3 Estetica_e_Historia_da_Arte_Unidades5e6

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Paulo Cezar Andrade
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Estética e 
História da Arte
Estética e 
História da Arte
ARTE MODERDA
E IMPRESSIONISMO 
AO OP. ARTE
 Caro Aluno
 É sempre bom ir a uma livraria, pegar um livro com lo-
gotipos e uma serie de ilustrações, descobrir o novo. Mas sabendo 
que todos esses projetos, fontes e elementos criativos vieram da 
arte moderna. Vamos estudar estes movimentos da arte moderna. 
Você pode ser surpreendido por quão foram adaptadas estes estilos 
no seu dia a dia Quem sabe que alguns destes estilos não desper-
te a sua criatividade!
Faça uma boa aula!!!
95
5. Arte Moderna
 Não existe uma definição precisa do termo "Arte Moder-
na", embora geralmente se refira a trabalhos produzidos no perí-
odo cerca de 1870 a 1970. Normalmente, os artistas modernos 
rejeitaram anteriores baseados em tradições da Renascença, em 
favor de novas formas de experimentação artística. Usaram novos 
materiais, novas técnicas de pintura, e desenvolveu novas teorias 
sobre como a arte deve refletir a percepção do mundo, e quais suas 
funções, artistas, estar. 
 O modernismo 
nas artes plásticas é ge-
ralmente considerado 
a começar com Eduard 
Manet (1832-1883) e os 
impressionistas france-
ses, apesar de ter decidi-
do incluir a Irmandade 
pré-rafaelita como um 
precursor do modernismo precoce, para a rejeição das formas tra-
dicionais de arte acadêmica XVIII e início do século XVIIII. 
 Após a pré-rafaelitas, a era moderna engloba movimen-
tos de quebra de solo, como Art Nouveau, Cubismo, Expressio-
nismo, Dadaísmo, Surrealismo, Expressionismo Abstrato e Pop-
Art, bem como uma série de escolas menores como Der Blaue 
Reiter, Die Brucke, Bauhaus, Magic Realismo, Realismo Social, 
Futurismo, Orgânico Abstração, Op-Art, o Hard Edge Painting 
ea arte feminista, para citar apenas alguns. Arte Moderna, tam-
bém apresenta novos meios de comunicação desenvolvidos duran-
te o século 20, como colagem e sua variante Assemblage-D 3, e viu 
o início de formas inteiramente novas, como a arte conceitual.
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 5.1 Impressionismos (imagem 100)
 O novo estilo de pintura chamado "Impressionismo", que 
apareceu em Paris, durante o final de 1860 e 1870, não foi reco-
nhecido, inicial-
mente, como nada 
de especial. Mui-
tos dos membros 
do grupo "impres-
sionista", que con-
sistia de Eduard 
Manet, Claude 
Monet, Camille 
Pissarro, Edgar 
Degas, Alfred Sis-
ley, Paul Cézanne, 
Pierre-Auguste Renoir, Jean-Frédéric Bazille e Berthe Morisot - 
estavam em desacordo com Salão oficial, a entidade organizadora 
para a Academia Francesa de Belas Artes no Salon d'Apollon, no 
Palácio do Louvre, cujo júri de seleção, operado com a gravida-
de imprevisível. A principal influência inicial sobre o novo grupo 
foi o gênio do artista Eduard Manet, cujas obras impressionantes 
Déjeuner sur l'herbe e Olympia tinham-se sido rejeitados pelo sa-
lão em 1860.
 Assim, embora outros pintores ficaram impressionados 
com algumas das suas primeiras obras, o Impressionismo não foi 
reconhecido como um estilo importante da pintura, quer por crí-
ticos de arte, colecionadores ou do público. Como resultado, as 
maiorias dos pintores impressionistas sofreram graves dificulda-
des financeiras, e todos tinham de lutar por atenção e as comissões 
de consumidores e críticos. Apesar da amizade com figuras impor-
tantes em outras áreas das artes criativas (como o escritor Emile 
Zola e do poeta Baudelaire) de apoio mútuo e confiança dentro 
do grupo foi o fator crítico para sua sobrevivência.
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 Algumas pinturas impressionistas franceses 
 Claude Monet
 Impressionismo: Soleil Sunrise / Levant "(1872),
Musée Marmottan. 
 Palheiro na manhã Effect Snow (1891), Museu de Belas 
Artes de Boston. 
 Palheiro, Sunset (1890-1891), Museum of Fine Arts 
de Boston. 
 Fachada da Catedral de Rouen (sol) (1892-1894), Musée
Marmottan-Monet. 
 Ponte sobre uma piscina de água Lírios (1899), Metropo-
litan Museum of Art, NY. 
 Os lírios da água (1907), Bridgestone Museum of
Art, em Tóquio. 
 Os lírios da água (1914-1917), Museu de Arte de Toledo,
Toledo, Ohio. 
 Os lírios da água (1916), o Museu Nacional de Arte Oci-
dental, em Tóquio. 
 (1918-1919), Kimball Art Fort Worth Museum Wee-
ping Willow. 
 Eduard Manet 
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 O Bar no Folies-Bergere (1882), Courtauld Institute of 
Art, em Londres. 
 Pierre-Auguste Renoir
 Nuas na Luz (1876), Musée d'Orsay. 
 Le Moulin de la Galette (1876), Musée 
d'Orsay. 
 O Remador (1881), Phillips Collection, 
Washington DC. 
 Edgar Degas 
 O bebedor de absinto (1876), Musée D'Orsay. 
 Prima Ballerina (1876-1877), Musée d'Orsay. 
 [Little Dancer, com idade de quatorze escultura] 
[(c.1881), Tate Modern, em Londres. 
 Nuas Limpando seu pé esquerdo (1886), Musée D'Orsay. 
 5.2 Expressionismo
 Expressionismo é intensamente pessoal. O artista expres-
sionista se esforça para transmitir os seus sentimentos pessoais 
sobre o objeto pintado, ao invés de gravar a sua observação dele. 
Assim, a fim de atingir o máximo impacto sobre o espectador, a 
exatidão de representação é sacrificado (distorcida), em favor do 
(ex) apresenta cores fortes e ousadas. Composições tendem a ser 
mais simples e direta, e são geral-
mente caracterizadas pela pintura 
impasto grossa, solta, aplicadas 
pinceladas livremente, e ocasio-
nal simbolismo. A mensagem é 
muito importante. 
