formas de organização do material sonoro (outras culturas
fazem isso de maneiras muito interessantes), nossa música é estruturada utilizando
os seguintes elementos: melodia, harmonia e ritmo.
Melodia: diz respeito à sequência de notas musicais, uma de cada vez.
Normalmente, é o que nós cantamos em uma canção, ou um solo de guitarra;
Harmonia: diz respeito ao encontro simultâneo das notas, ou seja, quando tocamos
diversas notas ao mesmo tempo. A esse encontro de notas damos o nome de
“acordes”, que são geralmente utilizados para servir de acompanhamento às
melodias;
Ritmo: diz respeito aos “quandos” e “por quanto tempo” de cada um desses
elementos, e é de extrema importância em quase todos os tipos de música. Alguns
instrumentos, como a bateria e a percussão, cuidam unicamente deste elemento.
ASSISTA:
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no espaço, de modo a aprimorar a capacidade de apreciação da estética musical.
https://youtu.be/HKOE72E9V-M
ASSISTA AO VÍDEO O QUE É RITMO?
https://www.youtube.com/watch?v=xCXmWt20WQo
https://youtu.be/neG1kqKIx-E
(EF69AR19) Identificar e analisar diferentes estilos musicais, contextualizando-os no tempo e
no espaço, de modo a aprimorar a capacidade de apreciação da estética musical.
DANDO FORMA À MÚSICA
É claro que não basta apenas unir esses elementos principais. Normalmente, para
que a nossa música faça sentido, é preciso organizar esses materiais musicais de
alguma maneira, em “partes” ou “seções”. A essa organização, damos o nome de
Forma, que é um elemento fundamental no sentido de organizar a escuta.
Formas comuns de organização musical utilizam nomes como “introdução”, “verso” e
“refrão”. O nome muitas vezes não importa tanto. O que importa mesmo é essa
organização. Assim como os capítulos de um livro ou as cenas de um filme, é a
forma que traz unidade e coerência para os materiais musicais criados. Alguns
gêneros e formas musicais foram fundamentais na História da Música, como é o caso
das Sonatas e Sinfonias.
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no espaço, de modo a aprimorar a capacidade de apreciação da estética musical.
Exercícios...
1- (UFPR) Considere os versos da canção abaixo:
Nosso amor é mais gostoso
Nossa saudade dura mais
Nosso abraço mais apertado
Nós não usa as “bleque tais”!
O samba “Nóis não usa as bleque tais”, composto por Adoniran Barbosa e
Gianfrancesco Guarnieri, serviu de trilha sonora para a peça Eles não usam black-
tie (1958). A respeito do assunto, assinale a alternativa correta.
 ( ) A escolha de um samba como trilha sonora diminuiu a contundência da crítica
social pretendida pelo autor da peça, Gianfrancesco Guarnieri.
 ( ) A diferença entre o amor “mais gostoso” e o amor de quem usa “bleque-tais”,
com vantagem para o primeiro, dilui o efeito da oposição entre interesses coletivos e
individuais, tema central da peça.
 ( ) O samba, entoado na peça pelo personagem Chiquinho, colabora para a
representação e valorização da cultura popular.
 ( ) Tião, que usa “black-tie” (smoking e gravata),representa na peça o opressor,
cujo poder é empregado para reprimir a greve organizada pelos moradores do morro
 
 ( ) A valorização da vida simples e a consequente rejeição da possibilidade de
ascensão social conduzem aos finais trágicos de Tião e de Otávio
2- Do que é feito a música?
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3- Escreva o que é timbre.
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Intensidade, duração, altura e timbre.
 
é a propriedade que faz com que diferenciemos, por exemplo, o som de um piano
do som de uma flauta, ou a voz de uma pessoa de outra.
A MÚSICA NA SOCIEDADE
Enfim, feita essa análise, do som até a construção e organização dos materiais
sonoros em materiais musicais, cabe a reflexão sobre o encaixe do que chamamos
de “música” na nossa sociedade.
Há quem diga que a música (e a arte, em geral), é a voz de um povo. Muito mais do
que seguir regras e normas como as que tratamos neste artigo, precisamos
considerar a música como um organismo vivo, que se transforma expressando
(assim como denunciando) as diversas camadas do tecido social. Toda cultura e toda
sociedade organizada na história humana possui expressões artísticas cumprindo
(querendo ou não!) esse papel.
Fala-se muito, hoje em dia, sobre a função da música na vida moderna. Playlists com
músicas para cozinhar, tomar banho e andar de ônibus acompanham-nos no dia a
dia.
Gera-se então uma crítica: e a música para ouvir? Onde ela está? Ou será que a
música virou apenas algo como uma mobília, uma decoração, apenas enfeitando a
vida moderna? Ou é mais que isso? Há quem diga que a música é a manifestação
dos diversos afetos da alma humana.
Aqui, vale a reflexão sobre ambos os lados dessa balança. Subjetivamente, cada um
possui uma relação individual com a música. Vale sempre, porém, o questionamento:
será que a música pode ter outros papéis nas nossas vidas, que talvez não
estejamos dando a devida atenção? A música mexe com o que sentimos ou
pensamos? Será que conseguimos aprofundar ainda mais a nossa relação com a
música? E que benefícios isso poderia trazer?
Lembro da frase do grande Artur da Távola: “Música é vida interior. E quem tem vida
interior, nunca padecerá de solidão”. É interessante pensar que, nesse sentido, talvez
os gregos estivessem certos.
Assista ao vídeo: Por que a música é um componente importante na
sociedade?
https://youtu.be/lLfsZSAL8f4
(EF69AR19) Identificar e analisar diferentes estilos musicais, contextualizando-os no tempo e
no espaço, de modo a aprimorar a capacidade de apreciação da estética musical.
(EF69AR19) Identificar e analisar diferentes estilos musicais, contextualizando-os no tempo e
no espaço, de modo a aprimorar a capacidade de apreciação da estética musical.
Exercícios...
4- Na sua opinião, de que forma a música se torna importante na sociedade?
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5- Você escuta que tipo de música?
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6- Sua família costuma ouvir músicas? Se sim, em que situação?
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Resposta pessoal.
Resposta pessoal.
Resposta pessoal. Espere-se que o aluno responda conforme o texto lido e vídeo
proposto.
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CONHEÇA A HISTÓRIA DA ARTE NA DANÇA E SUA EVOLUÇÃO
A dança é uma arte realizada através da movimentação do corpo, na qual o
bailarino se expressa e demonstra valores de sua cultura, a dança também pode ser
um meio de entretenimento, interação social e atividade física para manter uma vida
saudável. O Dia Internacional da Dança é comemorado no dia 29 de abril e vamos
aproveitar a data para contar a história de uma das manifestações artísticas mais
conhecidas.
Os primeiros passos de dança surgiram na pré-história devido à necessidade de
comunicação entre os homens das cavernas. A dança primitiva também foi usada
para rituais e oferendas durante o Período Neolítico, como colheitas, preparação
para guerras e ritual de passagem para a vida adulta.
Durante a Antiguidade, as civilizações antigas, como as gregas, egípcias ou
mesopotâmicas, acreditavam que a dança tinha um caráter sagrado e era utilizada
para celebrar, cultuar e honrar os deuses de cada cultura, formando assim as
danças milenares.
Na Idade Média, a expansão do cristianismo pela Europa fez com que a dança
perdesse seu caráter sagrado, chegando a ser proibida como resultado do dualismo
cristão. As danças que sobreviveram naquele momento, como a tarantela italiana,
são oriundas do desespero da população e das difíceis condições de vida que se
tornaram apenas uma forma de festejar durante as celebrações.
Entre os séculos XVI e XVII, no período renascentista, a dança começa a ser
reconhecida como arte e passa a ter os profissionais que estudam para entender
melhor esta manifestação artística. Foi nesta época que surgiu o ballet que, antes
de chegar na França e se tornar uma arte praticada pela corte, começou na Itália
sendo nomeado como “balleto”.
Os primeiros ballets com coreografias, figurinos e histórias contadas com início,
meio e fim se desenvolveram após o incentivo na corte do rei Luís XIV, que recebeu
o apelido de “Rei-Sol” após uma apresentação no Ballet de La Nuit, em que vestia
uma roupa chamativa e brilhante representando o sol. Enquanto isso, no final do
século XVIII, na Áustria e no Império Alemão, surge a valsa que é dançada até hoje
nos bailes de debutantes e casamentos, por exemplo.
(EF69AR09) Pesquisar e analisar diferentes formas de expressão, representação e encenação da
dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
Logo depois, começa a dança no Romantismo que transforma o ballet numa das
expressões artísticas mais utilizadas da época, além de trocar os salões pelos
grandes palcos para realizar as apresentações, que conhecemos como os ballets de
repertório. Já no século XIX, no Brasil, surge o samba, enquanto na Argentina e no
Uruguai, o tango é a grande novidade.
A partir do século XX, começamos a ver novos estilos de dança que marcaram
gerações e estão presentes até hoje, como: o street dance, zumba, o sapateado,
salsa, as danças contemporâneas e muito mais. Esses novos estilos representam a
cultura na qual surgiram, como o flamenco que se tornou um símbolo da Espanha,
por outro lado, há danças que nasceram através da combinação de povos e
culturas, tendo como exemplo, o próprio samba que nasceu no Brasil por meio dos
africanos.
https://petitedanse.com.br/conheca-a-evolucao-da-danca-atraves-da-historia/
 
 
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dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
Na civilização Romana, as danças tinham um sentido muito claro: tudo girava em
torno dos Reis, República e Império.
Uma das danças mais conhecidas é a Saliano, que é uma dança guerreira, que era
praticada na primavera e honrava a Marte (o mês do nascimento da primavera). 
Na dança eram utilizados escudos sagrados que eram guardados especialmente
para esses eventos, e os passos relembravam a valsa – dança em três tempos.
Idade Média
No período da dança na idade média, a prática sofreu um retrocesso.Porque a arte,
usando o corpo como principal meio de expressão, foi considerado algo profano e
imoral.
Portanto, a dança na idade média ainda era de cunho ritualístico. Mas devido à
Guerra dos Cem Anos e as péssimas colheitas, a dança da Idade Média seguiu
tendências que transformou o ritmo e simbolizou a morte no seu sentido mais brutal.
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dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
Uma das danças mais conhecidas da Idade Média é a “Carola”, dança da alegria.
Que se tornou uma dança macabra, pois muitas vezes era dançada em cemitérios,
e era traduzida como:
"a vida é uma Carola conduzida pela morte”
E transformando a morte num motivo para se viver de acordo com as regras e
dogmas católicos (o medo de ir para o “inferno” comandava as escolhas e as vidas
das pessoas). Dançava-se até para espantar uma epidemia. Nessa época, a única
dança destinada ao espetáculo era a dança dos nobres: as outras danças eram
como rituais.
Exercícios...
1- Como era a dança em Roma? 
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2- O que é dança segundo o texto?
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a dança se caracterizava por apresentar um sentido próprio, em que se relacionava
com a monarquia, a república e o império.
 dança é uma arte realizada através da movimentação do corpo, na qual o bailarino
se expressa e demonstra valores de sua cultura, a dança também pode ser um meio
de entretenimento, interação social e atividade física para manter uma vida
saudável. 
(EF69AR09) Pesquisar e analisar diferentes formas de expressão, representação e encenação da
dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
Renascentista
No período renascentista a dança surge como apreciação da nobreza, adquirindo um
aspecto mais social. Com isso, a dança tornou-se mais complexa e passou a ter
grupos que estudavam cada movimento.
Uma das danças mais comuns é o Balé – agora com passos mais elaborados,
repertórios mais abrangentes e específicos que visavam a atividade lúdica, porém
voltava-se ao divertimento.
O uso do termo “Balé”, na época chamava-se de Balleto que significava um conjunto
de passos e ritmos. A moda foi predominante na Itália e se espalhou na França
durante o século XVI.
Romantismo
Todavia o termo romantismo foi totalmente influenciado pelo Balé. A expressão dos
grupos, do casal ou do dançarino ao executar os movimentos, era destinada a
valorizar o homem em conexão com o mundo.
Ou seja, o sentimentalismo exagerado, composições como as de Tchaikovsky (1840-
1893) em Lago dos Cisnes, e o Quebra Nozes marcaram a criação do balé
romântico, e deu ênfase para técnicas mais elaboradas.
 
Dança moderna
A dança moderna é uma negação ao balé. Nesse estilo, os bailarinos agora
trabalham de forma mais livre, bem menos regrada do que o balé, porém estruturada
de forma completa.
(EF69AR09) Pesquisar e analisar diferentes formas de expressão, representação e encenação da
dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
experimentação;
possibilidades de movimentos próximos ao chão;
quedas e repousos;
ausência de técnicas únicas;
possibilidade da junção de outras linguagens, como teatro, performance e artes
visuais.
 movimentos são mais explorados, além da condição física que o dançarino precisa
obter, existem grandes estudos das possibilidades motoras do corpo humano, como:
sentidos, audição, tato, capacidade de criatividade, entre outras coisas.
Dança contemporânea
A dança contemporânea é uma vertente da dança criada por volta da década de 60 a
partir de pesquisas corporais de companhias de dança, sobretudo nos EUA.
Nessa maneira de dançar, a intenção é trazer movimentos que consigam transmitir
sentimentos e questionamentos, ao mesmo tempo, em que aproximam a dança da
vida cotidiana.
Traz como marca a investigação gestual e a experimentação, não possuindo técnicas
próprias e podendo mesclar outras linguagens das artes, como o teatro e a
performance.
Características da dança contemporânea
Existem muitas formas de realizar a dança contemporânea. Justamente por ela
possibilitar grande libertação corporal, é difícil listar com precisão tipos de dança
contemporânea, pois cada companhia acaba por realizar suas pesquisas próprias.
Entretanto, é possível agrupar algumas características frequentes, como:
Além disso, outra característica é a utilização recorrente da improvisação, ou seja, de
gestos criados livremente no momento em que os dançarinos executam a dança.
Assim, não é necessário que haja sempre uma coreografia pré-estabelecida.
Grupos de dança contemporânea
1. Quasar Cia de Dança
A Quasar Cia de Dança é um grupo bastante conhecido no Brasil, com trabalhos
também no exterior. Surgida em Goiânia na década de 80, a companhia é uma
iniciativa de Vera Bicalho e Henrique Rodavalho.
Possui uma linha de pesquisa própria e tem grande apreço por temas do cotidiano,
como as relações humanas.
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dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
Assista:
https://www.youtube.com/watch?v=h090fjzI-o0&feature=emb_imp_woyt
2. Peeping Tom Dance Cie
Esse é um grupo de dança da Bélgica, surgido em 2000, que prioriza a delicadeza e
o cenário. Seus espetáculos normalmente apresentam narrativas fortes e trazem a
dança de forma menos explícita.
https://www.youtube.com/watch?v=KlrXPVZG5Ho&feature=emb_imp_woyt
(EF69AR09) Pesquisar e analisar diferentes formas de expressão, representação e encenação da
dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
3. Grupo Corpo
O Grupo Corpo possui uma trajetória consolidada no cenário da dança
contemporânea brasileira. Criada em 1975 em Minas Gerais, a companhia tem um
processo criativo bastante interligado com a música.
Normalmente, a trilha sonora é escolhida como um ponto de partida para a que a
coreografia seja criada. A preferência é pela música popular brasileira (MPB).
4. Shen Wei Dance Arts
O grupo foi idealizado pelo chinês Shen Wei, que vive e trabalha em Nova York. O
trabalho que ele apresenta faz um paralelo entre a arte ocidental e oriental. Traz
ainda muitos elementos das artes visuais, cinema, teatro, além de outras mídias.
https://www.culturagenial.com/danca-contemporanea/
Assista:
https://www.youtube.com/watch?v=Z2h6eyLTaEo&feature=emb_imp_woyt
https://www.youtube.com/watch?v=e0UEsriM35I&feature=emb_imp_woyt
(EF69AR09) Pesquisar e analisar diferentes formas de expressão, representação e encenação da
dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
Exercícios...
3- Relacione:
(1) Peeping Tom Dance Cie
(2) Grupo Corpo
(3) Shen Wei Dance Arts
( 2 ) A trilha sonora é escolhida como um ponto de partida para a que a coreografia
seja criada. A preferência é pela música popular brasileira (MPB)
( 3 ) Traz muitos elementos das artes visuais, cinema, teatro, além de outras
mídias.
( 1 ) prioriza a delicadeza e o cenário. Seus espetáculos normalmente apresentam
narrativas fortes e trazem a dança de forma menos explícita.
(EF69AR09) Pesquisar e analisar diferentes formas de expressão, representação e encenação da
dança, reconhecendo e apreciando composiçõesde dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
(EF69AR09) Pesquisar e analisar diferentes formas de expressão, representação e encenação da
dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
4- Quais são as características da dança contemporânea?
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5- Cite dois grupos de danças contemporâneas. 
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6- O balé foi um grande influenciador a que movimento?
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7- A dança na idade média ainda era de cunho ritualístico. Mas devido à Guerra
dos Cem Anos e as péssimas colheitas, a dança da Idade Média seguiu tendências
que transformou o ritmo e simbolizou a morte no seu sentido mais brutal. Qual foi a
dança mais conhecido da idade média?
( ) balé
( ) hip hop
( ) carola
experimentação;
possibilidades de movimentos próximos ao chão;
quedas e repousos;
ausência de técnicas únicas;
possibilidade da junção de outras linguagens, como teatro, performance e artes
visuais.
Grupo corpo, Quasar Cia 
O romantismo. A expressão dos grupos, do casal ou do dançarino ao executar os
movimentos, era destinada a valorizar o homem em conexão com o mundo.
NOME:___________________________________
DATA: ____/____/____
A SEMANA DA ARTE MODERNA
 A Semana de Arte Moderna, realizada entre os dias 13 e 18 de fevereiro de 1922, 
foi o evento que deu visibilidade para uma das escolas literárias mais inovadoras e
importantes da história da literatura brasileira – o modernismo. Apesar das primeiras
manifestações modernistas terem surgido em São Paulo na década de 1910, foi
apenas a partir de 1922 que o movimento ganhou visibilidade fora da capital paulista,
alcançando outras partes do país. A ampla divulgação dos ideais modernistas deveu-
se, principalmente, à Semana de Arte Moderna.
 Realizada no Teatro Municipal de São Paulo, a Semana de Arte Moderna contou
com a participação de vários artistas do Rio de Janeiro e de São Paulo. Considerado
por muitos estudiosos da literatura como um divisor de águas na cultura brasileira, o
evento provocou grandes e profundas transformações nas artes de nosso país – que,
a partir daquele momento, romperiam definitivamente com a cultura europeizante ao
propor o abrasileiramento nas artes plásticas, na música e na literatura. Começava
uma busca incessante pela construção de uma identidade genuinamente nacional,
distante dos moldes europeus que pouco representavam o povo brasileiro.
Na fotografia, entre outros modernistas,
Mário de Andrade e Guilherme de Almeida
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
https://mundoeducacao.uol.com.br/literatura/modernismo.htm
Mário de Andrade (sentado), Anita Malfatti
(sentada, ao centro) e Zina Aita (à esquerda
de Anita)
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
Como ocorreu o evento?
 O evento foi aberto ao público, que durante toda a semana pôde visitar o saguão do
teatro e conferir uma exposição de artes plásticas com obras de Anita Malfatti,
Vicente do Rego Monteiro, Zina Aita, Di Cavalcanti, Harberg, Brecheret, Ferrignac e
Antonio Moya. Além da exposição, foram realizados saraus com apresentação de
conferências, leitura de poemas, dança e música, participação dos escritores Graça
Aranha, Menotti del Picchia, Guilherme de Almeida e Ronald de Carvalho, com
execução de músicas de Ernâni Braga e Villa-Lobos.
 
