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Como a Sonoridade das Palavras
Influencia a Interpretação de um Poema?
A sonoridade das palavras em um poema é um elemento fundamental que molda a experiência do leitor,
influenciando profundamente a interpretação e a percepção da obra. As palavras, além de seu
significado literal, carregam um peso sonoro, um ritmo e uma melodia próprios que remetem às
tradições da poesia oral e do cancioneiro popular brasileiro. A escolha cuidadosa de cada palavra pelo
poeta, considerando sua sonoridade, contribui para a criação de um efeito estético singular, como
podemos observar nas obras de grandes poetas como Manuel Bandeira, Cecília Meireles e Carlos
Drummond de Andrade.
Esta relação entre som e significado na poesia brasileira tem raízes profundas que remontam às
tradições indígenas e africanas, onde a oralidade desempenhava um papel central na transmissão
cultural. Na poesia contemporânea, essa herança se manifesta através de diversas técnicas sonoras
que enriquecem a experiência poética.
Aliteração e Assonância: A repetição de consoantes (aliteração) e vogais (assonância) cria um
efeito musical, intensificando a sonoridade e o ritmo do poema. Na "Canção do Exílio" de Gonçalves
Dias, encontramos exemplos marcantes: "Minha terra tem palmeiras, onde canta o sabiá; As aves
que aqui gorjeiam, não gorjeiam como lá" (aliteração em 'm' e 's'). Já em "Morte e Vida Severina" de
João Cabral de Melo Neto, temos: "Essa é a terra que queria ver" (assonância em 'e'). Na poesia
moderna, Ferreira Gullar explora estas técnicas de forma inovadora em "Poema Sujo", onde a
repetição sonora cria camadas de significado que se sobrepõem ao texto.
Onomatopeia: A reprodução de sons naturais enriquece a experiência sensorial do poema, como
demonstrado no "Trem de Ferro" de Manuel Bandeira: "Café com pão, café com pão, virge maria
que foi isso maquinista?" - onde o ritmo imita o som do trem. Outro exemplo notável está em "O
Relógio" de Vinicius de Moraes: "Passa, tempo, tic-tac, tic-tac, passa hora, chega logo, tic-tac, tic-
tac." Na poesia contemporânea, Arnaldo Antunes explora onomatopeias de forma experimental,
mesclando som e significado em performances poéticas multimídia.
Ritmo e Metrificação: A organização das palavras em versos segue padrões específicos que
influenciam a interpretação. Por exemplo, o decassílabo heroico, usado em "Os Lusíadas" e muito
presente na poesia épica, transmite grandiosidade e solenidade. Já o verso livre moderno, como
usado por Oswald de Andrade, pode criar efeitos de surpresa e ruptura que enfatizam o significado
do poema. Na poesia contemporânea, poetas como Paulo Leminski exploram a tensão entre formas
fixas e livres, criando um diálogo entre tradição e inovação.
Paronomásia e Jogos Sonoros: O uso de palavras com sons semelhantes mas significados
diferentes cria efeitos poéticos sofisticados. Augusto de Campos, em sua poesia concreta, explora
estas possibilidades ao máximo, como em "lygia fingers": "seus dedos-seus dados-seus dados-
seus dedos". Haroldo de Campos também utiliza este recurso em suas transcriações poéticas,
estabelecendo pontes entre diferentes línguas através da sonoridade.
A sonoridade das palavras em um poema, portanto, transcende o significado literal, criando uma
experiência sensorial que envolve o leitor e o transporta para o universo poético. Esta musicalidade
intrínseca da poesia brasileira, desde os sonetos parnasianos até a poesia concreta, revela como a
forma sonora é inseparável do conteúdo semântico, construindo juntas o sentido completo da obra.
Na poesia contemporânea, observamos uma expansão ainda maior dessas possibilidades sonoras, com
poetas explorando interfaces entre poesia, música e artes visuais. A poesia slam, por exemplo, recupera
a tradição oral em um contexto urbano contemporâneo, demonstrando como a sonoridade continua
sendo um elemento vital na evolução da expressão poética brasileira. Esta interação entre tradição e
inovação, entre o som e o sentido, mantém a poesia como uma forma de arte viva e em constante
transformação.