O expressionismo, é realmente 
um estilo de arte em geral,em vez 
de um movimento específico. As-
99
sim, pode-se argumentar que o expressionismo começou realmen-
te com pré-históricas pinturas rupestres, foi continuado por artis-
tas anônimos em toda a Antiguidade Clássica e da Idade Média, 
antes de ser tomada por artistas italianos da Renascença, como 
Donatello (1386-1466), nortistas, como Roger Van der Weyden 
(1400-1464), de Hieronymus Bosch (1450-1516) e Matthias 
Grunewald (c.1475-1528), maneiristas, como El Greco, e artistas 
durante séculos 19 e 18, até 20 mestres meados do século, como 
Francis Bacon (1909 - 1992) e Georg Baselitz (b.1938). Em suma, 
como um estilo geral de pintura e escultura, o expressionismo 
sempre existiu e sempre vai continuar a existir. 
 Como um movimento, o termo "expressionismo" geral-
mente denota do.século XVIIII e século, XX nas escolas preco-
ce ou a arte de interpretação emotiva, que surgiu principalmente 
na Alemanha e Paris como uma reação ao estilo mais passiva do 
impressionismo. No sentido de que era uma reação ao impres-
sionismo, expressionismo pode descrever como um exemplo de 
" pós-impressionismo. "De qualquer forma, enquanto pintores 
impressionistas procuraram apenas para reproduzir a natureza 
(nomeadamente os efeitos da luz solar), pintores expressionistas 
procuraram expressar seus sentimentos sobre o que viram. Era um 
papel mais ativo mais subjetivo do tipo, da arte. 
 O pintor expressionista arquetípica, e sem dúvida o mais 
importante pioneiro do movi-
mento foi o holandês Vincent 
van Gogh. Ele foi um dos três 
importantes pioneiros do século 
XVIIII.
Alguns pintores.
Van Gogh (1853-1890) exempli-
fica expressionismo. Não foram 
só mais autobiográfico de seus 
quadros, em que narrou os seus 
pensamentos, sentimentos e equi-
100
líbrio mental, mas mesmo a composição, cores e pinceladas de suas 
pinturas eram uma reflexão de seus sentimentos como ele pintou. 
Poucos artistas têm já igualou a sua verdadeira intensidade da au-
to-expressão. Se Van Gogh 
forma distorcida e cor para 
transmitir seus sentimentos 
interiores, o artista francês 
Paul Gauguin (1848-1903) 
se baseou na cor para ex-
pressar suas emoções. Ele 
também empregou o sim-
bolismo, mas que era sua 
cor na pintura que realmen-
te o distinguem. bem como o expressionismo como, ele também 
influenciou o desenvolvimento do sintetizou, o primitivismo. 
O grande pioneiro do expres-
sionismo foi terceiro Edvard 
Munch (1863-1944), o pintor 
norueguês neurótico e gravu-
rista, que, apesar de estar emo-
cionalmente marcado no início 
da vida,conseguiu viver a mais 
de 80 anos de idade. No entanto, quase todos os seus melhores 
quadros foram pintados antes de seu colapso nervoso em 1908. 
 Escultores expressionistas 
 Expressionismo também foi popu-
lar na escultura. Expoentes notáveis 
incluíram entalhador Ernst Barlach 
(Ima 107) (1870-1938), Henry Moo-
re (1898-1986) e Alberto Giacometti 
(1877-1966). Entre outros
 5.3 Fovismo
 (C.1900-1908) 
101
Em arte, o termo denota um fauvista 
viveu colorista movimento de cur-
ta duração, associado com a École 
de Paris, que formou em torno de 
amizade entre os artistas franceses 
na virada do século. O nome "Fau-
ves" foi cunhado em 1905 o salão 
de exposições em Paris, pelo crítico 
de arte Louis Vauxcelles que descre-
veu a insultante coloridas pinturas 
vividamente como sendo o trabalho 
de feras (fauves), e o nome pegou. Uma consequência do francês 
Pós-Impressionismo movimento, Fauvismo pode ser considerada 
um mix de Divisionismo de Seurat e Van Gogh, o expressionis-
mo. Também foi influenciado pelo trabalho de outros pintores 
impressionistas-Post, nomeadamente Paul Gauguin. 
 Os principais membros da escola fauvista parisienses 
eram Henri Matisse (1869-1954) e André Derain (1880-1954), 
que estudaram juntos em 1897, bem como Maurice de Vlaminck 
(1876-1958), um amigo de Derain. 
 Outros pintores fauvistas incluído o cubista Georges 
Braque (1882-1963), Raoul Dufy (1877-1953), Georges Rouault 
(1871-1958), Albert Marquet (1875-1947), e o pintor holandês 
Kees van Dongen (1877-1968). O lugar preferido da congregação 
foi Collioure no sul da França. 
 Na raiz “da filosofia fauvista foi de Derain noção de ‘cor 
para a cor do amor “. O estilo pode ser rastreado até Pontilhis-
mo e Pós-Impressionismo, mas afastou-se a harmonia do último 
para um mais ousado mais primitiva forma de expressão. Assim, o 
motivo foi substituído pontilhado com ampla liberdade aplicado 
pinceladas grosso de cor pura, e as composições eram relativamen-
te simples, às vezes abstrato
 Pintores Fovista
 Henri Matisse: Harmony in Red (A mesa de jantar) 
102
(1908), Galeria Hermitage, 
São Petersburgo; Retrato de 
Madame Matisse 1912-1913, 
Hermitage, a Galeria de St; 
Petersburg Luxe (, Calme et 
Volupté (1904), Musée d ' 
Orsay e Blue Nude IV (1952), 
Musee Matisse, Nice-Cimiez. 
Por Andre Derain: O Porto 
de Collioure (1905), Colecção Privada, e Charing Cross Bridge 
(1906), National Gallery of Art, Washington DC. Por Maurice 
Vlaminck de: Rebocador em Chatou (1906) Private Collection. 
5.4 Cubismo
Em arte, o Cubismo termo des-
creve o estilo revolucionário 
de arte concebida por Georges 
Braque (1882-1963) e Pablo 
Picasso (1881-1973) em Paris, 
durante o ano 1907-8. Seu estilo 
de pintura cubista - inicialmen-
te influenciado pela paisagem 
composições geométrico do 
artista pós-impressionista Paul 
Cézanne - redefiniu radicalmente a natureza e o âmbito da pintu-
ra de arte e, em menor medida, a escultura, como anteriormente 
praticado, e marcou uma totalmente nova forma de representar a 
realidade. 
 Na história da arte, cubismo marca o fim da era domina-
do Renascença, eo início da arte moderna. 