 Entre os organizadores da Semana, estavam Mário e Oswald de Andrade, que,
posteriormente, ao lado de Manuel Bandeira (que não participou do evento),
formaram a célebre tríade modernista. Eles foram considerados como os principais
representantes e divulgadores do Modernismo no Brasil. Graças a eles, a estética
modernista ganhou adesão de outros importantes escritores, conseguindo, assim,
solidificar-se e influenciar as gerações vindouras.
https://mundoeducacao.uol.com.br/literatura/oswald-andradepoeta-revolucionario.htm
https://mundoeducacao.uol.com.br/literatura/manuel-bandeira.htm
Desdobramentos
Como toda inovação, sobretudo quando essa está inserida em um contexto
ultraconservador, o modernismo não foi bem recebido pela crítica, que à época
respaldava o parnasianismo, escola literária que pregava o retorno aos ideais
clássicos e, assim, alcançava prestígio também entre os leitores (sobretudo entre as
elites).
A Semana de Arte Moderna não teve grande repercussão, tampouco recebeu a
devida atenção dos jornais da época, que se limitaram a dedicar poucas colunas em
suas páginas sobre o evento. Entretanto, aos poucos, a Semana foi ganhando uma
enorme importância histórica, uma vez que reuniu entre os dias 13 e 18 de fevereiro
de 1922 várias tendências de renovação, cujo principal objetivo, embora não
houvesse um projeto artístico em comum que as unisse, era o de combater a arte
tradicional.
Conforme dito por Mário de Andrade em uma conferência realizada em 1942 por
ocasião dos vinte anos da Semana de Arte Moderna de 1922, “o Modernismo, no
Brasil, foi uma ruptura, foi um abandono de princípios e de técnicas consequentes, foi
uma revolta contra o que era a Inteligência nacional”. Os reflexos da Semana foram
sentidos em todo o decorrer dos anos 1920, romperam a década de 1930,
influenciaram toda a literatura produzida no Brasil durante o século XX e alcançaram
a literatura contemporânea. De certa forma, tudo feito no país hoje, seja na literatura,
seja nas artes plásticas, está indelevelmente relacionado com o Modernismo.
https://mundoeducacao.uol.com.br/literatura/a-semana-arte-moderna.htm
 
 
Exercícios...
1- O que foi o movimento da semana da arte moderna?
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(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
 Considerado por muitos estudiosos da literatura como um divisor de águas na
cultura brasileira, o evento provocou grandes e profundas transformações nas artes
de nosso país – que, a partir daquele momento, romperiam definitivamente com a
cultura europeizante ao propor o abrasileiramento nas artes plásticas, na música e
na literatura. 
https://mundoeducacao.uol.com.br/literatura/modernismoprimeira-fase-literaria.htm
https://mundoeducacao.uol.com.br/literatura/mario-andrade.htm
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
2- Como ocorreu esse evento?
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3- Qual foi o objetivo da semana da arte moderna?a) impressionar o público com apresentações clássicas e tradicionais.
b) a liberdade total da criação, seguindo padrões europeus conservadores.
c) a liberdade de criação artística totalmente oposta aos padrões já existentes.
d) a formalização da linguagem, seguindo a cultura predominante na época. 
4- O que foi o modernismo brasileiro?
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5- Pesquise alguns principais artistas da semana da arte moderna.
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 O evento foi aberto ao público, que durante toda a semana pôde visitar o saguão
do teatro e conferir uma exposição de artes plásticas com obras de Anita 
 foi um movimento artístico que surgiu oficialmente na Semana de Arte Moderna de
1922, se estendendo até a segunda metade do século passado.
Pesquisa.
NOME:___________________________________
DATA: ____/____/____
Victor Brecheret
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
Vittorio Breheret ou Victor Brecheret (nome pelo qual ficou conhecido após se
naturalizar brasileiro) foi um renomado escultor ítalo-brasileiro que fez parte da
vanguarda artística brasileira durante a primeira metade do século XX.
De fato, Brecheret foi o principal responsável pela iniciação da escultura brasileira no
movimento modernista internacional.
Sob forte influência da escultura de Auguste Rodin (1840-1917), Victor Brecheret
recusava o academicismo artístico e se alinhava a movimentos como o construtivista,
expressionista e cubista.
Possuía uma estética pós-impressionista, caracterizada pelo volume geométrico da
escultura, bem como pelo tratamento sintético das formas. Muitas de suas obras se
encontram expostas em locais públicos, principalmente pela cidade de São Paulo.
Nascido na cidade italiana de Farnese, no dia 15 de dezembro de 1894, “Vittorio
Breheret” era filho de Augusto Breheret e Paolina Nanni. Contudo, foi criado pelo tio
materno, Enrico Nanni, após a morte de sua mãe.
Emigrou para o Brasil em 1904. No ano de 1912, ingressou no Liceu de Artes e
Ofícios de São Paulo para aprender desenho e modelagem, bem como técnicas de
entalhe em gesso e mármore.
No ano seguinte (1913), Brecheret se muda para Roma, onde irá permanecer por
seis anos estudando escultura.
Foi nessa época que o escultor teve os primeiros contatos com os artistas das
vanguardas europeias. Os primeiros frutos viriam em 1916, quando ganha o primeiro
prêmio na Exposição de Belas-Artes em Roma, com a obra "Despertar".
Em 1919, Victor cria seu ateliê em São Paulo, onde logo é descoberto por artistas
vanguardistas brasileiros como Oswald de Andrade (1890-1954), Mário de Andrade
(1893-1945), Di Cavalcanti (1897-1976), dentre outros.
Dois anos depois, (1921), Brecheret é agraciado com uma bolsa e viaja para Paris,
onde permanece até 1935.
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
Em 1922, Victor Brecheret participou com dezenas de obras na Semana de Arte
Moderna, quando teve suas esculturas expostas no Teatro Municipal de São Paulo.
Em 1923, o artista recebe uma encomenda do governo do Estado de São Paulo: a
execução do Monumento às Bandeiras, a qual levaria mais de trinta anos para ser
concluída.
Este monumento foi inaugurado em 1953 e está exposto no Parque do Ibirapuera, em
São Paulo. A obra representa os bandeirantes que fizeram incursões pelo território
brasileiro. Atualmente a escultura é alvo de críticas e protestos contra a exploração
indígena e o passado de exploração brasileiro.
Monumento às bandeiras (1953)
Sua primeira exposição individual viria em 1926, na capital paulista.
No ano de 1932, Brecheret torna-se sócio-fundador da “Sociedade Pró-Arte
Moderna” e, em 1941 é vencedor no concurso pela execução do Monumento ao
Duque de Caxias. É neste período que o escultor amadurece plenamente, quando
passa a evocar elementos estéticos da cultura indígena brasileira.
Em 1950 e 1952, o modernista expõe na XXV e XXVI Bienais de Veneza. Irá expor
também na “1ª Bienal Internacional de São Paulo” (1951), quando foi premiado
como melhor escultor nacional.
Em 1955, expõe na 3ª Bienal Internacional de São Paulo e, em 1957, é
homenageado postumamente com sala especial na 4ª Bienal.
Victor Brecheret falece em São Paulo no dia 17 de dezembro de 1955, vítima de um
Infarto agudo do miocárdio.
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
Despertar (1916)
As esculturas Ídolo e Eva (1919)
Diana Caçadora (1920)
Monumento às Bandeiras (1920-1953)
Monumento ao Duque de Caxias (1941)
Drama Marajoara (1951)
Drama Amazônico (1955)
Principais obras de Victor Brecheret
Segue abaixo as obras de Victor Brecheret que merecem destaque:
Exercícios....
Pesquise sobre a obra Despertar (1916), escreva sobre ela e cole uma foto. 
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Pesquisa individual.
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
Pesquise sobre o monumento ao Duque de Caxias (1941), escreva sobre o
monumento e cole uma foto. 
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Pesquisa individual.
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
Escreva sobre o "Drama Amazônico (1955)", e cole uma foto representativa.
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Pesquisa individual.
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DATA: ____/____/____
ANITA MALFATI
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
Anita Malfatti, pintora brasileira, é considerada a precursora do modernismo no Brasil.
Sua exposição de 1917 foi de suma importância para o desenvolvimento desse
movimento.
"Anita Malfatti, pintora brasileira, nasceu em 2 de dezembro de 1889, em São Paulo.
Aprendeu a pintar com a mãe. No entanto, a artista estudou, em 1914, no Museu
Real de Artes e Ofícios, na Alemanha, e, em 1915 e 1916, na Arts Students League
of New York e na Independent School of Art, nos Estados Unidos. Sua primeira
exposição individual ocorreu em 1914, em São Paulo, mas a de 1917 é a mais
famosa, devido à sua importância para o modernismo brasileiro.
A artista participou da Semana de Arte Moderna de 1922, evento artístico em
comemoração ao centenário da independência do Brasil e responsável por divulgar
as novas tendências da arte brasileira, isto é, o modernismo, movimento que rompeu
com a arte tradicional para criar uma arte moderna, inovadora, independente e
nacional. Assim, a criadora da tela O homem amarelo teve seu auge no modernismo,
mas, com a maturidade artística, optou por fazer uma arte mais espontânea, com
temática pautada na cultura popular, até a sua morte, em 6 de novembro de 1964."
"Nos anos de 1915 e 1916, Anita Malfatti morou em Nova Iorque, onde estudou na
Arts Students League of New York e na Independent School of Art. Apesar de sua
primeira exposição individual ter ocorrido em 1914, em São Paulo, a pintora só ficou
conhecida em 1917, devido a uma crítica negativa feita pelo escritor Monteiro Lobato
(1882-1948). De todo modo, a pintura modernista, da qual Anita Malfatti é
considerada a precursora, ganhou força com a realização da Semana de Arte
Moderna de 1922.
Nessa época, ela fez parte do Grupo dos Cinco, um grupo de artistas composto por:
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
Tarsila do Amaral (1886-1973),
Mário de Andrade (1893-1945),
Oswald de Andrade (1890-1954)
Menotti del Picchia (1892-1988)."
"Em 1923 foi estudar em Paris, e só voltou ao Brasil em 1928 para ensinar desenho e
pintura. A partir daí, a artista foi relativamente afastando-se do modernismo.
A pintora, desenhista, gravadora, ilustradora e professora Anita Malfatti participou do
Salão Revolucionário, da Sociedade Pró-Arte Moderna, do Salão Paulista de Belas
Artes e, em 1937, integrou-se à Família Artística Paulista, além de tornar-se
presidente do Sindicato de Artistas Plásticos de São Paulo, em 1942. Assim, a partir
da década de 1940, a pintora passou a produzir uma pintura mais centrada na cultura
popular. Morreu em 6 de novembro de 1964, em São Paulo."
"Estilo artístico de Anita Malfatti
Anita Malfatti foi uma artista do modernismo brasileiro, estilo de época inaugurado na
Semana de Arte Moderna de 1922. Esse movimento realizou uma quebra com a arte
tradicional, isto é, a arte acadêmica, com o intuito de criar uma arte independente e
nacional. Dessa forma, o nacionalismo foi uma das principais características do
modernismo brasileiro, movimento que, a princípio, esteve muito centrado no
contexto urbano.
A exposição de Anita Malfatti, em 1917, é considerada, pelos estudiosos, um dos
principais acontecimentos artísticos que levaram à realização da Semana de Arte
Moderna de 1922. Portanto, a artista foi uma precursora, no Brasil, da “arte nova” ou
arte moderna, que teve seu auge entre os anos de 1922 e 1930, período mais radical
do movimento, a “fase de destruição”.
O modernismo no Brasil sofreu influência das vanguardas europeias, isto é, de
movimentos como:
Cubismo
Futurismo
Dadaísmo
Surrealismo
Expressionismo"
Principalmente nas artes plásticas, traços característicos desses movimentos podem
ser identificados. Assim, inicialmente, Anita Malfatti, influenciada pelo
expressionismo, imprimiu, em suas obras, marcas dessa estética.
Nas obras desse seu período inicial, é possível observar um trabalho experimental
com a luz, no abandono da técnica tradicional do claro-escuro. A artista não se
preocupou com a representação fidedigna, isto é, naturalista, da realidade. Imagens
com contornos grossos e ondulantes também podem ser identificadas. Além disso, a
temática nacionalista fez-se presente, como na obra Tropical, de 1917.
No entanto, ainda na década de 1920, Malfatti Ccomeçou a afastar-se do
modernismo, sem, contudo, romper com o movimento. A pintora interessou-se pelo
fauvismo, ou seja, passou a utilizar cores mais intensas, caminhou para a temática
regionalista, voltou a dialogar com a pintura clássica e, por fim, buscou expressar-se
de forma mais original. No auge de seu amadurecimento, sua pintura atingiu a
espontaneidade, a independência em relação a movimentos estéticos, e privilegiou
temas da cultura popular."
 https://brasilescola.uol.com.br/artes/anita-malfatti.htm
 