 Outros pintores que influenciaram (e foram influencia-
dos por) Cubismo incluem os pintores Juan Gris (1887-1927), 
Fernand Léger (1881-1955), Robert Delaunay (1885-1941), Al-
bert Gleizes (1881-1953), Roger de La Fresnaye (1885-1925), 
Jean Metzinger (1883-1956), Francis Picabia (1879-1953), 
103
pintor e escultor Marcel Duchamp (1887-1968), e os escultores 
Jacques Lipchitz (1891-1973), Alexander Archipenko (1887 
-1964). Cubismo pode ser visto como o ponto de partida, ou 
um elemento essencial, vários outros movimentos de arte moder-
na, incluindo o futurismo (1909-1914), Orfismo (1910-1913), 
Vorticism (1914-1917), o construtivismo, (c.1919 -1932), e Pu-
rismo (1920-1925). O movimento cubista em si é normalmente 
classificado em três etapas: (1) do tipo Protocubismo (IMAGEM 
111) (2), o cubismo analítico, (IMAGEM 112) e (3), o cubismo 
sintético(IMAGEM113). 
 Origem do termo "cubismo" 
 No verão de 1908, durante a sua estada em L'Estaque per-
to de Marselha, Braque pintou uma série de paisagens que foram 
mostrados mais tarde esse ano em uma galeria em Paris, de pro-
priedade de Daniel-Henri Kahnweiler. Ao rever esta exposição, o 
famoso crítico de arte Louis Vauxcelles comentou sobre a maneira 
de reduzir tudo Braque - visões, valores e casas - para contornos 
geométricos, de cubos. No ano seguinte, Vauxcelles utilizou a ex-
pressão "bizarreries cubiques (excentricities cúbicos) e em 1911 o 
Cubismo termo entrou na língua Inglês. A descrição é muito apro-
priada para as formas blocklike em algumas das primeiras paisa-
gens de Braque e de forma semelhante pouca obra de Picasso, mas 
nem tanto para os seus quadros cubistas tarde em que os formulá-
rios são divididos em facetas, em vez de moda em cubos. O termo 
foi tomado por dois cubistas praticando, Gleizes e Metzinger em 
104
seu livro Du Cubisme 1912. 
 5.4.1Para entender o Cubismo
 Primeiro, é muito difícil de apreciar o cubismo sem anali-
sar as suas pinturas. Um bom começo é cedo para comparar cubis-
ta natureza, morta com a vida ainda tradicional (por exemplo) ou 
o holandês Realista escolas impressionistas. Se nada mais, você vai 
apreciar a natureza radical do cubismo em relação à arte ocidental 
tradicional. 
 Que é exatamente o cubismo? 
 Desde a Renascença, se não antes, os artistas pintaram 
quadros fixos de um único ponto de vista, como se fossem tirar 
uma fotografia. A ilusão de profundidade funda foi criada usan-
do as convenções do padrão de perspectiva linear (por exemplo, 
foram mostrados objetos menores à medida que diminuiu) e pela 
pintura de figuras e objetos com superfícies arredondadas sombre-
adas para transmitir um efeito 3-D. 
 Em contrapartida, Braque e Picasso pensou que a essência 
de um objeto só pode ser capturada por mostrá-lo a partir de múl-
tiplos pontos de vista simultaneamente. Assim, eles abandonaram 
a idéia de um único ponto de vista fixo e utilizado em vez de uma 
multiplicidade de pontos de vista. O objeto foi então montada a 
partir dos fragmentos desses pontos de vista diferentes, como se 
fosse um puzzle complexo. Desta forma, muitos pontos de vista 
diferentes de um objeto simultaneamente foram representados no 
mesmo quadro. Em certo sentido, é como tomar cinco fotografias 
diferentes de um mesmo objeto, em seguida, corte-los e reorgani-
zá-los de uma maneira sobrepostas em uma superfície plana. 
 Essa fragmentação e recomposição da forma significavam 
que uma pintura pode agora ser considerada menos como uma es-
pécie de janela para o mundo e mais como um objeto físico no 
qual uma resposta subjetiva do mundo é criada. Quanto à técnica 
artística estava em causa, o cubismo mostrou como uma sensação 
de solidez e estrutura pictórica pode ser criada sem perspectiva tra-
105
dicional ou modelagem. 
 Assim, o estilo cubista focada em dois, dimensional da 
superfície plana do plano do quadro, e rejeitou as convenções e 
técnicas tradicionais de perspectiva linear, use de sombreamento 
para show de luz e sombra e da idéia tradicional de imitar a na-
tureza. Em vez de criar natural olhando, 3D, os pintores cubis-
tas ofereceram um novo conjunto de imagens remontada a partir 
de fragmentos de 2D, que mostrou os objetos de vários lados ao 
mesmo tempo. Se fovismo impressionistas e esforçou-se para ex-
pressar sua sensação pessoal de um determinado objeto ou cena, 
cubistas procuravam retratar a idéia intelectual ou forma de um 
objeto, e sua relação com os outros. 
5.5 Surrealismo
O surrealismo foi o 
"movimento de arte 
moderna do período 
entre,guerras, a arte 
e os principais movi-
mentos último a ser 
associado com a Éco-
le de Paris, de onde se 
espalhou por toda a 
Europa, tornando-se 
uma das mais influentes escolas ou estilos de vanguarda, arte. O 
seu nome deriva da frase Surréaliste Drame, o sub-título de uma 
peça de 1917 pelo escritor e crítico de arte GuillaumeApollinai-
re (1880-1918). Surrealismo evoluiu da arte niilista "anti-" Dada 
movimento, cuja maioria dos membros se tornaram surrealistas. 
No entanto, embora tão revolucionário "como Dadaísmo, Surre-
alismo foi menos abertamente político e defendeu uma filosofia 
mais positiva,resumido por André Breton como" pensamento ex-
presso na ausência de qualquer controle exercido pela razão, e fora 
de todas as considerações morais e estéticos ". 
 Inicialmente, o foco principal do movimento era litera-
106
tura, mas este rapidamente 
ampliado para englobar a 
pintura, escultura e outras 
formas de arte visual con-
temporânea. Artistas surre-
alistas objetivo de gerar um 
novo conjunto de imagens 
inteiramente por criativos 
do poder libertador da 
mente inconsciente.
 Todos os tipos de técnicas e fenômenos foram utilizados 
para alcançar este objetivo, incluindo sonho, alucinações, aleató-
rio ou automático de geração de imagem,basicamente tudo o que 
contornou as usual "pensamento" racional processos envolvidos na 
criação de obras de arte. A abordagem racional refletindo desatuali-
zado valor burguês foi rejeitada pelos teóricos do surrealismo como 
fundamentalmente reacionária, mentirosa e altamente limitantes. 