 
Exercícios...
1- Quem foi Anitta Malfatti?
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2- Como era o estilo artístico da Anitta Malfatti?
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(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
Anita Malfatti foi uma artista do modernismo brasileiro, estilo de época inaugurado na
Semana de Arte Moderna de 1922
 é possível observar um trabalho experimental com a luz, no abandono da técnica
tradicional do claro-escuro. A artista não se preocupou com a representação
fidedigna, isto é, naturalista, da realidade. Imagens com contornos grossos e
ondulantes também podem ser identificadas.
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposiçõestemáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
3- Pesquise sobre a obra Tropical, de 1917.
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Pesquisa individual. 
Anita Malfatti e sua obra Tropical são as homenageadas de hoje no projeto Um
Pouco de Arte para sua Vida. A artista tinha voltado há pouco dos Estados Unidos
quando produziu a obra e sua arte foi duramente criticada por não se encaixar nos
padrões acadêmicos da época.
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
4- De acordo com a imagem pesquisada, responda:
a) Compare a mulher, retratada nessa obra, no ano de 1917, com a mulher da
atualidade. Liste as diferenças que você identificar.
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b) O que está representado na obra?
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c) Se você pudesse criar uma obra com a mesma mensagem da obra "tropical". como
você representaria? Ilustre.
Ilustração Pessoal.
Observação e leitura de imagem pessoal. Espere-se que seja
retratado sobre a roupa, os trabalhos domésticos/profissionais, e etc.
"Sua importância está justamente no fato de representar uma mulher preta,
trabalhadora, cercada de elementos naturais tipicamente brasileiros. Colocar essa
mulher no centro de uma tela em 1917 é algo bastante inovador, se considerarmos o
contexto de uma sociedade que naturalizava o racismo estrutural."
NOME:___________________________________
DATA: ____/____/____
OBRAS DE ANITA MALFATTI
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
"Selo de 1989, que reproduz a tela O homem amarelo, de Anita Malfatti. [1]
Pesquisa...
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
1- Quais obras foram criadas pela artista Anitta Malfatti? Cole imagens.
Pesquisa individual.
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
Escolha uma das obras que você mais gostou, e faça uma releitura. Depois,
explique o motivo da escolha. 
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Releitura
Espera-se que o aluno faça uma reflexão crítica-social.
NOME:___________________________________
DATA: ____/____/____
LASAR SEGALL 
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
Pintor, desenhista, gravador e escultor. Tornou-se símbolo do Expressionismo e do
Modernismo.
Lasar Segall nasceu em 21 de julho de 1889 em Vilna, capital da atual República da
Lituânia. Demonstrou interesse pela arte ainda criança, iniciando o aprendizado em
uma escola de desenho local.
De origem judaica, migrou para Berlim, aos 15 anos, para prosseguir com os estudos.
Ingressou na Escola de Artes Aplicadas, em seguida, frequentou a rigorosa Academia
Imperial de Belas Artes.
Não contente com os métodos tradicionais da Academia Imperial, Lasar Segall
mudou-se para Dresden e transferiu os estudos para a Academia de Belas Artes,
aproveitando a liberdade de criação concedida pela instituição.
Em 1912, embarcou em uma longa viagem que iniciou pela Holanda, com destino ao
Brasil, onde já vivia três dos seus sete irmãos. No ano seguinte, realizou duas
exposições em São Paulo e Campinas sem muita repercussão entre o público e
crítica.
Acolhido pelo senador José de Freitas Valle, grande mecenas da época, começou a
ministrar aulas para a jovem Jenny Klabin. Em fins de 1913, retornou a Europa.
Com o início da Primeira Guerra Mundial, Lasar Segall ficou retido por algum tempo
na cidade Meissen, em uma espécie de prisão domiciliar por ser cidadão judeu.
Graças a ajuda dos amigos influentes, Lasar Segall pôde voltar a Dresden.
Sua cidade natal fora ocupada pelas tropas russas e o pintor temia pela segurança da
sua família. Em 1916, conseguiu autorização para visitar sua cidade natal e
encontrou Vilna destruída pela guerra.
Nessa época, Lasar Segall descreveu através de cartas a morte de conhecidos nos
campos de batalha, a constante repressão e até a falta de materiais de trabalho.
A paisagem tomada pelos destroços lhe causou um forte abalo. O artista produziu
uma série de desenhos e pinturas como forma de exteriorizar a violência contra os
judeus, deixando que as formas de suas obras fossem tomadas pela emoção.
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
De volta na cidade de Dresden, conheceu a atriz Margarete Quack, com quem se
casou após a Primeira Guerra Mundial.
Neste mesmo ano Lasar Segall expôs algumas dessas obras na cidade, recebendo
elogios da crítica. Esses trabalhos marcaram uma transição em seu modo de
expressão.
Unido a uma turma de artistas insatisfeitos com as formas existentes, formaram o
Neue Kreis (Novo Círculo), um grupo destinado ao desenvolvimento de novas
possibilidades de expressão. Apesar das exposições e conferências realizadas, o
oficio não durou muito.
Em 1918, com a instauração da República de Weimar, Lasar Segall alinhou-se ao
Expressionismo, que até então era um movimento repudiado e marginalizado.
No ano seguinte, fundou com outros artistas o Dresdner Sezession Gruppe 1919
(Grupo Secessão de Dresden 1919), com objetivo de promover a arte expressionista
vinculado a Galeria Emil Richter.
Lasar Segall foi o participante mais fiel e ativo do grupo, mesmo após a saída de
vários membros. A partir daí começou a ganhar reconhecimento e suas obras
passam a se destacar em museus públicose colecionadores começam a ter
interesse em adquirir seus trabalhos.
Em 1919, o Museu Municipal de Dresden inaugurou a seção de arte moderna ao
adquirir a tela “Die ewigen Wanderer” (Eternos caminhantes), de Segall.
Obra “Eternos caminhantes” (1919) (Foto: Site Museu Lasar Segall)
https://www.guiaestudo.com.br/expressionismo
Após a crise econômica que atingiu a Alemanha em 1923, Lasar Segall migrou mais
uma vez, com destino ao Brasil.
Em São Paulo, é bem recebido pelos artistas do modernismo no Brasil, como Mário
de Andrade, que consideram sua chegada como uma conquista para a vanguardas
brasileiras.
Lasar Segall passou a ser essencial para o movimento modernista, atuando como um
contraponto da escola alemã e das influências francesas, onde viveu entre 1928 e
1932 e iniciou a exploração no campo da escultura.
Nessa fase, suas obras começaram a ganhar temas brasileiros, adquirindo contornos
menos angulosos, cores mais vivas, mas sem perder a característica expressionista.
Em um dos ensaios publicados na imprensa por Mario de Andrade, ele refere-se a
este período como a “fase da contemplação”. Os personagens de Lasar Segall agora
são mulatas, negros, marinheiros e prostitutas.
Lasar também passou a se dedicar ao desenho de móveis modernos. No ano de
1924, realizou a conferência Sobre Arte, na Villa Kyrial, residência do senador José
de Freitas Valle.
Logo após, Lasar Segall foi o responsável por decorar o Pavilhão de Arte Moderna de
Olívia Guedes Penteado, espaço dedicado a reunião das obras modernistas dos
mecenas.
A primeira esposa do artista não se adaptou a vida paulistana e retornou a Europa.
Logo depois, Lasar Segall casou-se com Jenny Klabin, com quem teve dois filhos e
viveu até o fim de sua vida.
Segall participou ativamente da vida cultural paulista, fundou e promoveu importantes
eventos junto a extinta Sociedade Pró-Arte Moderna (SPAM), que se dedicava a
divulgação das propostas de vanguarda em São Paulo.
Em 1943, o governo federal do Brasil promoveu uma homenagem a Lasar Segall com
uma com uma grande exposição retrospectiva no Museu Nacional de Belas Artes, no
Rio de Janeiro.
Em 1945, participou da exposição Arte Condenada pelo Terceiro Reich, como forma
de apoio aos artistas perseguidos pelo regime nazista, na Galeria Askanazy.
Em 1957, Lasar Segall realizou no Museu de Arte Moderna, em Paris, a grandiosa
"Exposição Segall". Com 61 quadros, 22 esculturas de bronze, 200 desenhos,
aquarelas e gravuras, a mostra tornou-se um marco em sua carreira.
Lasar Segall faleceu no dia 2 de agosto de 1957, em São Paulo, vítima de problemas
cardíacos.
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
https://www.guiaestudo.com.br/modernismo-no-brasil
https://www.guiaestudo.com.br/mario-de-andrade
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
Obra “Paisagem brasileira”, de
Lasar Segall (1925) (Foto: Site
Museu Lasar Segall)
“Aldeia Russa” (1918)
“Família Enferma” (1920)
“Família” (1922)
“Encontro” (1924)
“Paisagem Brasileira” (1925)
“Morro vermelho” (1926)
“Retrato de Mário de Andrade” (1927)
“O bebedouro” (1927)
“Dois nus” (1930)
“Três jovens” (1939)
“Guerra” (1942)
Principais obras de Lasar Segall
No decorrer dos seus mais de 50 anos de atividade artística, Lasar Segall produziu
uma sólida carreira e um acervo reconhecido mundialmente.
Ao longo da sua vida, dedicou atenção especial a experiência judaica, retratando em
suas obras tanto os pontos negativos, como os ataques violentos, perseguições,
discriminação, a guerra e o campo de concentração, quanto a rica religiosidade e
tradições do seu povo.
Parte de suas obras também foram realizadas a partir de temas marginalizados e
grupos socialmente excluídos na época, como emigrantes, indígenas e prostitutas.
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
“Navio de emigrantes” (1939-41) (Foto: Site Museu Lasar Segall)
Museu Lasar Segall
Após a morte de Lasar Segall, sua viúva Jenny Klabin Segall iniciou a documentação
das obras do esposo e dedicou-se a conservação do acervo com a intenção de
fundar um museu futuramente.
Com a ajuda dos filhos Maurício Segall e Oscar Klabin Segall, coordenou algumas
exposições póstumas de Segall pela Europa, mantendo o nome do artista no setor
internacional.
No dia 2 de agosto de 1967, exatamente dez anos após a morte do marido, Jenny
faleceu em consequência de um enfarte.
Dias depois, em 21 de setembro de 1967, foi inaugurado oficialmente o Museu Lasar
Segall, localizado na antiga residência do casal na Rua Afonso Celso, no bairro da
Vila Mariana, em São Paulo.
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
Exercícios...
1- Quem foi Lasar Segall ?
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2- Lasar Segall passou a ser essencial para o movimento modernista, atuando como
um contraponto da escola alemã e das influências francesas, onde viveu entre 1928 e
1932 e iniciou a exploração no campo da escultura.
Nessa fase, suas obras começaram a ter quais características?
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3- Cite 3 principais obras de Lasar Segall.
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4- Lasar Segall foi naturalizado brasileiro. Onde ele nasceu?
( ) Em Berlim, capital alemã
( ) Em São Petersburgo, cidade russa
( ) Em Vilna, capital da Lituânia
Pintor, desenhista, gravador e escultor. Tornou-se símbolo do Expressionismo e
do Modernismo.
Paisagem Brasileira (1925)
Morro vermelho (1926)
Retrato de Mário de Andrade (1927)
Contornos menos angulosos, cores mais vivas, mas sem perder a característica
expressionista
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
5- Já pintor, Lasar Segall foi expulso da Academia de Belas-Artes de Dresden em
1914. Era o primeiro ano da:
( ) Primeira Guerra
( ) Revolução Russa
( ) Segunda Guerra
6- O que são os "pogroms" representados na obra de Lasar Segall?
( ) Os campos de concentração da Segunda Guerra
( ) As perseguições aos judeus da Europa
( ) Os exílios forçados de emigrantes pobres
7- Lasar Segall escolheu que cidade brasileira para morar?
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8- Pesquise uma obra de Lasar Segall.
São Paulo.
Cole a obra.
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
9- Observe a obra de Lasar Segall, escreva sobre o que você interpreta ao olhar a
imagem. Depois, pesquise sobre ela e veja se seu pensamento foi coerente.
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Um olhar e interpretação individual. Logo após uma pesquisa sobre a real
interpretação, a fim de comparar as duas ideias.
NOME:___________________________________
DATA: ____/____/____
TARSILA DO AMARAL 
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
Tarsila do Amaral nasceu em 1886 e morreu em 1973. Em 1904, fez seu primeiro
quadro – Sagrado coração de Jesus – e, em 1922, começou a fazer pinturas
vanguardistas. Filiou-se definitivamente ao Modernismo brasileiro ao pintar a tela A
negra (1923).
Durante suas fases Pau-Brasil (1924-1928) e Antropofágica (1928-1930), a artista
esteve completamente voltada para o movimento modernista brasileiro, quando
produziu obras como: Carnaval em Madureira (1924) e Abaporu (1928). Já Operários
(1933) é a obra mais conhecida de sua fase social.
Biografia de Tarsila do Amaral
A pintora Tarsila do Amaral nasceu em 1º de setembro de 1886, em Capivari, no
estado de São Paulo, e morreu em 17 de janeiro de 1973, na cidade de São Paulo.
Sua obra apresenta paisagens rurais e urbanas brasileiras, além de elementos da
fauna, flora e folclore do país.
Seu primeiro quadro – Sagrado coração de Jesus – foi feito em 1904, em Barcelona,
quando a artista estudava na Espanha. De 1920 a 1922, estudou na Académie Julian,
em Paris. Assim, não participou da Semana de Arte Moderna de 1922, já que estava
na França quando o evento ocorreu. A pintora, portanto, teve uma formação
acadêmica antes de aderir ao Modernismo.
Tarsila do Amaral, possivelmente em 1925.
https://mundoeducacao.uol.com.br/literatura/modernismo.htm
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
No Brasil, fez parte do chamado Grupo dos Cinco: Anita Malfatti (1889-1964), Mário
de Andrade (1893-1945), Oswald de Andrade (1890-1954), Menotti del Picchia (1892-
1988) e Tarsila do Amaral. Por causa desse convívio, em 1922, pintou os retratos de
Mário de Andrade e de Oswald de Andrade, em estilo expressionista. No ano
seguinte, em 1923, ela e Oswald de Andrade foram viver em Paris, onde Tarsila do
Amaral pôde se envolver ainda mais com a arte moderna.
Sua primeira tela modernista é A negra, de 1923, de influência cubista, e causou forte
impacto na época. Três anos depois, em 1926, Tarsila do Amaral fez sua primeira
exposição individual em Paris. Nesse mesmo ano, casou-se com o escritor Oswald
de Andrade. Mas, em 1930, ela se separou do marido ao descobrir que ele estava
tendo um romance com a escritora Pagu (1910-1962).
Em 1929, Tarsila do Amaral teve sua primeira exposição individual no Brasil. Em
1931, viajou para a União Soviética e fez uma exposição em Moscou. A partir de
1935, passou a trabalhar como colunista e ilustradora. Em 1950, as pinturas de sua
fase “neo-pau-brasil” foram apresentadas no Museu de Arte Moderna de São Paulo
(MAM/ SP). Já em 1954, fez a tela Procissão do Santíssimo, em comemoração aos
quatrocentos anos da cidade de São Paulo.
Tarsila e o Modernismo
Cartaz da Semana de Arte
Moderna, em 1922.
https://mundoeducacao.uol.com.br/literatura/anita-malfatti.htm
https://mundoeducacao.uol.com.br/literatura/mario-andrade.htm
https://mundoeducacao.uol.com.br/literatura/oswald-andradepoeta-revolucionario.htm
https://mundoeducacao.uol.com.br/historiageral/pagu-primeira-presa-politica-brasil.htm
O Modernismo brasileiro foi inaugurado com a Semana de Arte Moderna, em 1922.
Nesse evento, artistas de diversas áreas apresentaram novas tendências artísticas
inspiradas nos movimentos de vanguarda que estavam em curso na Europa. A
principal característica desse movimento foi a quebra radical com a arte acadêmica e
com os valores tradicionais, não só na arte, mas também na sociedade brasileira.
Na Semana de 22, participaram os seguintes artistas das artes visuais: Anita Malfatti,
Di Cavalcanti (1897-1976), Ferrignac (1892-1958), Jonh Graz (1891-1980), Vicente
do Rego Monteiro (1899-1970), Zina Aita (1900-1967), Yan de Almeida Prado (1898-
1991), Antônio Paim Vieira (1895-1988) e Alberto Martins Ribeiro|1|. Apesar de
Tarsila do Amaral não ter participado do evento, demonstrava interesse pela
chamada “arte moderna”.
Além de apresentar marcas de movimentos das vanguardas europeias, como o
cubismo e o surrealismo, o Modernismo brasileiro também explorou a temática
nacional. Foi um movimento artístico que buscava revelar a identidade brasileira, e
isso pode ser visto nas obras de Tarsila do Amaral produzidas entre os anos de 1924
a 1933.
Já entre os anos de 1904 e 1923, as obras da artista revelam seu processo de
formação até a descoberta da arte moderna. A temática nacional ainda não é uma
marca; mas, no final desse processo, é possível perceber a influência dos
movimentos de vanguarda, como o expressionismo e o início da influência cubista, a
partir de uma visão nacionalista, na pintura A negra (1923).
Assim, na fase Pau-Brasil (1924-1928), é possível observar pinturas com cores fortes
e nacionais (como o verde), cuja temática é o Brasil rural e urbano, produzidas a
partir da técnica cubista. Dessa fase, devemos destacar as obras: Morro da favela
(1924), Carnaval em Madureira (1924) e O mamoeiro (1925).
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
Capa do livro Mari Miró e o Abaporu, de Vivian Caroline Lopes, publicado pela
editora Ciranda Cultural. 
https://mundoeducacao.uol.com.br/literatura/a-semana-arte-moderna.htm
https://mundoeducacao.uol.com.br/literatura/cubismo.htm
https://mundoeducacao.uol.com.br/literatura/surrealismo.htm
https://mundoeducacao.uol.com.br/literatura/expressionismo.htm
Na fase antropofágica (1928-1930), a pintora ainda utiliza as cores fortes; porém,
sobressaem os elementos oníricos, com clara influência surrealista. Principal obra
desse período é Abaporu (1928). “Abaporu”, em tupi, significa “homem que come
gente”. Essa tela inspirou o escritor Oswald de Andrade a escrever o Manifesto
antropófago (1928).
Segundo Christian Bruno Alves Salles, doutor em Sociologia:
“Uma tensão entre o local e o universal caracterizou o Modernismo brasileiro. Tensão
que não se traduzia em antagonismo, mas se harmonizava na afirmação da primazia
do nacional. Um impulso universalista orientava o movimento, manifesto, sobretudo,
na assimilação das vanguardas artísticas europeias. Contudo, a incorporação do
dado estrangeiro pressupunha uma reinvenção, por meio da adaptação às condições
do meio nacional”.
Dessa maneira, Oswald de Andrade percebeu a necessidade de considerar, como
parte da identidade nacional, a influência estrangeira histórica e inerente à cultura
brasileira. A antropofagia defendida pelo escritor era cultural: era preciso “comer” o
estrangeiro e ressignificar a sua cultura, inserida na cultura brasileira, o que fica
exposto neste trecho do Manifesto antropófago:
Nunca fomos catequizados. Vivemos através de um direito sonâmbulo. Fizemos
Cristo nascer na Bahia. Ou em Belém do Pará.
Mas nunca admitimos o nascimento da lógica entre nós.
Contra o Padre Vieira. Autor do nosso primeiro empréstimo, para ganhar comissão. O
rei-analfabeto dissera-lhe: ponha isso no papel mas sem muita lábia. Fez-se o
empréstimo. Gravou-se o açúcar brasileiro. Vieira deixou o dinheiro em Portugal e
nos trouxe a lábia.
[...]
Nunca fomos catequizados. Fizemos foi Carnaval. O índio vestido de senador do
Império. Fingindo de Pitt. Ou figurando nas óperas de Alencar2 cheio de bons
sentimentos portugueses.
A fase social(década de 1930) de Tarsila do Amaral foi o período em que a artista
demonstrou sua preocupação com questões sociais brasileiras. Esse interesse se
deve à sua viagem à União soviética em 1931. Ao voltar ao Brasil, a pintora participou
de reuniões do Partido Comunista Brasileiro (PCB) e acabou sendo presa, o que
durou um mês. Principal obra dessa fase: Operários (1933).
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
https://mundoeducacao.uol.com.br/literatura/oswald-andradepoeta-revolucionario.htm
https://mundoeducacao.uol.com.br/historiageral/uniao-sovietica.htm
Entre os anos 1930 e 1950, Tarsila do Amaral não abandonou os temas nacionais,
mas essa temática voltou a ser mais fortemente trabalhada a partir de 1950, em sua
fase neo-pau-brasil. Uma das obras desse período é Batizado de Macunaíma (1956),
onde se podem perceber símbolos da cultura nacional, como a floresta brasileira,
o índio e o batizado.
https://mundoeducacao.uol.com.br/artes/tarsila-do-amaral.htm
 