 Não surpreendentemente, na sua tentativa de produzir 
obras de arte não contaminadas pelo racionalismo burguês, o 
surrealismo foi responsável por uma série de incrivelmente inova-
dores, mas, muitas vezes bizarros, e às vezes ininteligível compo-
sições. No entanto, apesar das suas características absurdas, o sur-
realismo foi e continua sendo muito atraente tanto para os artistas 
e o público. De fato, em suas imagens icônicas e seu impacto sobre 
a arte moderna, surrealismo se estabeleceu como um dos de mais 
duradouros movimentos de sec. XX
 O escritor André Breton (1896-1966), apelidado de "o 
papa do surrealismo", foi o fundador do movimento e chefe te-
órico. Ele introduziu e definiu o novo estilo em seu manifesto 
inicial 1924 (Manifeste du Surrealisme) e mais tarde em sua pin-
tura Surrealisme boletim (et la Peinture). Um ex-dadaísta, Breton 
lamentou o caráter destrutivo e niilista de dadá, no entanto, que 
ele construiu sobre Dada muitas idéias para criar um movimento 
com uma filosofia coerente que doutrinária, da qual ele não tole-
rava desvio, expulsando membro rebelde como ele bem entendes-
107
se. objetivo global de Breton foi, de 
fato, muito revolucionários. Ele visa 
nada mais nada menos do que uma 
transformação total da forma como 
as pessoas pensavam. Ao quebrar as 
barreiras entre o mundo exterior e in-
terior, e mudando a maneira de per-
ceber a realidade, ele pretendia libertar o inconsciente, conciliá-lo 
com a consciência e libertar a humanidade do jugo burguês da ló-
gica e da razão, que até agora levou apenas à guerra e à dominação 
Vários líderes foram surrealistas Paris dadaístas anteriores, tais 
como Max Ernst (1891-1976), Man Ray (1890-1976) e Jean Arp 
(1887-1966), mas o movimento promoveu seus próprios pintores 
famosos, como Joan Miró (1893 - 1983) (Ima 116), René Ma-
gritte (1898-1967) e Salvador Dali (1904-1989). Outras figuras 
importantes incluídas Antonin Artaud (1896-1948), Paul Del-
vaux (1897-1994) **, André Masson (1896-1987), Yves Tanguy 
(1900-1955), Pierre Roy (1880-1950), e Maurits Escher (1898-
1972), **, bem como Tristan Tzara (1896-1963), o cineasta Luis 
Buñuel (1900-1983), Alberto Giacometti (1901-1966), Roberto 
Matta Echaurren [Robert Matta] (1911-2002) e Hans Bellmer 
(1902-1975)..
 História do Movimento 
Surrealismo 
Em breve, o Surrealismo surgiu em Pa-
ris e tornou-se encaixado no mundo da 
arte avant-garde (que Paris ainda era 
o centro do mundo). Durante a déca-
da de 1930, deixou alguns adeptos do 
movimento, enquanto outros aderi-
ram. Então, durante a guerra, muitos 
fugiram para a América, onde teve um 
impacto significativo sobre EUA. Arte contemporânea, antes de 
retornar a Paris no final de 1940 inícios dos anos 1950.
 Paris 
108
Vendo-se como revolucionários, no espírito do dadaísmo, surrea-
lismo foram atraídos pela filosofia libertadora do socialismo e do 
comunismo, com os quais tentou, sem sucesso, formar uma alian-
ça - e pelo estilo soviético estruturas organizacionais. Eles emitiram 
o seu primeiro manifesto, em 1924 e, ao mesmo tempo, criou um 
Gabinete de Investigação surrealista, assim como um escândalo, um 
jornal irreverente chamado La Révolution Surréaliste (1924-9). A 
maioria das primeiras discussões, trocas e intercâmbio de idéias teve 
lugar em cafés. Apesar de ser essencialmente literário, para começar, 
o movimento se expandiu rapidamente para as artes visuais Breton 
cortejada Picasso assiduamente, sem sucesso, e sua primeira mostra 
de pintura - La Peinture Surréaliste, foi encenada na Gallerie Pierre, 
em 1925. Um ano depois, um novo Galerie Surréaliste abriu com 
uma exposição do fotógrafo Man Ray. O movimento continuou a 
prosperar em Paris durante o final de 1920, tornando-se dominante 
entre a escola da cidade de vanguarda em todas as disciplinas das 
artes.
 Fim do surrealismo 
 Não há um consenso claro entre os críticos ou historiado-
res sobre o fim do Surrealismo. Alguns especialistas em arte con-
sideram que se desfez após a 
guerra, enquanto outros citam 
a morte de André Breton em 
1966 (ou o de Salvador Dali em 
1989) que marca o fim do Sur-
realismo como um movimento 
organizado. Seja qual for a sua 
morte, o Surrealismo como 
um estilo foi (e ainda é) muito 
popular com o público de arte. 
As recentes exibições do surrealismo foram hospedados na cidade 
de Nova York pelo Museu Guggenheim eo Metropolitan (1999, 
2002), enquanto em 2001, a Tate Modern, em Londres, realizou 
uma exposição de arte surrealista que atraiu 170 mil visitantes. 
Isso foi seguido na Europa por um mostrar pré-embaladas - "La 
109
Révolution Surréaliste" - no Centro Georges Pompidou, em Paris. 
5.6 Dadaísmo
O primeiro movimento anti-arte maior, Dada foi uma revolta 
contra a cultura e valores que - 
acreditava-se - havia causado e 
apoiou a carnificina da Primeira 
Guerra Mundial (1914-1918). 
Desenvolveu-se rapidamente 
em um movimento anti-arte 
anarquista cujo objetivo era 
subverter e minar o sistema de 
valores da elite governante, que 
tinha permitido que a guerra 
acontecesse, incluindo o estabe-
lecimento de artes que eles viam 
como indissoluvelmente ligada 
ao status político-sócio desacre-
ditado. Simultaneamente em 1916, na Europa e na América, seus 
dirigentes eram geralmente muito jovens, em seus vinte e poucos 
anos, e a maioria tinha "opt out", evitando o recrutamento ao abri-
go de cidades neutras, como Nova York, Zurique e Barcelona. 
 Ironicamente, apesar de sua missão niilista, Dada levou 
ao surgimento e aperfeiçoamento de várias inovações importantes 
na arte, incluindo a colagem, montagem e fotografia, e passou a 
influenciar mais tarde movimentos artísticos modernos, como o 
Surrealismo e a Pop- Arte, como bem como os estilos de arte con-
temporânea como o NeoDada e várias formas de arte do século 
XX, como instalação e performance.
 Ironicamente, apesar de sua missão niilista, Dada levou ao 
surgimento e aperfeiçoamento de várias inovações importantes na 
arte. Incluindo a colagem, montagem e fotografia, e passou a in-
fluenciar mais tarde movimentos artísticos modernos, como o Sur-
realismo e a Pop-Arte, bem como os estilos de arte contemporânea 
o Neo-Dada e várias formas de arte do século 20.