Assista o vídeo abaixo:
https://www.youtube.com/watch?v=U0AbX10kWI0
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
Exercícios...
1- Qual foi o primeiro quadro da Tarsila do Amaral?
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2- Quando o modernismo foi inaugurado?
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3- Segundo o texto, o que foi o modernismo? 
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4- Observe a obra e responda:
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
Foi um movimento artístico que buscava revelar a identidade brasileira, e isso pode
ser visto nas obras de Tarsila do Amaral produzidas entre os anos de 1924 a 1933.
O Modernismo brasileiro foi inaugurado com a Semana de Arte Moderna, em 1922.
Sagrado coração de Jesus.
A) Qual é a cor predominante?
_____________________________________
B) O que esse quadro represente:
( ) divindade religiosa 
( ) caridade 
( ) tristeza 
x
azul
5- Faça uma releitura do primeiro quadro de Tarsila do Amaral.
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
Criação individual. 
NOME:___________________________________
DATA: ____/____/____
AS OBRAS DE TARSILA DO AMARAL 
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
Selo de 1998 em que se vê a reprodução da tela Urutu (1928), de Tarsila do Amaral.
Tarsila do Amaral produziu mais de cinquenta obras. Conheça algumas das obras
mais representativas de sua carreira:
Retrato de Oswald de Andrade (1922);
As margaridas de Mário de Andrade (1922);
Retrato de Mário de Andrade (1922);
O autorretrato (1923);
A negra (1923);
Caipirinha (1923);
São Paulo (1924);
Morro da favela (1924);
Carnaval em Madureira (1924);
https://mundoeducacao.uol.com.br/artes/ta
rsila-do-amaral.htm
“A Caipirinha” de Tarsila do Amaral é arrematada por R$57,5 milhões
Pesquisa:
Pesquise sobre essa obra, suas características, onde nasceu e etc.
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
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Pesquisa individual.
Pesquisa:Pesquisa:
Na obra apresentada é possível identificar elementos cubistas ao fundo da tela.
Além disso, A Negra é considerada uma obra antecessora da Andropofagia na
pintura de Tarsila.
Pesquise sobre essa obra, suas características, onde nasceu e etc.
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
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Pesquisa individual.
NOME:___________________________________
DATA: ____/____/____
IMPRESSIONISMO
(EF69AR05) Experimentar e analisar diferentes formas de expressão artística (desenho, pintura,
colagem, quadrinhos, dobradura, escultura, modelagem, instalação, vídeo, fotografia, performance
etc.).
O impressionismo é um movimento artístico francês surgido no final do século XIX.
Artistas impressionistas, como Claude Monet, retrataram paisagens com contornos
imprecisos.
“Impressão, nascer do sol”, de Claude Monet, é a obra que
deu nome ao movimento impressionista.
(EF69AR05) Experimentar e analisar diferentes formas de expressão artística (desenho, pintura,
colagem, quadrinhos, dobradura, escultura, modelagem, instalação, vídeo, fotografia, performance
etc.).
retratam paisagens comuns;
apresentam contornos imprecisos;
possuem caráter antirrealista;
trazem impressões acerca do ambiente retratado;
sugerem o movimento das imagens;
valorizam os efeitos da luz do Sol sobre os objetos;
explicitam a relação entre espaço e luz;
buscam despertar sensações;
utilizam cores de tons neutros;
representam o cotidiano e o momento presente;
são marcadas pelo subjetivismo autoral;
demonstram preferência por espaços abertos;
usam pinceladas rápidas e sutis."
 
Impressionismo é um movimento estético surgido na França por volta de 1874. Está,
acima de tudo, associado à pintura. Mas exerceu influência na literatura simbolista e
na música do compositor francês Claude Debussy. As pinturas impressionistas
retratam paisagens, com contornos imprecisos e pinceladas rápidas.
Os principais pintores impressionistas são os franceses Claude Monet, Edgar Degas,
Édouard Manet e Pierre-Auguste Renoir. Em extensão ou oposição ao
impressionismo, surgiram movimentos como o pós-impressionismo, o
neoimpressionismo e o expressionismo."
Características do impressionismo
As obras impressionistas:
Pintura impressionista
O impressionismo é um movimento artístico sobretudo pictórico. Isso quer dizer que
ele surgiu na pintura e, em seguida, exerceu influência sobre outras áreas estéticas.
Assim, as pinturasdesse estilo não apresentam imagens nítidas e valorizam o
espaço e a luz do ambiente.
Algumas das mais conhecidas telas impressionistas são:
Caça de borboleta (1874) — Berthe Morisot;
Fuga de Rochefort (1881) — Édouard Manet;
Impressão, nascer do sol (1872) — Claude Monet;
A primeira bailarina (1878) — Edgar Degas;"
(EF69AR05) Experimentar e analisar diferentes formas de expressão artística (desenho, pintura,
colagem, quadrinhos, dobradura, escultura, modelagem, instalação, vídeo, fotografia, performance
etc.).
antipositivismo;
uso da sinestesia;
alienação social;
caráter sugestivo;
valorização das sensações, impressões e intuição;
enaltecimento do mistério e do misticismo;
subjetividade;
uso de reticências;
rigor formal;
musicalidade das palavras;
uso da maiúscula alegorizante."
Literatura impressionista
A influência impressionista na literatura pode ser encontrada nas obras simbolistas,
as quais apresentam as seguintes características:
https://brasilescola.uol.com.br/artes/impressionismo.htm
Exercícios...
1- Em que país surgiu o impressionismo?
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2- Quais são as características de uma pintura impressionista?
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3- O que foi o período Belle Époque?
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Na frança.
retratam paisagens comuns; apresentam contornos imprecisos;
possuem caráter antirrealista; trazem impressões acerca do ambiente retratado;
sugerem o movimento das imagens; valorizam os efeitos da luz do Sol sobre os
objetos; explicitam a relação entre espaço e luz; buscam despertar sensações;
utilizam cores de tons neutros; representam o cotidiano e o momento presente; são
marcadas pelo subjetivismo autoral; demonstram preferência por espaços abertos;
usam pinceladas rápidas e sutis."
foi um período de grande otimismo e paz, desfrutado pelas potências ocidentais,
sobretudo as europeias, entre 1871 até 1914,
(EF69AR05) Experimentar e analisar diferentes formas de expressão artística (desenho, pintura,
colagem, quadrinhos, dobradura, escultura, modelagem, instalação, vídeo, fotografia, performance
etc.).
4- Quais são alguns principais pintores impressionistas?
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5- Observe a imagem e relate os detalhes que você vê:
Tabajara Marques
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Relato pessoal.
Claude Monet (pintor francês) - Edgar Degas (pintor e escultor francês) - Pierre-
Auguste Renoir (pintor francês) -
NOME:___________________________________
DATA: ____/____/____
IMPRESSIONISMO NO BRASIL
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
Marinha” (1919), obra de Arthur Timótheo da Costa.
 
 
 
"A estética impressionista chegou ao Brasil em 1884, por meio do pintor alemão
Georg Grimm (1846-1887), que atuou como professor da Academia Imperial de Belas
Artes no Rio de Janeiro. Assim, seus discípulos ou sucessores, isto é, os principais
pintores impressionistas brasileiros ou atuantes no Brasil são:
(EF69AR07) Dialogar com princípios conceituais, proposições temáticas, repertórios imagéticos e
processos de criação nas suas produções visuais.
Em que ano o movimento chegou no Brasil?
Quem foi o responsável por trazer o impressionismo para o Brasil?
"Giovanni Castagneto (1851-1900);
Antônio Parreiras (1860-1937);
Eliseu Visconti (1866-1944);
Lucílio de Albuquerque (1877-1939);
João Timótheo da Costa (1878-1932);
Arthur Timótheo da Costa (1882-1922);
O contexto histórico e a origem do impressionismo
O impressionismo surgiu no século XIX, na França, em uma exposição de quadros,
em 1874, no ateliê do fotógrafo Félix Nadar (1820-1910). Nesse evento, estavam
expostas telas de artistas como Monet e Renoir. E o que deu nome ao movimento foi
a tela de Monet intitulada Impressão, nascer do sol.
No entanto, o movimento foi assim chamado, de forma depreciativa, por alguns
críticos da época. Somente depois esse estilo de pintura seria consagrado. Afinal,
ainda estava em voga a estética realista, impulsionada pela valorização do
pensamento científico e centrada em questões políticas e sociais.
Mas o final do século XIX foi marcado pelo início da competição econômica entre as
grandes potências europeias. Além disso, as diferenças sociais ficaram
escancaradas, e o movimento operário ganhava força. Diante dessa realidade, os
artistas se entregaram ao pessimismo e à desconfiança em relação ao poder
transformador da razão."
EXERCÍCIOS...
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 Em 1884 
O pintor alemão Georg Grimm (1846-1887),
NOME:___________________________________
DATA: ____/____/____
IMPRESSIONISMO E EXPRESSIONISMO
 
(EF69AR05) Experimentar e analisar diferentes formas de expressão artística (desenho, pintura,
colagem, quadrinhos, dobradura, escultura, modelagem, instalação, vídeo, fotografia, performance
etc.).
O impressionismo é um movimento artístico francês surgido no final do século XIX.
Artistas impressionistas, como Claude Monet, retrataram paisagens com contornos
imprecisos.
"As telas expressionistas trazem a expressão ou percepção individual do artista
diante da realidade, e não somente a sua impressão do momento presente, como
fazem os impressionistas. Além disso, a arte expressionista mostra o lado obscuro da
humanidade e realiza, com pinceladas fortes, uma angustiante distorção da
realidade."
"Pós-impressionismo e neoimpressionismo
O pintor e crítico inglês Roger Fry (1866-1934) foi quem primeiro utilizou o termo
“pós-impressionismo”. Assim, ele se referia a um grupo de artistas franceses que
atuaram entre 1880 e 1905. Os pós-impressionistas tinham uma postura mais
independente em relação aos impressionistas, de forma que cada artista buscou um
estilo pessoal.
Nessa perspectiva, eles seguiram basicamente duas vertentes: uma visão mais
científica da produção artística ou a expressão da emoção provocada pelas
sensações causadas por efeitos de cor e luz. Dessa forma, buscaram valorizar o
desenho e a expressividade de objetos e pessoas.
São considerados pós-impressionistas:
Paul Cézanne (1839-1906) — francês;
Paul Gauguin (1848-1903) — francês;
Vincent van Gogh (1853-1890) — holandês;
Georges Seurat (1859-1891) — francês;
Paul Signac (1863-1935) — francês;
Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) — francês."
(EF69AR05) Experimentar e analisar diferentes formas de expressão artística (desenho, pintura,
colagem, quadrinhos, dobradura, escultura, modelagem, instalação, vídeo, fotografia, performance
etc.).
Uma tarde de domingo na ilha de Grande Jatte”, obra de GeorgesSeurat.
 