110
Dada surgiu no meio de uma guerra 
bárbara, duramente nos saltos de 20 
do século primeiro movimento revo-
lucionário da arte - Picasso e Braque 
o cubismo. Tanto o niilismo gerado 
pela guerra, o espírito revolucionário 
lançado pela arte cubista, foram fato-
res-chave por trás do movimento de 
crescimento e de recurso. Na verdade, 
o polêmico primeiro trabalho, "Nu 
Descendo a Escada, n º 2" (1912) de 
Marcel Duchamp. Foi um cubista / futurista trabalho descreve 
a descida de um mecanicista nude, similar a uma série de fotos, 
fotos. Ela escandalizou os visitantesdo Armory Show, em Nova 
York - oficialmente a Exposição Internacional de Arte Moderna 
e as principais primeira exposição das tendências modernas que 
saem de Paris - mas rapidamente vendido, junto com quatro de 
suas obras na mostra. No entanto, primeiro grande dadaísta de 
trabalho Duchamp (ou protesto) era a sua apresentação do seu 
"trabalho" readymade (um urinol assinado), intitulado "Fonte", a 
Sociedade de Artistas Independentes de exposições em Paris, em 
1917. A comissão disse que o show Fonte não era arte, e rejeitou 
a partir do show causando um alvoroço entre os dadaístas e levou 
Duchamp demitir-se do conselho dos Artistas Independentes. 
(Nota: Em 2004, 500 artistas e historiadores de nomeada da Fon-
te " como "a arte mais influente do século 20."). 
Jean Arp (1887-1966): Poeta e 
Escultor
 Um ex-aluno da Escola de Estrasburgo 
de Artes e Ofícios (1905-7) e na Acadé-
mie Julian, em Paris (1908), Arp foi para 
Munique em 1912, onde conheceu Kan-
dinsky e apresentou uma série de semi 
figurativa expressionista desenhos na se-
111
gunda Der Blaue Reiter exposição. No ano seguinte, em 1913, ex-
pôs no primeiro Salão de Outono, em Berlim. Em 1914, influencia-
do pela vanguarda parisiense, através de artistas como Guillaume 
Apollinaire (logo a inventar a palavra "surrealismo"), Max Jacob e 
Robert Delaunay, Arp exibiu seu primeiro e resumos de papel, e co-
meçaram a criar franquias raso de madeira e composições com lona 
e corda. Em 1916, tornou-se um membro pioneiro da Zurich Dada 
em Zurique, participou da exposição Dada de Berlim 1920 e depois 
foi para Hannover para visitar Schwitters. Altamente experimental, 
ele explorou a abstração geométrica, bem como estilos dadaístas, e 
mais tarde se juntou ao movimento surrealista. 
Marcel Duchamp (1887-1968)
Uma das mais radicais artistas da 
Europa, Duchamp primeiro curso se 
polêmico trabalho foi "Nu Descen-
do a Escada," (1912), uma pintura 
altamente criativa que exemplifica o 
estilo do cubismo analítico de uma 
forma que antecipou a formas fu-
turistas. Isentos do serviço militar 
obrigatório em tempo de guerra, fu-
giu para Nova York, onde seu blas-
femo "Fountain" (1917) e LHOOQ 
(1919) tornaram-se Dada obras clássicas, como fez o seu cada vez 
mais complexo,incluindo "O Grande Vidro". Sua reputação como 
o principal artista contemporâneo europeu levou Peggy Gugge-
nheim e outros compradores influentes para contar com ele para 
aconselhamento sobre investimentos de arte. Ele também conhe-
ceu o gênio versátil Man Ray e, juntamente com Henri-Pierre 
Roché e Beatrice Wood, publicou o New York dadaísta periódico 
"The Blind Man". Em 1918, Duchamp sair da cena artística, e via-
jou para Buenos Aires por vários meses em que ele jogava xadrez. 
Em 1923 retornou a Paris, mas não participaram no Dada, nem 
continuou como um artista em tempo integral. Em vez disso, de-
dicou-se ao xadrez, e alguns projetos colaborativos, dividindo seu 
112
tempo entre a França e a América. 
 Max Ernst (1891-1976)
Pintor, escultor, artista gráfico, poeta 
Um amigo ao longo da vida de Jean Arp, 
Ernst foi altamente, experimental artista 
prolífico e, depois de servir na Primeira 
Guerra Mundial, ele se tornou um dos 
pioneiros dos dois Dados (que fundou 
o ramo de Colónia) e do surrealismo. 
Durante a sua fase surrealista foi anota-
do por sua invenção da frottage (fricção 
superfícies texturizadas) e decalcomania 
(padrões de pintura líquida). 
 5.7 Arte Abstrata 
 Arte abstrata o termo refere-se 
a qualquer pintura ou escultura 
que não representam aspectos do 
mundo visível. A arte abstrata é 
também por vezes referida como 
não objetiva, não-representacio-
nal, não figurativo, ou arte concreta. Neste artigo, vamos concentrar 
na pintura abstrata. 
Movimentos artísticos abstrato 
Os principais movi-
mentos da arte abstrata 
foram cubismo (nome-
adamente em França), 
Futurismo (Itália), De 
Stijl (Imagem125)(Ho-
113
landa), Raionismo, construtivismo e suprematismo (Rússia), o 
Expressionismo Abstracto (E.U.A.) e Arte Informal (Europa). 
Entre os mais conhecidos pinto-
res abstratos são: Wassily Kan-
dinsky 1866-1944), Pablo Picasso 
(1881-1973), Georges Braque 
(ima 126) (1882-1963), Kasi-
mir Malevich (1878-1935), Piet 
Mondrian (1872-1944), Jackson 
Pollock (1912-1956), Mark Ro-
thko (1903-1970) e Robert Mo-
therwell (1915-1991). 
 A escultura abstrata é exemplificada nas obras de Jean 
Arp (1887-1966), Constantin Brancusi (1876-1957), Alexander 
Calder (1898-1976), Henry Moore (1898-1986) e Alexandra 
Wejchert (1921-1995). 
 Cores 
 Como dito acima, o uso da core forma para mover o es-
pectador era fundamental no desenvolvimento da arte abstrata. 
Impressionismo, incluindo as variantes do Pontilhismo Neo-Im-
pressionismo e Pós-Impressionismo, já havia chamado a atenção 
para o poder da cor, mas o expressionismo alemão tornou a pedra 
angular da pintura. Um dos seus líderes, Wassily Kandinsky (1866-
1944) publicou um livro intitulado 'On 
The Spirtual In Art "(1911), que se tornou 
o texto base da pintura abstrata.
Kandinsky foi convencido pelas proprie-
dades emocionais de forma, linha e acima 
de tudo, cor. (Ele tinha uma sensibilidade 
anormal à cor, que ele podia ouvir, bem 
como ver, uma condição chamada sines-
tesia.) Ele acreditava que uma pintura não 
deve ser analisada intelectualmente, mas 
permitiu chegar a estas partes do cérebro 
114
que se conectam com a música. 