"Já o neoimpressionismo está associado a uma técnica de pintura que utiliza
pequenos “pontos” multicores. Na verdade, esses “pontos” são divisões que
permitem efeitos de luz, cor e harmonia. Desse modo, há uma preocupação com o
uso do material de trabalho, como tinta e tela, e também com os planos da pintura,
de forma a obter harmonia de cores.
A obra Uma tarde de domingo na ilha de Grande Jatte (1884), de Georges Seurat,
deu origem ao movimento neoimpressionista. Além de Seurat e de Paul Signac,
também são artistas neoimpressionistas:
Charles Angrand (1856-1926) — francês;
Théo van Rysselberghe (1862-1926) — belga;
Georges Lemmen (1865-1916) — belga."
https://brasilescola.uol.com.br/artes/impressionismo.htm
 
Exercícios...
(EF69AR05) Experimentar e analisar diferentes formas de expressão artística (desenho, pintura,
colagem, quadrinhos, dobradura, escultura, modelagem, instalação, vídeo, fotografia, performance
etc.).
1-Leia o texto:
 EU, O INTERNATO E O DIRETOR
Nas ocasiões de aparato é que se podia tomar o pulso ao homem, Não só as
condecorações gritavam-lhe do peito como uma couraça de grilos: Ateneu! Ateneu!
Aristarco todo era um anúncio. Os gestos, calmos, soberanos, eram de um rei – o
autocrata excelso dos silabários; a pausa hierática do andar deixava sentir o esforço,
a cada passo, que e fazia para levar adiante, de empurrão, o progresso do ensino
público; o olhar fulgurante, sob a crispação áspera dos supercílios de monstro
japonês, penetrando de luz as almas circunstantes – era a educação da inteligência;
o queixo, severamente escanhoado, de orelha a orelha, lembrava a lisura das
consciências limpas – era a educação mora. A própria estatura, na imobilidade do
gesto, na mudez do vulto, a simples estatura dizia dele: aqui está um grande
homem… não veem os côvados de Golias?!… Retorça-se sobre tudo isto um par de
bigodes, volutas maciças de fios alvos, torneadas a capricho, cobrindo os lábios,
fecho de prata sobre o silêncio de ouro, que tão belamente impunha como o
retraimento fecundo do seu espírito teremos esboçado moralmente, materialmente, o
perfil do ilustre diretor. Em suma, um personagem que, ao primeiro exame, nos
produzia impressão de um enfermo, desta enfermidade atroz e estranha: a obsessão
da própria estátua. Como tardasse a estátua. Aristarco inteiramente satisfazia-se com
a afluência dos estudantes ricos para o seu instituto.
A) Assinale a afirmativa que não serve como característica do Impressionismo:
( ) Não as coisas, mas as sensações das coisas.
( ) O artista procura captar o momento. Estio profundamente sensorial.
( ) O que interessa é a relação interna provocada na mente do artista.
( ) O momento vivido é expresso tal como é visto num momento dado.
( ) Predomínio da denotação.
(EF69AR05) Experimentar e analisar diferentes formas de expressão artística (desenho, pintura,
colagem, quadrinhos, dobradura, escultura, modelagem, instalação, vídeo, fotografia, performance
etc.).
B) Assinale no texto a passagem onde melhor se elucida o Impressionismo:
( ) “Não só as condecorações gritavam-lhe do peito como uma couraça de grilos:
Ateneu, Ateneu!”
( ) “Aristarco todo era um anúncio”
( ) “Os gestos calmos, soberanos, eram de um rei – autocrata excelso dos
silabários.”
( ) “O olhar fulgurante sob a crispação áspera dos supercílios de monstro japonês.”
( ) “Reforça-se sobre tudo isto um par de bigodes, volutas maciças de fios avos.”
C) Assinale a letra onde se notam os nomes dos representantes máximos do
Impressionismo brasileiro, além de Raul Pompeia:
( ) Tasso da Silveira, Aluísio Azevedo.
( ) Guimarães Rosa, Cecília Meireles.
( ) Graça Aranha, Adelino Magalhães.
( ) Mário de Andrade, João Cabral de Melo Neto.
( ) Cassiano Ricardo, Guilherme de Almeida.
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DATA: ____/____/____
SURREALISMO 
(EF69AR05) Experimentar e analisar diferentes formas de expressão artística (desenho, pintura,
colagem, quadrinhos, dobradura, escultura, modelagem, instalação, vídeo, fotografia, performance
etc.).
Surrealismo foi um movimento artístico, um dos últimos das vanguardas
artísticas do século XX, e teve expressões na literatura, nas artes visuais, no
cinema, no teatro e na filosofia. Iniciou-se em 1924, com a publicação do
Manifesto Surrealista, escrito por André Breton, que propunha uma nova
proposta estética que rompesse com a primazia da compreensão racional, sem
diferenciação entre sonho e realidade ou entre lucidez e delírio, por exemplo.
A arte surrealista rompe com a busca pelo sentido nas representações. É o
surreal: aquilo que está para além do real, que é mais que o real porque
transcende a compreensão racional e relaciona-se com a mente inconsciente,
com o imaginário e o absurdo.
Representação de ovo aberto por um zíper, de inspiração surrealista.
https://mundoeducacao.uol.com.br/literatura/vanguardas-europeias.htm
(EF69AR05) Experimentar e analisar diferentes formas de expressão artística (desenho, pintura,
colagem, quadrinhos, dobradura, escultura, modelagem, instalação, vídeo, fotografia, performance
etc.).
Livre associação e automatismo psíquico: a proposta é exprimir o
funcionamento da mente em sua totalidade, o que inclui a desracionalização
da produção artística, sem se preocupar com a moralidade, verossimilhança
ou recepção estética;
Escrita automática e experimental, desenhos às cegas, busca por
procedimentos de composição artística que escapem do controle racional;
Análise dos sonhos e experimentação de diversos estados de consciência,
como a produção artística entre o sonho e a vigília ou sob efeito de álcool e
alucinógenos;
Liberdade e espontaneidade criativas e valorização do processo imaginativo;
Valorização do acaso e do inesperado;
Composições em grupos, como escrita a quatro (ou mais) mãos e quadros
pintados no escuro por diversos artistas, para que não pudessem ver o que
os outros estavam desenhando;
Contexto histórico
Diante de um mundo transformado pelo desenvolvimento tecnológico (a
popularização da luz elétrica, da fotografia, do rádio, entre diversas outras
mudanças dos primeiros anos do século XX) e de novas relações sociais e
políticas, cabia à arte também uma ruptura com a tradição, com o que era
considerado arte até então. São as chamadas vanguardas artísticas.
Além disso, os acontecimentos da Primeira Guerra Mundial (1914-1918)
estilhaçaram exércitos, nações e também o mundo da arte. As mortes em massa
e a enorme destruição causada por essa grande e duradoura guerra deixaram
um rastro de devastação que afetou profundamente o pensamento europeu e
influenciou diretamente as artes. O Surrealismo surge enquanto movimento de
vanguarda em 1924, período de recuperação do pós-guerra, e traz consigo a
ruptura com o que é, afinal, a realidade, já que o chamado mundo real e a
ordenação lógica permitiram tamanha desventura generalizada.
A teoria psicanalítica de Sigmund Freud, marcada principalmente pela
publicação do livro A interpretação dos sonhos, em 1900, ganhou grande
popularidade no início do século. Foi a principal fonte de inspiração para os
surrealistas, pois deu novo entendimento simbólico ao domínio do onírico,
atribuindo importância às imagens sonhadas e à mente inconsciente, isto é, aos
processos não racionais do cérebro humano.
O instinto torna-se novo ponto de partida para a produção artística, e os sonhos
são, também, parte da realidade que compõe o mundo.
Principais características do Surrealismo
https://mundoeducacao.uol.com.br/historiageral/primeira-guerra-mundial.htm
https://mundoeducacao.uol.com.br/psicologia/sigmund-freud.htm
(EF69AR05) Experimentar e analisar diferentes formas de expressão artística (desenho, pintura,
colagem, quadrinhos, dobradura, escultura, modelagem, instalação, vídeo, fotografia, performance
etc.).
Intervenções de estranhamento: representação de objetos aparentemente
sem relação entre si e em lugares aos quais não pertencem;
Técnicas de colagem: poesias feitas com palavras recortadasde jornais e
revistas, misturadas a imagens e ideias do inconsciente.
André Breton (1896-1966)
Salvador Dalí (1904-1989)
Principais artistas do Surrealismo
Escritor francês, foi o fundador do movimento surrealista. Ainda que fosse um
grande interessado no meio cultural e artístico, Breton cursou medicina, curso
que o possibilitou tomar conhecimento da obra de Freud, em 1915. Editou, junto
com Philippe Soupault, a revista Littérature, de 1921 a 1924.
Foi próximo do dadaísta Tristan Tzara, mas abandonou a citada revista e
rompeu com o movimento dadá, pois, segundo ele, era necessário um novo
procedimento artístico, que contemplasse a totalidade das percepções
humanas. Escreveu, à luz da estética surrealista, romances, poemas e textos
teóricos.
Foi filiado ao Partido Comunista da França até 1927, quando se desfiliou por não
concordar com o stalinismo, mas permaneceu marxista, contribuindo com Leon
Trotsky na redação do Manifesto por uma Arte Independente e Revolucionária.
Exilou-se nos Estados Unidos durante a Segunda Guerra Mundial e retornou à
França em 1941, passando a trabalhar com Miró e Gérard Legrand. Morreu em
Paris, em 1966.
Dalí foi um pintor e escultor espanhol, provavelmente o mais famoso nome da
estética surrealista. Estudou na Academia de Belas Artes de San Fernando, de
onde foi expulso, em 1926, graças a um desentendimento com um professor,
que o levou a dizer que não havia ninguém ali capaz de avaliar a sua produção.
Foi amigo do poeta Federico García Lorca e de Luis Buñuel, com quem gravou
filmes surrealistas. Era um homem excêntrico, como se levasse o Surrealismo
em seus bigodes finos, compridos e arqueados para cima. Fez diversas
experimentações artísticas, incluindo a criação de um cômodo surrealista, uma
composição que permite que o espectador entre na obra de arte, literalmente.
Morreu em Figueres, sua cidade natal, em 1989.
https://mundoeducacao.uol.com.br/literatura/dadaismo.htm
https://mundoeducacao.uol.com.br/historiageral/grande-terror-stalinista.htm
https://mundoeducacao.uol.com.br/historiageral/segunda-guerra-mundial.htm
(EF69AR05) Experimentar e analisar diferentes formas de expressão artística (desenho, pintura,
colagem, quadrinhos, dobradura, escultura, modelagem, instalação, vídeo, fotografia, performance
etc.).
Foto da Sala Mae West, obra de Dalí, constituída de um cômodo em que o
espectador pode de fato entrar na obra de arte. A sala fica no Teatro-Museu Dalí.
Max Ernst (1881-1976)
René Magritte (1898-1967)
Nascido na Alemanha, foi um grande nome do movimento dadaísta, tendo depois se
juntado aos surrealistas, o que o possibilitou desenvolver diversas novas técnicas de
produção artística. Foi pintor, escultor e artista gráfico, tendo também escrito
poemas sob a estética do Surrealismo.
Suas obras, constituídas de enorme diversidade de materiais, são verdadeiros
desafios às composições artísticas convencionais. Preso na França durante a
Segunda Guerra Mundial, exilou-se nos Estados Unidos. Retornou para aquele país
em 1953, e morreu em Paris, em 1976.
De origem belga, foi desenhista, ilustrador e pintor. Recebeu influências do
Impressionismo, do Cubismo e do Futurismo, mas suas produções mais célebres
são datadas a partir de 1927, quando conhece a nova vanguarda proposta por
Breton.
É considerado um dos principais artistas surrealistas, apesar de suas obras só
terem se tornado conhecidas na década de 1960, tornando-se parte da cultura
popular nas décadas que se seguiram. Magritte faleceu em Paris, em 1967.
https://mundoeducacao.uol.com.br/historiageral/segunda-guerra-mundial.htm
https://mundoeducacao.uol.com.br/artes/o-impressionismo.htm
https://mundoeducacao.uol.com.br/literatura/cubismo.htm
https://mundoeducacao.uol.com.br/artes/futurismo.htm
(EF69AR05) Experimentar e analisar diferentes formas de expressão artística (desenho, pintura,
colagem, quadrinhos, dobradura, escultura, modelagem, instalação, vídeo, fotografia, performance
etc.).
René Magritte e sua esposa, Georgette, no dia do casamento. 
Surrealismo na literatura
Os escritores surrealistas rejeitaram quaisquer resquícios de estilos tradicionais,
seja no romance, seja na poesia. A empreitada estética do movimento impulsionou-
os a libertar a linguagem de sua função utilitária, dando à palavra a maior liberdade
possível, como se tivesse vida própria. Os vocábulos são libertos do aprisionamento
do significado.
Os textos surrealistas são resultados de um impulso de criação puro e simples,
como se o autor tivesse escrito aquilo que lhe viesse à mente, sem nenhuma
preocupação com conexões lógicas ou com o sentido racional das composições. O
que está em jogo é uma literatura livre, mas engajada com os problemas
sociopolíticos de seu tempo — pois a liberdade revolucionária do ato de criação
deve inspirar a revolução do estado de coisas no mundo.
Usando as técnicas de colagem, de escrita automática e da análise ou descrição
dos sonhos e derrubando as fronteiras entre o sono e a vigília, entre o visível e o
invisível, os autores desobrigam a leitura racional do texto literário. Fluxos de
pensamento misturados a imagens oníricas e notícias de jornal rompem com o
tempo linear, destroem padrões racionais e conduzem à investigação de outros
atributos humanos que possibilitem uma nova forma de existência, desacorrentada e
contestadora.
https://mundoeducacao.uol.com.br/literatura/a-arte-palavra-literatura.htm
(EF69AR05) Experimentar e analisar diferentes formas de expressão artística (desenho, pintura,
colagem, quadrinhos, dobradura, escultura, modelagem, instalação, vídeo, fotografia, performance
etc.).
Exercícios...
1- (UEA) A estética surrealista caracteriza-se, em larga medida, pela supressão da
lógica racional e, consequentemente, pela exploração do insólito e do onírico. Uma
pintura representativa da estética surrealista está reproduzida em:
(EF69AR05) Experimentar e analisar diferentes formas de expressão artística (desenho, pintura,
colagem, quadrinhos, dobradura, escultura, modelagem, instalação, vídeo, fotografia, performance
etc.).
X
(EF69AR05) Experimentar e analisar diferentes formas de expressão artística (desenho, pintura,
colagem, quadrinhos, dobradura, escultura, modelagem, instalação, vídeo, fotografia, performance
etc.).
2- (UEG) Entre a pintura apresentada e o enredo do conto “A máquina extraviada”,
de J. J. Veiga, estabelece-se uma relação temática de
( ) Distanciamento
( ) Aproximação
( ) Separação
( ) Incompatibilidade
3- Leiao texto e responda:
(EF69AR05) Experimentar e analisar diferentes formas de expressão artística (desenho, pintura,
colagem, quadrinhos, dobradura, escultura, modelagem, instalação, vídeo, fotografia, performance
etc.).
Não à toa, assim Breton definiu a si mesmo e a seus correligionários no I Manifesto:
“Surrealismo. s.m. Automatismo psíquico puro, por meio do qual alguém se propõe a
expressar – verbalmente, utilizando a palavra escrita, ou qualquer outra maneira – o
verdadeiro funcionamento do pensamento, na ausência do controle exercido pela
razão, livre de qualquer preocupação estética ou moral”.
[5] Esta herança antirracionalista é o que alça o surrealismo ao conflito com outras
tendências artísticas, como os construtivistas e os formalistas, que floresceram na
Europa após a 1ª Grande Guerra. Pela gênese francesa, o surrealismo emparelha-se
com similares em proposta, porém não em método e resultado, como o cubismo,
fortalecido pela volta dos romantismos francês e alemão. Até compartilhava valores
com o simbolismo e a pintura metafísica, mas é especialmente com o viés
dessacralizador e emputecido do dadaísmo que sempre conversou mais. António
lembra que “o empenho
[10] político do surrealismo e dos surrealistas fez-se em torno de questões como a
linha antiarte e a tradição revolucionária do movimento dadaísta”. Além do mais,
muitos surrealistas se escolaram naquela corrente, inclusive Breton, que rompeu com
o dadaísmo apenas em 1922. Ambos promoviam uma crítica severa à racionalidade
burguesa e saudavam “O Maravilhoso,o universo fantástico e os domínios do
onírico”.
BELLÉ, Junior. Estilhaços de um olhar mágico. Disponível em:
http://www.revistadacultura.com.br/revistadacultura/detalhe/14-05-05/
Estilha%C3%A7os_de_um_olho_m%C3%A1gico.aspx. Acesso em: 17 maio
2014. Adaptado.
De acordo com a leitura do texto, que aborda a arte surrealista, por ocasião de seus
90 anos, o principal propósito dessa vanguarda é:
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O surrealismo, partindo da atitude artística iconoclasta, valoriza a fronteira psíquica
espontânea de um mundo que rejeita a razão.
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DATA: ____/____/____
PERFORMANCE 
(EF69AR09) Pesquisar e analisar diferentes formas de expressão, representação e encenação da
dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
Da definição do nome, sua origem e seus principais artistas. Nesta matéria fazemos
uma compilação dos assuntos mais importantes ligados a esta forma de expressão
Marina Abramović (Belgrado, Sérvia, 1946) é uma artista performática que iniciou sua
carreira no início dos anos 70 e manteve-se em atividade desde então. Considera-se
a “avó da arte da performance".
Este termo da língua inglesa performance designa as apresentações de dança,
canto, teatro, mágica, mímica, malabarismo, referindo-se ao seu executante como
performista (em inglês: performer).
(EF69AR09) Pesquisar e analisar diferentes formas de expressão, representação e encenação da
dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
Na segunda metade do século XX, surge um gênero artístico nos Estados Unidos
com características específicas denominado em inglês como performance art, que
seria traduzido como “performance arte”, “arte de performance“, ou “arte
performática” (não confundir com arte performativa). Alguns teóricos, como o
argentino
Jorge Glusberg, porém, interpretam que tal manifestação artística tem sua origem já
na Antiguidade.
Jorge Glusberg foi um autor argentino, editor, curador, professor e artista conceitual.
A origem do termo
A palavra tem suas origens no francês antigo: parformance, de parformer —
accomplir — (fazer, cumprir, conseguir, concluir) podendo significar ainda levar
alguma tarefa ao seu sucesso. Palavra que se origina do latim, formada pelo prefixo
latino per mais formáre(formar, dar forma, estabelecer). Em seu significado mais
elementar pode significar iniciar, fazer, executar ou desenvolver uma determinada
tarefa.
Em 1990 a Enciclopédia Britannica, de língua inglesa, registrava a entrada do termo
performance, apenas juridicamente, como o ato de realizar o que está definido num
contrato. Uma performance de sucesso seria aquela que desobrigaria os seus
assinantes de qualquer outra responsabilidade contratual futura.
(EF69AR09) Pesquisar e analisar diferentes formas de expressão, representação e encenação da
dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
A palavra performance é formada pelo prefixo de origem latina per. Segundo o
Dicionário Aurélio per pode assumir o significado de movimento através,
proximidade, intensidade ou totalidade, como em percorrer, perdurar, perpassar.
O substantivo forma, também de origem latina, significando limites exteriores da
matéria de que é constituído um corpo, e que confere a este um feitio ou
configuração particula.
A definição de performance
Forma de arte que combina elementos do teatro, das artes visuais e da música. 
 Nesse sentido, a performance liga-se ao happening (os dois termos aparecem em
diversas ocasiões como sinônimos), sendo que neste o espectador participa da cena
proposta pelo artista, enquanto na performance, de modo geral, não há participação
do público.
O fotógrafo Spencer Tunik, com suas multidões nuas
(EF69AR09) Pesquisar e analisar diferentes formas de expressão, representação e encenação da
dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
Aonde surgiu a Performance?
A performance deve ser compreendida a partir dos desenvolvimentos da arte pop, do
minimalismo e da arte conceitual, que tomam a cena artística nas décadas de 1960 e
1970.
A arte contemporânea, põe em cheque os enquadramentos sociais e artísticos do
modernismo, abrindo-se a experiências culturais díspares.
Nesse contexto, instalações, happenings e performances são amplamente
realizados, sinalizando um certo espírito das novas orientações da arte: as tentativas
de dirigir a criação artística às coisas do mundo, à natureza e à realidade urbana.
Cada vez mais as obras articulam diferentes modalidades de arte – dança, música,
pintura, teatro, escultura, literatura etc. – desafiando as classificações habituais e
colocando em questão a própria definição de arte.
As relações entre arte e vida cotidiana, assim como o rompimento das barreiras entre
arte e não-arte, constituem preocupações centrais para a performance (e para parte
considerável das vertentes contemporâneas, por exemplo, arte ambiente, arte
pública, arte processual, arte conceitual, land art, etc.), o que permite flagrar sua
filiação às experiências realizadas pelos surrealistas e sobretudo pelos dadaístas.
Fluxus foi um movimento artístico de cunho libertário, caracterizado
pela mescla de diferentes artes, primordialmente das artes visuais
mas também da música e literatura
(EF69AR09) Pesquisar e analisar diferentes formas de expressão, representação e encenação da
dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
As performances conhecem inflexões distintas no interior do grupo Fluxus. As
exibições organizadas por Georges Maciunas (1931-1978), entre 1961 e 1963, dão
uma projeção inédita a essa nova forma de arte. Os experimentos de Nam June Paik
(1932-2006), assim como os de John Cage (1912-1992) – por exemplo, Theather
Piece # 1, 1952 -, que associam performance, música, vídeo e televisão, estão
comprometidos com a exploração de sons e ruídos tirados do cotidiano, desenhando
claramente o projeto do Fluxus de romper as barreiras entre arte/não-arte.
Joseph Beuys
Joseph Heinrich Beuys foi um artista alemão que produziu em vários
meios e técnicas, incluindo escultura, fluxus, happening, performance,
vídeo e instalação. Ele é considerado um dos mais influentes artistas
alemães da segunda metade do século XX
O nome de Joseph Beuys (1921-1986) liga-se também ao grupo e à realização de
performances – nome que ele recusava, preferindo o termo “ação” – que se
particularizam pelas conexões que estabelecem com um universo mitológico, mágico
e espiritual.
Trabalhos muito diferentes entre si, realizados entre 1960 e 1970, aparecem
descritos como performances, o que chama a atenção para as dificuldades de