 Mesmo assim, ele advertiu que a arte séria não deve ser 
levado pelo desejo de abstração para se tornar mera decoração. A 
maioria dos expressionistas alemães (por exemplo, Ernst Kirchner, 
Karl Schmidt-Rottluff, Max Ernst, Alexei Jawlensky, Oskar Kokos-
chka, Franz Marc, August Macke e Max Beckmann) não foram 
pintores abstratos. Mas sua paleta viva juntamente com os escritos 
teóricos de Kandinsky - alertou outros artistas abstratos inclinado 
mais para o poder da cor como meio de alcançar seus objetivos. 
 Estilo tradicional 
 Até o final do século XVIIII, mais a pintura e a escultura 
seguiu os princípios tradicionais da arte acadêmica, como ensi-
nado nas academias grandes da Europa. Entre outras coisas, os 
princípios estabelecidos a regra fundamental que o primeiro de-
ver de arte foi o de fornecer uma cena ou objeto reconhecível, no 
entanto muito variada pelas demandas do estilo ou médio prazo. 
Em suma, arte era imitar ou representar a realidade externa. 
 5.8 Pop Arte 
115
 O termo Pop-Art foi inventado pelo britânico Lawrence 
Alloway curador, em 1955, para descrever uma nova forma de "arte 
popular" - um movimento caracterizado pela imagem do consumis-
mo e da cultura popular. Pop-Art surgiu em Nova York e Londres 
em meados dos anos 1950 e tornou-se o estilo de vanguarda domi-
nante até o final dos anos 1960. Caracterizado por negrito, todos os 
dias, imagens simples e cores vibrantes bloco, foi interessante para 
olhar e tinha um quadril 
“moderno” se sente. O es-
quema de cores brilhan-
tes também permitiu que 
a arte pop para enfatizar 
determinados elementos 
na cultura contemporâ-
nea, e ajudou a reduzir o 
fosso comercial entre as 
artes e as artes plásticas. 
Era o pós-modernista primeiro movimento (quando o meio é tão 
importante quanto à mensagem), bem como a primeira escola de 
arte para refletir o poder do cinema e da televisão, da quais mui-
tas das suas imagens mais famosas adquirido a sua celebridade. As 
fontes comuns de iconografia pop eram propagandas, embalagens 
de produtos de consumo, fotos de estrelas de cinema, pop-stars e 
outras celebridades, e as tiras em quadrinhos. 
 Origens e influências 
 Pop-arte, como quase todos os estilos de arte significati-
vos, foi em parte uma reação contra o status. Em 1950 a América, 
o estilo principal era o expressionismo abstrato, uma não, figura-
tiva estilo arcano da pintura que, embora admirado por críticos, 
graves amantes de arte, museu e experientes, os visitantes - não era 
"conexão" com qualquer público, ou com muitos artistas. Muito 
estilo pictórico, omais abstrato e tornou-se expressivo, maior será 
a oportunidade para um novo estilo que empregou mais figurativa, 
terra-a-terra mais imagens: a saber, algo que o artista fraternidade 
mais ampla poderia ter seus dentes e em que os espectadores po-
116
deriam se relacionar. Assim, Pop-arte, que devidamente tornou-se 
o estilo de arte estabelecido e que, por sua vez foi substituído por 
outras escolas a partir de 1970.
 De certa forma, o surgimento da Pop-arte (e sua as-
cendência sobre o expressionismo abstrato) foi semelhante ao 
aumento de Dada e sua ampla base sucessor Surrealismo (e sua 
ascendência sobre o cubismo). Ambas as escolas substituído (Ex-
pressionismo Abstrato e do cubismo) envolvidos estilos altamente 
intelectual com apelo limita-
do para os amantes da arte. 
Dada era essencialmente anti 
arte, mas os anos durante o 
qual floresceu 1916-1922 
foram marcados por grande 
polarização e conflito po-
lítico, e tão logo as coisas se 
acalmaram mais dadaístas se 
surrealistas. Em todo o caso, 
conforme explicado abaixo, 
Objetivos e Filosofia, Pop-arte compartilham muitas das caracte-
rísticas do dadaísmo, surrealismo e é grato a ele por várias técnicas 
derivadas de Kurt Schwitters colagens, os readymades "de Marcel 
Duchamp, a imagem icônica de Rene Magritte e as criações impe-
tuoso de Salvador Dali.
 Enquanto a pop-arte fomos definidos pelas forças de 
consumo externo, ambos foram consumidos pela necessidade de 
fazer um forte impacto visual no público em geral.
 5.9 Op-Arte
 1965-1970 
 Op Art (um termo cunhado em 1964 pela revista Time) 
é uma forma de arte abstracta que se baséia em ilusões de óptica, a 
fim de enganar o olho do espectador. É também chamado de arte 
ou arte óptica da retina. Uma forma de arte moderna, que se refere 
aos desenhos geométricos que criam sentimentos de movimento 
117
ou vibração. obras de arte Op foram inicialmente produzidas em 
preto-e-branco, mais tarde, em cores vibrantes. Historicamente, a 
Op-Art estilo pode ser dita ter se originado nos trabalhos de Vic-
tor Vasarely (b.1908), e também o expressionismo abstrato. Outro 
artista Op importante é o pintor britânico Bridget Riley (b.1931). 
Modern interesse no movimento de arte retiniana decorre a par-
tir de 1965, quando uma grande exposição de Op Art, em Nova 
York, intitulado "The Responsive Eye", chamou a atenção do públi-
co. Como consequência, o estilo começou a aparecer nos gráficos 
de impressão, publicidade e arte do álbum, bem como design de 
moda e decoração de interiores. Até o final da década de 1960 o 
movimento Op-Arte tinha-se desvanecido. 
 As origens da Op Arte voltar a pintar as teorias pré-guer-
ra, incluindo as idéias construtivistas de 1920 a escola de design 
Bauhaus, na Alemanha, que enfatizou a importância da concep-
118
ção formal geral, em criar um determinado efeito visual. Quando 
a Bauhaus encerrada em 1933, muitos dos seus leitores (nomeada-
mente Josef Albers) mudaram para os Estados Unidos e ensinou 
em Chicago e no Black Mountain College na Carolina do Norte. 
Josef Albers devidamente produziu sua "Homenagem ao Quadra-
do famosa" série de pinturas que tinha tendências Op-Art. Entre-
tanto, a partir da década de 1930, o pintor húngaro, nascido e ar-
tista gráfico Victor Vasarely estavam experimentando com vários 
truques visuais, tais como trompe-l'oeil e outros, de certos tipos 
de arte do poster,ver sua foto Zebras Op arte (1938). Mais tarde, 
ele virou-se para a pintura, criando imagens abstratas geométricas 
para as quais ele é famoso. Durante a década de 1950, a Op-Arte 
estilo apareceu também em preto e branco de John McHale pai-
néis Dazzle no "Este é amanhã" exposição em 1956. Bridget Riley 
começou a desenvolver seu estilo distinto de preto-e-branco arte 
óptica em torno de 1960.
 Modern interesse na Op Art data de "The Responsive 
Eye" exposição, comissariada por William C. Seitz, que foi reali-
zada em 1965 no New York's Museum of Modern Art (MoMA). 
Uma vasta gama de trabalhos foram expostos, incluindo os do bem 
conhecido Victor Vasarely e contemporaryBridget Riley. Imensa-
mente popular, o espetáculo destaque a ilusão de movimento e 
interação de relações de cor, nem de que encontrou grande favor 
da crítica. Embora a Op Arte estilo tornou-se muito na moda du-
rante a segunda metade da década de 1960, declinou rapidamente 
depois como uma forma de arte séria, apesar de periódicos revivals 
menores. Exposições notáveis nos últimos tempos têm incluído: 
"L'oeil Moteur, optique art et cinetique 1960-1975 (Musée d'Art 
Moderne et Contemporain, em Estrasburgo, França, 2005)," Op 
Arte "(Schirn Kunsthalle, em Frankfurt, Alemanha, 2007), "The 
Edge Óptico" (Pratt Institute of Art, New York, 2007), "Nervo 
Óptico: Percepção Arte da década de 1960" (Columbus Museum 
of Art, Columbus, Ohio, 2007). 
Exercícios de Fixação
 1. As principais características do impressionismo e quem
foi o pintor mais influenciado no inicio?
 2. Quais os pontos forte do expressionismo para atrair 
o espectador?
 3. O que era movimento pós-impressionismo?
 4. Como surgiu o Cubismo e quais suas características?
 5. O que é o fim do surrealismo?
 6. Porque o Dadaísmo influenciou o surrealismo e a pop-arte?
 7. O que é abstracionismo?
ARTE PÓS MODERNA
MINIMALISMO AO GRAFITE
 Caro Aluno
 Na verdade, a arte é um conceito relativamente flexível 
podendo ter diferentes significados dependendo do tempo,lugar 
e também a pessoa que hoje, mais que nunca devido ao desapare-
cimento de certos parâmetros, tais como conceito de beleza e pela 
uniformidade das formas e a industrialização do gosto. 
Faça uma boa aula!
125
6. Pós-Modernismo
 Definição do pós-modernismo
"Uma tarde de estilo do século 20 e da teoria conceitual nas 
artes e arquitetura, caracterizada por uma desconfiança 
geral de ideologias, bem como um melhor relacionamento" 
difícil, com o que constitui a arte. " 
 Parece muito simples. É só quando você começar escavar e 
descobrir conceitos pegajosos como "modernidade" não o mesmo 
que o modernismo e "-pós-modernidade" (diferente para o pós-
modernismo), que sua cabeça começa a girar. Então vamos esque-
cer as coisas complexas e se concentrar em alguns fundamentos. 
Os historiadores de arte, curadores e estudantes de pós-graduação 
de século XX contemporânea estética. 
 Antes de tudo temos que falar de Arte Moderna é ge-
ralmente associado com a época 1860-1960 - basicamente, do 
126
Impressionismo ao meio 
caminho através do movi-
mento Pop - Arte. Artistas 
modernistas como todos os 
praticantes do modernismo 
acreditam nas científicas leis 
fundamentais da razão e do 
pensamento racional. Eles 
também acreditavam que 
a vida tinha sentido - pelo 
menos até a carnificina sem 
sentido da Primeira Guerra 
Mundial I. (Mas veja tam-
bém Dada.) Mesmo depois, 
eles ainda acreditavam que o 
significado suficiente pode-
ria ser redescoberto por uma combinação do pensamento racional 
e sem preconceitos arte. (Um bom exemplo é o surrealismo).
 6.1 A era pós-moderna
O período pós anos 60 nas artes vi-
suais tem sido caracterizado por uma 
série de fatores: 
	 •	 A	 desilusão	 generaliza-
da com a vida, bem como 
o poder dos atuais sistemas 
de valores e ou tecnologia 
para produzir mudanças 
benéficas. Como resultado, 
a autoridade, competência, 
conhecimento e na eminência da realização tornou-se 
desacreditado. Artistas têm se tornado cada vez mais des-
confiado sobre "grandes idéias". Novos estilos de arte não 
conseguiram atraí-los da maneira que o Impressionismo, 
Expressionismo, Cubismo e Surrealismo capturaram a 
imaginação de gerações anteriores. Pequenas agora são 
127
bom, tão pós-modernista escolas tendem a ser mais local. 
	 •	Nova	prioridade	educacional,	que	começou	a	enfatizar
o exercício de habilidades em vez de conhecimento para 
sua própria causa. Como resultado, artistas e estudantes 
de arte tornaram-se menos interessadas em absorver as 
tradições e artesanato do assunto, e focaram-se em domi-
nar as técnicasde produção. Individuais de criatividade e 
interpretação tornaram-se tão (ou mais) importante do 
que a aquisição gradual das habilidades pictóricas. 
	 •	O	surgimento	de	novas	 tecnologias	baseadas	em	 ima-
gens (ex.: televisão, vídeo, serigrafia, computadores, In-
ternet), o que gerou uma enorme onda de filmes e ima-
gens fotográficas de lugares, eventos e celebridades inter-
nacionais e diminuiu a dependência em desenho, em o 
processo. Manipulando essa nova tecnologia, os artistas 
(pintores Inc., gravadores, escultores e outros envolvidos 
em formas mais recentes, como a instalação) têm sido ca-
pazes de encurtar os processos tradicionais envolvidos em 
"fazer arte", mas ainda criar algo novo. 
	 •	O	crescimento	do	consumismo	e	da	gratificação	imedia-
ta sobre as poucas últimas décadas do século 20 também 
teve um enorme impacto sobre as artes visuais. Modernos 
consumidores querem novidade. Eles também querem 
entretenimento. “Em resposta, muitos artistas, curadores 
e outros profissionais tiveram a oportunidade de trans-
formar a arte em um produto “. Por exemplo, instalação e 
vídeo têm permitido ao consumidor uma experiência de 
arte de uma forma mais ativa. Público o desejo de ficar 
chocado e estimulado foi cumprida, se não for cumprido, 
artístico novo objeto, como tubarões tigre morto, enor-
me de gelo esculturas, multidões de corpos nus, demons-
trações de morrer moscas, ilhas envolto em tecido de po-
lipropileno de rosa e assim por diante. Se estas chamadas 
novas formas de arte na verdade, constituem a "arte" con-
tinua a ser um tema quente-contestada. Os avanços con-
128
ceitualistas dizer "Sim", os tradicionalistas dizem "Não". 