delimitar os contornos específicos dessa modalidade de arte.
(EF69AR09) Pesquisar e analisar diferentes formas de expressão, representação e encenação da
dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
Gilbert & George
Gilbert & George é uma dupla de artistas britânicos composto por Gilbert
Prousch e George Passmore, que desenvolvem o seu trabalho de arte
conceitual, performance e body art, sendo famosos principalmente por
exercerem “esculturas vivas”.
Por exemplo, em contexto anglo-saxão, Gilbert & George (Gilbert Proesch, 1943, e
George Passmore, 1942) conferem novo caráter às performances utilizando-se do
conceito de escultura viva e da fotografia que pretende rivalizar com a pintura.Assista:
https://www.youtube.com/watch?v=4xl6bAVQQDE&feature=emb_imp_woyt
Rudolf Schwarzkogler (1941-1969),
Günther Brüs (1938),
Herman Nitsch (1938) e outros.
O grupo Actionismus
Uma ênfase maior no aspecto ritualístico da performance é o objetivo das
intervenções do grupo de Viena, o Actionismus, que reúne:
Um diálogo mais decidido entre performance e a body art pode ser observado em
trabalhos de Bruce Nauman (1941), Schwarzkogler e Vito Acconci (1940-2017).
(EF69AR09) Pesquisar e analisar diferentes formas de expressão, representação e encenação da
dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
Trappings (1971)
As performances de Acconci são emblemáticas dessa junção: em Trappings (1971),
por exemplo, o artista leva horas vestindo o seu pênis com roupas de bonecas e
conversando com ele. Em Seedbed (1970), masturba-se ininterruptamente.
Exercícios...
(EF69AR09) Pesquisar e analisar diferentes formas de expressão, representação e encenação da
dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
O que são;
O que eles precisam para se tornarem objetos artísticos? 
De onde veio as inspirações para os parangolés?
1- O que é performance? 
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2- Pesquise sobre os parangolés de Hélio Oiticica (1964). 
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A Performance consiste em um espetáculo artístico que destaca, por um lado, a
improvisação, que domina a representação artística, e, por outro lado, a ênfase que
atribui a questão estética, ou seja, tanto a imagem como a ação precisa da mesma
intensidade e contundência. 
Pesquisa individual.
Os Parangolés, do artista brasileiro Hélio Oiticica, são um conjunto de obras que
nasceram de “uma necessidade vital de desintelectualização, de desinibição
intelectual, da necessidade de uma livre expressão”.
O Parangolé é uma espécie de capa que se veste, com textos, fotos, cores e que
serve como uma Obra-ação-multissensorial.
“O objetivo é dar ao público a chance de deixar de ser público espectador, de fora,
para participante na atividade criadora”. O Parangolé é “anti-arte por excelência”,
não se pode ir numa exposição de Parangolés, o espectador veste a obra e a obra
ganha vida através dele, é capacidade de auto-criação, de expansão das sensações
e rompimento.
Os Parangolés pressupõem a transformação na concepção do artista, que deixa de
ser o criador de objetos para a contemplação passiva e passa a ser um incentivador
da criação pelo público.
Ao mesmo tempo, propõem uma transformação no espectador, dado que a obra só
acontece com sua participação.
Trata-se de deslocar a arte do âmbito intelectual e racional para a esfera da criação,
da participação."
Fonte: https://arteref.com/arte-contemporanea/o-que-foram-os-parangoles/
https://arteref.com/artes-plasticas/fique-por-dentro-do-legado-de-helio-oiticica/
(EF69AR09) Pesquisar e analisar diferentes formas de expressão, representação e encenação da
dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
3- Aonde surigu o Performance?
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4- O que foi o Fluxus ?
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5- Observe a imagem abaixo do Fluxus, e diga o sentimento que é expressado em
você:
A performance deve ser compreendida a partir dos desenvolvimentos da arte pop, do
minimalismo e da arte conceitual, que tomam a cena artística nas décadas de 1960 e
1970.
Fluxus foi um movimento artístico de cunho libertário, caracterizado pela mescla de
diferentes artes, primordialmente das artes visuais mas também da música e
literatura.
_______________________________________Pessoal.
NOME:___________________________________
DATA: ____/____/____
OUTROS EXEMPLOS DE 
PERFORMANCE 
(EF69AR09) Pesquisar e analisar diferentes formas de expressão, representação e encenação da
dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
Shigeko Kubot
Shigeko Kubota era uma videoartista japonesa, escultora e artista performática de
vanguarda, que morava principalmente em Nova York. Ela foi uma das primeiras
artistas a adotar a câmera de vídeo portátil Sony Portapak em 1967.
Muitas vezes, em comparação com as pinturas de “ejaculação” de Pollock, Kubota
aumentou ainda mais os limites. De fato, ao espalhar tinta vermelha em uma tela
branca, sendo o pincel seu órgão sexual, o artista não queria apenas representar o
ciclo menstrual feminino, mas questionou todo o significado por trás de ser uma
artista feminina. A cena artística da década de 1960, controlada principalmente por
homens, o trabalho de Shigeko Kubota explicitamente discutiu os gêneros na arte,
redefinindo a “utilidade” do corpo feminino.
(EF69AR09) Pesquisar e analisar diferentes formas de expressão, representação e encenação da
dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
Carolee Schneemann
Carolee Schneemann foi uma artista experimental visual americana, conhecida por
seus trabalhos multimídia sobre o corpo, narrativa, sexualidade e gênero. Ela
recebeu um B.A. da Bard College e um Master of Fine Arts da Universidade de
Illinois.
O desempenho Schneemann confrontou o público com os tabus que o corpo humano
nu representava. A libertação sexual dos anos 60 permitiu que mulheres artistas
assumissem o controle de seu corpo, mas quando expostas em sua forma mais crua,
o corpo era visto como pornográfico. Carolee Scheenmann, foi muitas vezes o alvo
desses críticos, como seu corpo nu era objeto e assunto de sua arte.
Embora elanunca negasse essas acusações, ela explicou que queria mostrar sua
própria percepção de seu corpo. Schneemann manteve cada uma de suas
performances gravadas, e empurrou o limite de sua arte no curta-metragem self-
made Fuses (1965), representando a si mesma e seu parceiro, realizando o ato de
amor.
(EF69AR09) Pesquisar e analisar diferentes formas de expressão, representação e encenação da
dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
Assista:
Wesley Duke Lee (1931-2010), 
Nelson Leirner (1932),
Carlos Fajardo (1941), 
José Resende (1945), 
Frederico Nasser (1945), entre outros,
A Performance no Brasil
No Brasil, Flávio de Carvalho (1899-1973), foi um pioneiro nas performances a partir
de meados dos anos de 1950 (por exemplo a relatada no livro Experiência nº 2). O
Grupo Rex, criado em São Paulo por:
Hélio Oiticica foi um artista performático, pintor e escultor. Sua obra caracteriza-
se por um forte experimentalismo e pela inventividade na busca constante por
fundir arte e vida. Pesquise sobre uma de suas obras e escreva sobre ela. 
Exercício...
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(EF69AR09) Pesquisar e analisar diferentes formas de expressão, representação e encenação da
dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
Wesley Duke Lee
realiza uma série de happenings, por exemplo, o concebido por Wesley Duke Lee,
em 1963 no João Sebastião Bar (alguns críticos apontam parentescos entre o Grupo
Rex e o movimento Fluxus).
Pesquisa individual.
NOME:___________________________________
DATA: ____/____/____
EF69AR06: Desenvolver processos de criação em artes visuais, com base em temas ou interesses
artísticos, de modo individual, coletivo e colaborativo, fazendo uso de materiais, instrumentos e recursos
convencionais, alternativos e digitais.
ARTE URBANA
A Arte Urbana abrange todos os exemplos de manifestações artísticas, tais como
grafites, pinturas, intervenções e apresentações desenvolvidas no espaço urbano,
que se diferem das atitudes de vandalismo. 
A preferência pelo espaço público para fazer a demonstração da Arte Urbana tem
como objetivo causar impacto nos espectadores, além de transmitir uma mensagem
revolucionária, que critica a sociedade com ironia. Normalmente, esse tipo de arte
descreve o trabalho de pessoas que desenvolvem um estilo de expressão artística
através do uso de diferentes técnicas alternativas como pôsteres, adesivos, moldes,
murais, spray e outros. 
Esse estilo de arte não costuma seguir um padrão estético pré-definido, pois cada
artista possui um propósito individual que estimula a sua criatividade.
Origem da Arte Urbana
Primeiro, a arte de rua surgiu na Grécia Pré-Socrática como uma forma de
manifestação cultural e literária, onde se encontravam os aedos (cantores)
homéricos que cantavam versos e músicas, tentando envolver o público com sua
melodia.
Na Idade Média, ela surgiu com os trovadores, artistas nobres que recitavam versos
e poesias nas festas das cidades e dos palácios para entreter a nobreza com as
histórias cantaroladas.
Posteriormente, a Arte Urbana surgiu em Nova Iorque, Estados Unidos, na década
de 70, com uma característica dinâmica e temporária. Dessa forma, surgiam os
demais estilos de Arte Urbana, partindo da arte escrita, cantada e musical, como o
hip hop que apareceu em meados dos anos 60/70 na cidade de Nova York e Berlim. 
Na época, a dança apareceu como uma manifestação política e social, abrindo
espaço para outras movimentações artísticas como os desenhos de rua, as
apresentações teatrais, além das “estátuas vivas”, exemplo de arte possível de se
encontrar nas esquinas das grandes cidades até os dias atuais.
https://www.educamaisbrasil.com.br/enem/artes/arte-urbana
EF69AR06: Desenvolver processos de criação em artes visuais, com base em temas ou interesses
artísticos, de modo individual, coletivo e colaborativo, fazendo uso de materiais, instrumentos e recursos
convencionais, alternativos e digitais.
Brasil
No Brasil, os primeiros sinais de Arte Urbana começaram a surgir na década de 70,
mais precisamente na cidade de São Paulo, com as obras de grafite, que eram
feitas nas paredes.
Ironicamente ou não, essas pinturas surgiram em uma época muito conturbada da
história junto com as repressões e censuras causadas pela Ditadura Militar no
Brasil. No início, não existia preocupação estética com as letras, bastava apenas
que elas fossem legíveis a ponto de transmitir a mensagem de insatisfação do povo. 
Diante disso, muitas das manifestações de rua surgiram como alternativas de
comunicação, denúncia e até mesmo como fonte de renda para pessoas
marginalizadas que viviam nas periferias do país. 
Exercícios...
1- Onde surgiu a arte urbana?
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2- Qual é o objetivo da arte urbana?
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3- Como e onde surgiu a arte urbana no Brasil?
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A arte de rua surgiu na Grécia Pré-Socrática 
 tem como objetivo causar impacto nos espectadores, além de transmitir uma
mensagem revolucionária, que critica a sociedade com ironia.
Na década de 70, mais precisamente na cidade de São Paulo,
https://www.educamaisbrasil.com.br/enem/historia/ditadura-militar-no-brasil
EF69AR06: Desenvolver processos de criação em artes visuais, com base em temas ou interesses
artísticos, de modo individual, coletivo e colaborativo, fazendo uso de materiais, instrumentos e recursos
convencionais, alternativos e digitais.
GRAFITE
O grafite é um tipo de arte urbana caracterizado pela produção de desenhos em
locais públicos como paredes, edifícios, ruas, etc.
É bastante usado como forma de crítica social, e, além disso, é uma maneira de
intervenção direta na cidade, democratizando assim, os espaços públicos.
O termo grafite, de origem italiana graffito - plural graffite - significa “escrita feita com
carvão”.
Origem do Grafite
Se falarmos sobre os primórdios do grafite, teremos que voltar milhares de anos,
quando os homens faziam inscrições nas cavernas. Há exemplos de intervenções
feitas em locais públicos já na época do Império Romano.
Na contemporaneidade, essa manifestação artística está relacionada principalmente
ao hip-hop, movimento cultural que teve início no começo dos anos 70 nos EUA
pelas comunidades latinas, afro-americanas e jamaicanas.
No hip-hop são três as vertentes da arte: rap (música), breakdance (dança) e grafite
(pinturamural).
EF69AR06: Desenvolver processos de criação em artes visuais, com base em temas ou interesses
artísticos, de modo individual, coletivo e colaborativo, fazendo uso de materiais, instrumentos e recursos
convencionais, alternativos e digitais.
O bairro novaiorquino do Bronx foi o berço do grafite, onde os primeiros desenhos
foram feitos com tinta spray. Naquela época, os jovens utilizavam a arte nas ruas
como forma de protesto.
Grafite no Brasil
A história do grafite no Brasil surgiu na década de 70, precisamente na cidade de
São Paulo. ELA NASCE numa época conturbada da história do Brasil, em que a
população era silenciada pela censura com a ditadura militar no poder.
Paralelamente ao movimento que despontava em Nova Iorque, o grafite surge no
cenário nacional como uma arte transgressora. A linguagem da rua não pede
licença e grita nas paredes da cidade os incômodos de uma geração.
A partir de então, a arte de grafitar se transforma em um importante veículo de
comunicação urbana e colabora para a existência de outras vozes. Outros sujeitos
históricos e ativos passam a ter a chance de participar artística e politicamente da
cidade.
É importante ressaltar que o grafite, inicialmente, foi uma arte caracterizada pela
autoria anônima. O grafiteiro - ou writter - transformava a cidade em um suporte de
comunicação artística sem delimitação de espaço, mensagem ou mensageiro.
Portanto, a preocupação naquele momento era a arte em si e não o nome de seu
autor. Por esse motivo, os ditos "cânones" são retirados de sua posição central para
dar lugar a uma arte de todos e para todos.
Assim, desde a década de 70, os grafiteiros brasileiros se apropriaram do espaço
público a fim de transmitirem mensagens de cunho político, social, cultural,
humanitário e, sobretudo, artístico.
Um importante nome do grafite no Brasil foi o artista Alex Vallauri (1949-1987),
considerado precursor do movimento no país. Ele utilizou diversos suportes para
estampar sua arte, além dos muros e paredes da cidade. Seus desenhos eram
simples e objetivos em meio ao caos urbano, facilitando a compreensão da
mensagem.
O desenho dessa bota fez história
nos anos 80 no Brasil. Alex Vallauri
é considerado o pioneiro do
movimento do grafite no país
EF69AR06: Desenvolver processos de criação em artes visuais, com base em temas ou interesses
artísticos, de modo individual, coletivo e colaborativo, fazendo uso de materiais, instrumentos e recursos
convencionais, alternativos e digitais.
A arte nesse momento, passa a ser não somente vista dentro dos museus ou dos
centros culturais, mas também nas paredes das ruas, nos túneis e nos prédios da
cidade.
Com efeito, o grafite é definido como mais que uma linguagem artística, torna-se
assim, um importante instrumento de protesto e de transgressão dos valores
estabelecidos.
Esse tipo de expressão possibilitou a comunicação entre os moradores da cidade, a
união de muitas culturas que coexistem; em outras palavras, facilitou a fusão entre o
centro e a periferia.
No Brasil, essa arte disseminou-se rapidamente pelo país e, hoje em dia, segundo
estudiosos do tema, o grafite brasileiro é considerado um dos melhores do mundo.
Representantes do grafite
Confira alguns nomes de destaque no cenário do grafite nacional e internacional.
Keith Haring (EUA)
EF69AR06: Desenvolver processos de criação em artes visuais, com base em temas ou interesses
artísticos, de modo individual, coletivo e colaborativo, fazendo uso de materiais, instrumentos e recursos
convencionais, alternativos e digitais.
Artista e ativista americano que nasceu em 1958 na Pensilvânia. Com extensa
produção na década de 80, contribuiu muito para o movimento do grafite.
Declaradamente homossexual, Haring contrai AIDS e faleceu em 1990, com 31
anos.
Banksy (Inglaterra)
Grafite de Banksy em Paris, na França
Banksy é um artista de rua e ativista político que nasceu na Inglaterra em 1974.
Seus trabalhos são geralmente produzidos com a técnica do stencil (molde vazado)
e encontrados na cidade de Bristol, Londres e em várias outras partes do mundo.
A identidade de Banksy é obscura, mas especula-se que seja o músico Robert Del
Naja.
Exercícios...
1- Onde surgiu a arte urbana?
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A arte de rua surgiu na Grécia Pré-Socrática 
EF69AR06: Desenvolver processos de criação em artes visuais, com base em temas ou interesses
artísticos, de modo individual, coletivo e colaborativo, fazendo uso de materiais, instrumentos e recursos
convencionais, alternativos e digitais.
2- Qual é o objetivo da arte urbana?
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3- Como e onde surgiu a arte urbana no Brasil?
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4- O que você acha da arte urbana?
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5- Por que ainda existem muitos preconceitos em relação á arte urbana, na sua
opinião?
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 tem como objetivo causar impacto nos espectadores, além de transmitir uma
mensagem revolucionária, que critica a sociedade com ironia.
Na década de 70, mais precisamente na cidade de São Paulo,
Resposta pessoal.
Resposta pessoal.
NOME:___________________________________
DATA: ____/____/____
ROMERO BRITTO
O Pintor e escultor Romero Britto, é um artista que se tornou conhecimento
principalmente por já ter sido contratado por grandes celebridades e personalidades
importantes. Ao longo de sua carreira sempre mostrou muita criatividade em suas
obras coloridas.
Radicado em Miami, nos Estados Unidos, Romero Britto já esteve envolvido em
algumas polêmicas recentes. Contudo, sempre foi considerado uma personalidade
carismática.
Uma de suas principais características como artista são as cores fortes e vibrantes
de suas obras. Sempre muito bem marcas e contornadas com traços pretos, mas
esse sempre foi o seu estilo de criar.
De forma alegre e colorida, o pintor se tornou um dos artistas mais bem sucedidos e
prestigiado mundo a fora. Possui fãs e admiradores pelo mundo todo e seu nome é
conhecido internacionalmente.
EF69AR01 Pesquisar, apreciar e analisar formas distintas das artes visuais tradicionais e contemporâneas, em
obras de artistas brasileiros e estrangeiros de diferentes épocas e em diferentes matrizes estéticas e culturais,
de modo a ampliar a experiência com diferentes contextos e práticas artístico-visuais e cultivar a percepção, o
imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
O artista conhecido por suas obras bastante coloridas e muito versáteis, Romero
Britto, se tornou um dos pintores mais conhecidos do Brasil.Mas atualmente é
renomado no mundo todo e já teve obras espalhadas por vários países.
Por ter um estilo muito marcante, Romero Britto já foi contrato por diversas
celebridades importantes como Madonna e Michael Jackson. Além disso, também já
pintou quadros de Dilma Roussef e Bill Clinton.
Não demorou muito para ser chamado por Kate Middleton e o príncipe William para
pintar um quadro. Depois o próprio Príncipe Charles o chamou para o um jantar no
famoso Palácio de Buckinham.
Tem um estilo pop que é facilmente visualizado em suas pinturas e esculturas. As
cores vibrantes representam alegria e deixam o ambiente animado. Os traços
marcantes e fortes, representam bem o movimento cubista, principalmente pelas
formas geométricas.
Acima de tudo, as pinturas do artista lembram muito os vitrais antigos, que eram
coloridas. Os recortes com as marcas em preto marcado, representam as
separações dos vidros coloridos, o que deixa essa intenção em sua arte.
Sempre foi muito reconhecido em todos os lugares por onde esteve, em diversos
países. Suas duas galerias são muito bem frequentadas e ele expõe suas peças e
novidades sempre. Mantendo seu trabalho atualizado.
Por ter se tornando um grande destaque também na área publicitário, isso acabou
fazendo com que o artista ficasse conhecido mais rapidamente. Por esse motivo, se
popularizou ainda mais.
EF69AR01 Pesquisar, apreciar e analisar formas distintas das artes visuais tradicionais e contemporâneas, em
obras de artistas brasileiros e estrangeiros de diferentes épocas e em diferentes matrizes estéticas e culturais,
de modo a ampliar a experiência com diferentes contextos e práticas artístico-visuais e cultivar a percepção, o
imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
https://tse2.mm.bing.net/th?id=OIP.FOUwIsFrdbmjg-gfO9HqCAHaGe&pid=Api&P=0
Contudo, assim como todo artista, Romero Britto também tem seus críticos, que não
gostam de seu trabalho. Principalmente por alegarem que são superficiais ou
repetitivas demais. Inclusive, alguns deles até dizem não representar os problemas
que existem na atualidade.
Romero Britto: Infância e Juventude
Nascido em Recife, Romero Britto nasceu no mês de outubro do ano de 1963.
Desde criança sempre se mostrou muito criativo e com traços fortes em sua
personalidade. Tinha tendências artísticas e muita imaginação.
Quando pequeno, para criar suas primeiras obras de arte, usava sucata. Pegava
jornais e papelão e ia juntando de várias maneiras diferentes e com isso, foi
desenvolvendo seus dons.
Entretanto, desde criança, sempre ganhava livros de artes. Ele aproveitava para
usar as imagens e as figuras como inspiração para criar suas próprias artes.
Incluindo, nessa fase, conheceu o trabalho de Tolouse.
Mas aos 14 anos de idade, teve seu primeiro quadro vendido para a Organização
dos Estados Americanos. Quando participou de sua primeira exibição ao público.
Como Romero Britto vinha de uma família pobre, a venda do quadro não o animou
muito.
Contudo, seus pais sempre o incentivaram a continuar e atingir suas metas. O
artista passou por um momento sombrio em sua vida e com isso, as cores se
tornaram sua principal marca registrada.
De acordo com Romero Britto, as cores são responsáveis por trazer luz para a vida
das pessoas e por isso, ele as usa com tanta vitalidade. Mesmo sendo de família
humilde, sempre almejou coisas maiores para sua vida, e tinha inteligência para
isso.
Quando tinha 17 anos de idade, ganhou uma bolsa de estudos para fazer Direito,
pela Universidade Católica de Pernambuco.
Visitou muitos países e viajou bastante, e conheceu muitas das obras de arte que
antes via apenas pelos livros. Após tanto viajar, ao voltar para o Brasil, acabou
desistindo da faculdade.
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obras de artistas brasileiros e estrangeiros de diferentes épocas e em diferentes matrizes estéticas e culturais,
de modo a ampliar a experiência com diferentes contextos e práticas artístico-visuais e cultivar a percepção, o
imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
Obras conhecidas de Romero Britto
Depois de todo o reconhecimento que foi adquirindo, Romero Britto pintou uma
pirâmide em 2007, que ficou instalada em Lonres, no Hyde Park. Contudo, a
escultura tinha a altura do tamanho de um prédio de quatro andares e foi feita para
a abertura de Exposição que seria feita sobre a Era Dourada dos Faraós.
No ano seguinte, em 2009, começou a criar desenhos mais fantasiosos ao ser
contratado pelo Cirque du Soleil. Acima de tudo, as obras eram para a abertura do
Super Bowl, um dos maiores eventos esportivos e de maior exposição nos Estados
Unidos.
E daí em diante a carreira do pintor disparou. Já tinha visibilidade o suficiente para
ser chamado e contratado por diversas celebridades importantes do mundo.
Chegou a pintar para Michael Jackson, Madonna, Obama e Michelle, Hillary Clinton,
Elton John, e Lady Diana.
Grande parte de suas obras estão espalhadas em diversos países, museus,
galerias e em diversos objetos. Mas sua arte se tornou uma série de produtos
licenciados, incluindo malas, roupas, acessórios, relógios e muito mais.
Entretanto, acabou construindo suas próprias galerias. Tendo uma em Miami e uma
em São Paulo.
Além disso, criou uma fundação, chamada da Fundação Romero Britto, que faz
arrecadação de fundos para ajudar quem mais precisa.
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obras de artistas brasileiros e estrangeiros de diferentes épocas e em diferentes matrizes estéticas e culturais,
de modo a ampliar a experiência com diferentes contextos e práticas artístico-visuais e cultivar a percepção, o
imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
https://escolaeducacao.com.br/wp-content/uploads/2018/10/romero-britto-630x430.jpg
Estilo das obras de arte
As obras do artista estão repletas de características que envolvem a arte pop.
Acima de tudo, possui muitas cores fortes, vibrantes e chama muito a atenção pelos
traços fortes e muito bem marcados.
Além disso, as formas geométricas estão sempre muito presentes em suas obras. O
que remete ao estilo do movimento cubista, que misturava principalmente muitas
figuras geométricas em um único plano.
Toda essa influência do movimento artístico pode ser vista em suas obras, tanto nas
pinturas quanto nas esculturas, principalmente usando a anatomia humana e
animal. Enquanto que as cores, são o ponto forte de suas obras, e principalmente o
que traz o aspecto pop a elas.
Toda a linguagem publicitária usada ao longo de sua carreira, também foi
responsável por mostrar toda uma mensagem. Entretanto, pelos traços serem muito
divertidos e alegres, as mensagens sempre foram simples e conseguia transmitir
sem muitas dificuldades o que era necessário.
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obras de artistas brasileiros e estrangeiros de diferentes épocas e em diferentes matrizes estéticas e culturais,
de modo a ampliar a experiência com diferentes contextos e práticas artístico-visuais e cultivar a percepção, o
imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
Características das pinturas de Romero Britto
As pinturas de Romero Britto sempre tiveram características muito marcantes. Entre
elas, os traços bem marcados e fortes. Além disso, as cores vibrantes também
remetem aos vitrais antigos, principalmente pela forma como os desenhos ficam
facetados com todas as formas geométricas.
Entretanto, é possível identificar as suas obras devido aos elementos marcantes. As
cores formam elementos. Enquanto que as formas geométricas dão muitas vezes,
profundidade as peças. Essa técnica de desenho dá destaque ao que está em
primeiro plano.
Em suas pinturas, é possível ver que na maioria das vezes, há um personagem
principal na frente. Sendo um animal ou alguma pessoa. Que estão sempre
sorrindo. De acordo coma própria biografia de Romero Britto, essa característica
em suas pinturas se dá devido a experiências de sua vida.
Devido as experiências sofridas que sofreu na vida quando era criança, suas
pinturas são sempre alegres e precisam ser vibrantes, para passar alegria. Essa
afirmação já foi dada pelo artista em algumas entrevistas. E é realmente o que as
pessoas sentem ao ver suas obras.
Características das esculturas de Romero Britto
As características das pinturas e das esculturas não mudam tanto, mas há
pequenas distinções. Como os traços marcantes são um traço natural do artista, as
esculturas também possuem essa característica.
As cores fortes de Romero Britto também estão presentes nas obras esculpidas.
Contudo, nas esculturas, o lúdico acaba sendo mais atrativo, já que a sensação é
diferente ao observar.
É como se as obras esculpidas dos artistas fossem verdadeiros brinquedos. Mas
ainda assim, possuem o estilo inconfundível do artista.
Atividades...
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obras de artistas brasileiros e estrangeiros de diferentes épocas e em diferentes matrizes estéticas e culturais,
de modo a ampliar a experiência com diferentes contextos e práticas artístico-visuais e cultivar a percepção, o
imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
EF69AR01 Pesquisar, apreciar e analisar formas distintas das artes visuais tradicionais e contemporâneas, em
obras de artistas brasileiros e estrangeiros de diferentes épocas e em diferentes matrizes estéticas e culturais,
de modo a ampliar a experiência com diferentes contextos e práticas artístico-visuais e cultivar a percepção, o
imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
EXERCÍCIOS...
1- Quais eram as características das obras do Romero Britto?
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2- Pesquise imagens das obras mais conhecidas de Romero Britto:
Pessoal.
Uma de suas principais características como artista são as cores fortes e vibrantes
de suas obras. Sempre muito bem marcas e contornadas com traços pretos
Edvard Munch foi um renomado pintor e artista plástico norueguês, precursor do
expressionismo alemão.
Nascido em Loten, Noruega, no dia 12 de Dezembro de 1863, Edvard Munch foi o
segundo filho de Christian Munch e Laura Cathrine.
Teve três irmãs (Sophie, Laura e Inger) e um irmão (Andreas). Ainda muito jovem,
perde a mãe (1868) e a irmã Sophie (1877) por tuberculose.
Já adulto, em 1879 ingressa no curso de engenharia, do qual desiste para se tornar
pintor (1880). Passa a frequentar a Escola de Artes e Ofícios de Oslo.
Ali, ele conhece as obras impressionistas de Courbet e Manet, as quais lhe
influenciaram, mas que, todavia, ele rejeitou no expressionismo.
Em 1882, passa a atuar num estúdio alugado em Oslo. Um ano mais tarde, começa
a se destacar e exibe pela primeira vez na Exposição de Outono de Oslo.
A partir de 1889, Munch ganhará uma série de bolsas de estudo que lhe possibilitam
viajar e se aperfeiçoar.
Em Paris se relaciona com os pós-impressionistas Toulouse-Lautrec e Paul
Gauguin. Deles, recebe grande influência, sem mencionar no impacto causado pela
obra de Vincent Van Gogh, a qual ele conhece pela primeira vez.
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DATA: ____/____/____
EDVARD MUNCH
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obras de artistas brasileiros e estrangeiros de diferentes épocas e em diferentes matrizes estéticas e culturais,
de modo a ampliar a experiência com diferentes contextos e práticas artístico-visuais e cultivar a percepção, o
imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
https://www.todamateria.com.br/van-gogh/
Por sua vez, Edvard Munch continua seu intercâmbio por Berlim, Paris, Nice,
Florença e Roma.
Fato curioso foi sua exposição de 1892 em Berlim. Foi cancelada uma semana após
a abertura, devido ao grande choque causado no público e nos críticos de arte.
Apesar da acolhida pouco calorosa, Munch irá viver nesta cidade até 1908. Em
1903, irá expor novamente em Berlim, desta vez na Galeria Cassirer.
Em 1893, Edvard Munch cria sua obra prima, O Grito. Alguns anos mais tarde
(1896), irá se interessar pelas técnicas de litografia e xilogravura, com as quais fará
várias inovações.
O ano de 1908 marca seu retorno definitivo à Noruega, onde reside até sua morte.
Com seu prestígio crescente, irá decorar a Universidade de Oslo entre os anos de
1910 e 1915.
Torna-se membro da Academia Alemã de Belas Artes em 1923, mesmo ano em que
morre sua irmã Laura. Em 1928, cria os murais da Câmara Municipal de Oslo.
Contudo, o ano de 1930 marca uma reviravolta na carreira de Munch. Além de
adquirir uma enfermidade ocular que lhe dificulta a execução dos trabalhos, o
governo nazista classifica suas obras como degeneradas. A partir disso, elas foram
retiradas dos museus e salões de arte alemães.
Apesar disso, seu prestigio internacional se mantêm, com exposições na Inglaterra
(1936) e Estados Unidos (1942).
Por fim, Edvard Munch falece em 23 de janeiro de 1944, em Ekely, Noruega. Seu
corpo foi sepultado no Cemitério de Nosso Salvador, próximo a Oslo.
Obras
As obras de Munch revelam um espírito trágico, repleto de doença e morte. Esses
temas foram recorrentes na infância do artista, haja vista que perdeu sua mãe e
irmãs na juventude. Além disso, ficou muito enfermo e fraco.
Por este motivo, solidão, melancolia, angústia, desespero, depressão e saudade
são assuntos frequentes nas representações de Munch.
É comum, portanto, nos depararmos com pinturas e gravuras de rostos sem feições
ou desfigurados, com expressões distorcidas e quase espectrais.
https://www.todamateria.com.br/edvard-munch/
EF69AR01 Pesquisar, apreciar e analisar formas distintas das artes visuais tradicionais e contemporâneas, em
obras de artistas brasileiros e estrangeiros de diferentes épocas e em diferentes matrizes estéticas e culturais,
de modo a ampliar a experiência com diferentes contextos e práticas artístico-visuais e cultivar a percepção, o
imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
https://www.todamateria.com.br/o-grito/
EF69AR01 Pesquisar, apreciar e analisar formas distintas das artes visuais tradicionais e contemporâneas, em
obras de artistas brasileiros e estrangeiros de diferentes épocas e em diferentes matrizes estéticas e culturais,
de modo a ampliar a experiência com diferentes contextos e práticas artístico-visuais e cultivar a percepção, o
imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
O Grito
 Pesquise sobre essa obra. 1.
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Pesquisa pessoal.
O Grito é uma das mais famosas pinturas da história da arte ocidental. Foi feita em
1893 pelo artista norueguês Edvard Munch, que utilizou tinta a óleo, têmpera e giz
pastel sobre cartão.
A composição mede 91 x 73,5 cm e se encontra atualmente na Galeria Nacional de
Oslo, na Noruega.
É considerada uma obra-prima,pois o artista conseguiu traduzir o sentimento de
angústia e solidão.
NOME:___________________________________
DATA: ____/____/____
PABLO PICASSO
EF69AR01 Pesquisar, apreciar e analisar formas distintas das artes visuais tradicionais e contemporâneas, em
obras de artistas brasileiros e estrangeiros de diferentes épocas e em diferentes matrizes estéticas e culturais,
de modo a ampliar a experiência com diferentes contextos e práticas artístico-visuais e cultivar a percepção, o
imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
Nascido na Espanha, Pablo Picasso é considerado um dos mais importantes artistas
do século XX e o principal representante do movimento cubista.
"Considerado um dos principais artistas do século XX, Pablo Picasso coleciona
números impressionantes: em 78 anos de carreira, pintou mais de 13 mil quadros,
realizou mais de 100 mil desenhos e mais de 300 esculturas.
Importante figura da história da arte, o espanhol inspirou-se em momentos da sua
vida pessoal para criar grandiosas obras, como pode ser comprovado nas suas
fases azul e rosa de produção, ocorridas nas primeiras décadas dos anos 1900.
Picasso é um dos fundadores do movimento cubista, que inovou a arte na época,
por usar elementos geométricos e colagens. Além disso, o artista pintou o La
Guernica, quadro tido como uma das maiores obras de protesto social já criadas."
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de modo a ampliar a experiência com diferentes contextos e práticas artístico-visuais e cultivar a percepção, o
imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
Nascido na Espanha, Pablo Picasso é considerado um dos mais importantes artistas
do século XX e o principal representante do movimento cubista.
Biografia de Picasso
Pablo Picasso foi um dos fundadores do cubismo. 
"O nome completo do pintor é Pablo Diego José Francisco de Paula Juan
Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y
Picasso. Ele nasceu no dia 25 de outubro de 1881, em Málaga, na Espanha.
Os pais do artista chamavam-se María Picasso López, da qual quase nada se sabe,
e José Ruiz Blasco, pintor, professor da Escola de Belas Artes de San Telmo e
conservador do Museu Municipal. Teve duas irmãs, Conchita e Lola.
Curiosidade: quando nasceu, Pablo Picasso não gritou nem se mexeu, dando a
impressão de que não estava respirando. Preocupado, um tio dele assoprou o seu
rosto com a fumaça de um charuto, fazendo o bebê reagir e berrar.
No ano de 1891, a família Picasso mudou-se para a cidade de La Coruña, onde o
então menino Pablo começou a mostrar seus dotes artísticos. Em 1897, mudaram-
se para Madrid, onde Picasso estudou na conceituada Real Academia de Belas-
Artes de São Fernando.
“A arte é uma mentira que faz parecer verdade.” (Pablo Picasso)"
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de modo a ampliar a experiência com diferentes contextos e práticas artístico-visuais e cultivar a percepção, o
imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
"Aos nove anos, em 1900, Pablo Picasso fez sua primeira exposição artística, no
Els Quatre Gats, em Barcelona, com o seu primeiro quadro O toureiro. Em junho do
ano seguinte, realizou uma exposição conjunta com seu amigo Carlos Casagemas,
na Sala Parés, também em Barcelona. No mesmo mês, Picasso organizou sua
primeira exposição em Paris, capital da França."
Obras:
Quadro dois acrobatas e um cão (1905), exposto no museu MoMA. 
"Muitos consideram Picasso um artista ímpar, diferenciado. É um dos pintores mais
famosos da história da arte, em especial do século XX. Ousado, o espanhol inovou
ao usar diferentes cores e formas. Esteve ligado a diferentes movimentos artísticos,
como o cubismo, do qual foi co-fundador, e o surrealismo."
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de modo a ampliar a experiência com diferentes contextos e práticas artístico-visuais e cultivar a percepção, o
imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
"Além de pintor, Picasso foi escultor, ceramista, poeta e dramaturgo. Ele foi o
primeiro artista que obteve sucesso usando a mídia para promover o seu nome e,
com isso, seu império comercial.
Pablo Picasso é o artista que tem mais obras em toda a história da arte. Confira
alguns números, segundo o Guiness, livro dos recordes:
78 anos de carreira
Mais de 13 mil quadros
Mais de 100 mil desenhos
Aproximadamente 34 mil ilustrações
Cerca de 300 esculturas
350 obras roubadas
Confira a seguir alguns marcos importantes da obra de Picasso:
Fase azul de Picasso (1901-1904)
Em 1901, um episódio trágico marcou a vida de Picasso: seu grande amigo Carlos
Casagemas suicidou-se. Picasso ficou muito abalado, o que refletiu na sua arte. Na
época, ele passou a criar artes cada vez mais sombrias e monocromáticas,
culminando num período chamado fase azul.
As obras de Pablo Picasso dessa fase são consideradas tristes e melancólicas, em
tons de azul-esverdeado, e geralmente retratam pessoas magras e abatidas.
Principais obras:
A vida (1901)
Mãe e criança (1902)
A tragédia (1903)
O mendigo e o menino (1903)
O velho guitarrista (1903)
A celestina (1904)"
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imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
Pesquise sobre "A vida (1901)", cole uma imagem e escreva sobre sua pesquisa.
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Pessoal.
Colagem.
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imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
Pesquise sobre "O mendigo e o menino (1903)", cole uma imagem e escreva
sobre sua pesquisa.
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Pessoal.
Colagem.
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obras de artistas brasileiros e estrangeiros de diferentes épocas e em diferentes matrizes estéticas e culturais,
de modo a ampliar a experiência com diferentes contextos e práticas artístico-visuais e cultivar a percepção, o
imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
Escolha uma das obras para você pesquisar e escrever sobre sua pesquisa. 
Fase rosa de Picasso (1905-1907)
Em 1904, Picasso apaixona-se pela modelo e artista boêmia Fernande Olivier.
Tendo-a como musa inspiradora, passa a produzir quadros mais alegres, em tons
mais quentes, como o rosa e o laranja.
Nessa fase, o artista pintou figuras femininas e circenses, entre outras imagens.
Nessa mesma época, começa a delinear o estilo que, mais tarde, seria chamado de
cubista.
Principais obras:
O jovem arlequim (1905)
O moço com cachimbo (1905)
A família de saltimbancos (1905)
Autorretrato (1907)"
Exemplo de escolha: autorretrato (1907)
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de modo a ampliar a experiência com diferentes contextos e práticas artístico-visuais e cultivar a percepção, o
imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
Fase rosa de Picasso (1905-1907)
Em 1904, Picasso apaixona-se pela modelo e artista boêmia Fernande Olivier.
Tendo-a como musa inspiradora, passa a produzir quadros mais alegres, em tons
mais quentes, como o rosa e o laranja.
Nessa fase, o artista pintou figuras femininas e circenses, entre outras imagens.
Nessa mesma época, começa a delinear o estilo que, mais tarde, seria chamado de
cubista.
Principais obras:
O jovem arlequim (1905)
O moço com cachimbo (1905)
A família de saltimbancos (1905)
Autorretrato (1907)"
Escolha uma das obras para você pesquisar e escrever sobre sua pesquisa. 
Exemplo de escolha: O moço com cachimbo (1905)
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Pessoal.
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obras de artistas brasileiros e estrangeiros de diferentes épocas e em diferentes matrizes estéticas e culturais,
de modo a ampliar a experiência com diferentes contextos e práticas artístico-visuais e cultivar a percepção, o
imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
Inspiração na África
Entre os anos 1907 e 1909, Picasso teve contato com esculturas e máscaras
africanas, as quais também tiveram efeito em sua composição. O quadro Meninas
de Avignon (1907) foi a sua primeira obra-prima e a expressão máxima da influência
africana."
"As senhoritas de Avignon é obra considerada pioneira no movimento
cubista. O quadro levou nove meses para ser feito e representou inovação na
história da arte."
O quadro As senhoritas de Avignon (1907), exposto no museu MoMA. 
 https://brasilescola.uol.com.br/artes/pablo-picasso.htm
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obras de artistas brasileiros e estrangeiros de diferentes épocas e em diferentes matrizes estéticas e culturais,
de modo a ampliar a experiência com diferentes contextos e práticas artístico-visuais e cultivar a percepção, o
imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
Quais são as cores mais predominantes na arte destacada?
Atividades:
Reproduza a arte, alterando as cores:
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As cores que mais chamam a atenção, é o rosa/rosê.
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DATA: ____/____/____
CUBISMO
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obras de artistas brasileiros e estrangeiros de diferentes épocas e em diferentes matrizes estéticas e culturais,
de modo a ampliar a experiência com diferentes contextos e práticas artístico-visuais e cultivar a percepção, o
imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
Pablo Picasso é famoso por ser um dos fundadores do cubismo, em 1909, junto
com o pintor e escultor francês Georges Braque. Esse movimento, também
denominado como vanguarda europeia, é conhecido por ser a arte que permite uma
visualização simultânea.
O cubismo tem duas vertentes:
Cubismo analítico (1909 – 1912): as obras tinham tons marrons, mais neutros, e
formas geometrizadas.
Cubismo sintético (1912 – 1919): as obras tinham colagens de papéis e pedaços de
barbantes, o que foi um marco na história artística. A combinação ou síntese de
formas era a principal regra, as cores eram mais fortes e decorativas.
Principais obras cubistas de Pablo Picasso:
Menina com mandolin (1910)
A guitarra (1913)
Os três músicos (1921)
Mulher no espelho (1932)
Dora Maar com gato (1937)
La Guernica (1937)
Jacqueline de mãos cruzadas (1954)
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obras de artistas brasileiros e estrangeiros de diferentes épocas e em diferentes matrizes estéticas e culturais,
de modo a ampliar a experiência com diferentes contextos e práticas artístico-visuais e cultivar a percepção, o
imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
La Guernica
"O quadro La Guernica é o principal de Pablo Picasso. 
"O quadro La Guernica, produzido nos meses de maio e junho de 1937, é a obra
mais conhecida de Pablo Picasso. Conforme pesquisas realizadas, a pintura cubista
relata os horrores da Guerra Civil Espanhola, mais especificamente o bombardeio
alemão à cidade que dá nome ao quadro.
Estudos apontam que, ao desenvolver La Guernica, Picasso queria atrair a atenção
do mundo para a causa republicana em pleno conflito. Ao exaltar a imagem desse
episódio político em um quadro, Picasso criou uma das maiores peças de protesto
social de todos os tempos. "
https://brasilescola.uol.com.br/artes/pablo-picasso.htm
 
 
O cubismo foi uma vanguarda artística europeia marcada pelo uso de formas
geométricas. Surgido no início do século XX na França, esse novo estilo rompeu
com os modelos estéticos que só valorizavam a perfeição das formas.
Esse movimento pode ser considerado o primeiro a se caracterizar pela
incorporação do imaginário urbano industrial em suas obras. Abrangeu sobretudo as
artes plásticas e influenciou a literatura.
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obras de artistas brasileiros e estrangeiros de diferentes épocas e em diferentes matrizes estéticas e culturais,
de modo a ampliar a experiência com diferentes contextos e práticasartístico-visuais e cultivar a percepção, o
imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
Principais Características do Cubismo
Com o cubismo teremos um tratamento geométrico das formas da natureza.
Assim, elas são representadas pelos objetos em todos os seus ângulos no mesmo
plano, constituindo uma figura em três dimensões.
Predominam as linhas retas, modeladas basicamente por cubos e cilindros, dada a
geometrização das formas e volumes.
Essa técnica que renuncia à perspectiva, assim como ao "claro-escuro", causa uma
sensação de pintura escultórica.
No plano conceitual, o cubismo pode ser considerado como uma arte que privilegia o
exercício mental como maneira de expressão das ideias.
Ao romper com a perspectiva consagrada das linhas de contorno, a natureza passa a
ser retratada simplificadamente.
Isso permite maior abstração sobre os atributos estéticos da obra, ao mesmo tempo,
em que recusa a ideia de arte enquanto pura imitação da natureza. Sobre isso,
Georges Braque afirmou:
Não se imita aquilo que se quer criar.
1- O que foi o cubismo?
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2- Quais eram suas principais características?
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 uma vanguarda artística europeia marcada pelo uso de formas geométricas. Surgido
no início do século XX na França, esse novo estilo rompeu com os modelos estéticos
que só valorizavam a perfeição das formas.
Elas são representadas pelos objetos em todos os seus ângulos no mesmo plano,
constituindo uma figura em três dimensões.
Predominam as linhas retas, modeladas basicamente por cubos e cilindros, dada a
geometrização das formas e volumes.
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obras de artistas brasileiros e estrangeiros de diferentes épocas e em diferentes matrizes estéticas e culturais,
de modo a ampliar a experiência com diferentes contextos e práticas artístico-visuais e cultivar a percepção, o
imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
Releitura:
Os três músicos (1921)
Releitura pessoal.
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obras de artistas brasileiros e estrangeiros de diferentes épocas e em diferentes matrizes estéticas e culturais,
de modo a ampliar a experiência com diferentes contextos e práticas artístico-visuais e cultivar a percepção, o
imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
Releitura:
Jacqueline de mãos cruzadas (1954)
Releitura pessoal.
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obras de artistas brasileiros e estrangeiros de diferentes épocas e em diferentes matrizes estéticas e culturais,
de modo a ampliar a experiência com diferentes contextos e práticas artístico-visuais e cultivar a percepção, o
imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
Releitura:
Menina com mandolin (1910)
Releitura pessoal.
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de modo a ampliar a experiência com diferentes contextos e práticas artístico-visuais e cultivar a percepção, o
imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
Releitura:
Releitura pessoal.
Dora Maar com gato (1937)