 Impacto do pós-modernismo 
 A abordagem pós-moderna provou ser extremamente po-
pular com muitos estudantes de arte. De repente, em vez de ter que 
trabalhar incansavelmente em aperfeiçoar suas habilidades de pin-
tura em desenho, perspectiva, composição teoria das cores, e todas 
as outras coisas necessárias por artistas tradicionais, eles podem 
inventar uma idéia bacana, uma questão devidamente "manifesto" 
significativo e Bingo! Eles eram famosos. Ou pelo menos é assim 
que parecia. 
 Enquanto isso, os pintores e escultores que haviam ad-
quirido os traços meticuloso, foram congeladas por um estabeleci-
mento artes que abraçou o pós-modernismo com rigor stalinista. 
Assim, por exemplo, na Grã-Bretanha, em 2002, quando o presti-
gioso Turner Prize foi vencido por Keith Tyson para sua criação de 
um bloco monolítico preto grande cheio de computadores descar-
tados, e não um único pintor tinha sido considerado como possí-
vel beneficiário do prêmio. 
 Esta experimentação, o foco sobre o processo de imedia-
to, e meios de comunicação avançada, levou, inexoravelmente, a 
uma grande mudança na forma de arte é percebida, produzido e 
promovido. Conceitualismo é agora uma força dominante, e seus 
defensores no interior do estabelecimento artes estão agora em po-
sição de determinar o que constitui coisas tão importantes como 
"inovação", ou "arte em circulação". Não se pode deixar de sentir 
que o "significado" de uma obra de arte já ultrapassado as suas qua-
lidades estéticas, relegando a noção de habilidade para uma forma 
de arte da segunda divisão. Isto tem implicações significativas, não 
apenas estudantes de arte buscando a aquisição de competências, 
mas também artistas profissionais concorrentes para as comissões 
públicas e espaço para exposições. 
 Pos-Moderno - Arte Movimentos 
129
 Até agora, não houve grandes movimentos internacio-
nais de arte durante o período pós-moderna. Em vez disso, a épo-
ca tem sido caracterizada por uma série de movimentos nacionais, 
juntamente com várias marcas novas formas de arte. Além disso, 
tem havido dezenas de grupos dissidentes artística, bem como 
uma ou duas escolas anti-pós-modernista, cujos membros têm-se 
esforçado para produzir o tipo de arte que Michelangelo ou Picas-
so teria sido motivo de orgulho. Aqui está uma breve lista do pós-
moderno principais movimentos, com comentários explicativos. 
 Alguns movimentos Pós-Moderno
 6.2 Minimalismos 
 (1960 em diante)
Emergentes na América na segun-
da metade dos anos 60, Minimal 
Art é uma forma requintada de 
arte abstrata que sucedeu Post 
Painterly Abstração (um tipo de 
atraso Expressionismo Abstrato) se 
tornar um estilo influente em todo 
o mundo em escultura, pintura e 
arquitetura. Na área de artes plásti-
cas, o minimalismo é caracterizado 
pela extrema simplicidade de forma 
e uma falta deliberada de conteúdo 
expressivo. Objetos são apresenta-
dos em sua geometria, a forma elementar, totalmente desprovido de 
emoção. Minimalista de obras (da escultura e pintura) é frequente-
mente composta de elementos nus uniformes que compõem algum 
tipo de uma grade ou padrão. Regularidade é quase essencial para 
minimizar qualquer brilho do expressionismo. 
 O minimalismo foi à fase final do desenvolvimento lógico 
do expressionismo abstrato, cujo estilo foi do gestual para o traba-
lho de avião (cor da pintura de campo) para os planos bem defini-
dos e os padrões geométricos (pintura borda rígido) para Mínima 
130
Arte. Ao longo do caminho que progressivamente alijado todo o 
sentimento e emoção, até que chegou a um formulário impessoal e 
austero do chamado grau de pureza artística ou verdade. Tudo o que 
resta é a idéia intelectual da obra: não há emoção. É por isso que o 
minimalismo está perto de conceitualismo - ambos estão preocu-
pados com a idéia básica ou conceito de trabalho criado.
 Minimalista escultores importantes incluem Carl Andre, 
Donald Judd, Sol LeWitt, Robert Morris, Richard Serra e Tony 
Smith. Pintores minimalistas incluem Ellsworth Kelly, Kenneth 
Martin, Kenneth Noland e Frank Stella. 
 6.3 Foto Realismo, Realismo-Super hiper-realismo 
 (1960, 1970)
Todos esses termos denotam 
o estilo de pintura que surgiu 
no final dos anos 1960, na qual 
os sujeitos (pessoas, ou cenas 
urbanas) são pintadas em um 
forma muito detalhada, que se 
assemelha fotografias. A maioria 
dos profissionais trabalha direta-
mente a partir de fotografias ou 
imagens de computador digital, 
e que o assunto é bastante banal 
e sem interesse especial. Em vez 
disso o foco real está na preci-
são e detalhe alcançado pelo ar-
tista, e seu impacto sobre o espectador. realismo fotográfico foi 
largamente inspirada por Pop-Art - banal assunto foi comum a 
ambos, e alguns artistas (por exemplo, Malcolm Morley e Mel 
Ramos) utilizados ambos os estilos. Foto-Realismo, no entanto 
carece de humor excêntrico ou irônico-pop- arte, e pode mesmo 
ser ligeiramente perturbador. Além disso, paradoxalmente, a sua 
indiscriminada, detalhe microscópico pode realmente criar um 
pouco "irreal" efeito. Os principais membros do movimento Su-
131
per-realista incluem Richard Estes - que se especializa em cenas de 
rua contendo complexo de vidro reflexões - e Chuck Close, que 
se destaca na monumental fotos de rostos inexpressivos. Hiper-
realista Outros pintores incluem Robert Bechtle, Audrey Flack, 
Ralph idas e John Doherty. Escultores proeminentes incluem Du-
ane Hanson (1925-1996), John de Andrea (b.1941), Ron Mueck 
e Robert Gober
 6.4 Arte Grafite
 (1970 em diante) 
Também conhecida como "es-
crita", "Lata de spray de Arte" 
e "Aerosol Art", Grafite é um 
estilo de pintura, associado com 
o hip hop, um movimento cul-
tural, que surgiu em várias cida-
des americanas, especialmente 
em trens do metrô de Nova 
York, durante a década de 1970 
e 1980. B-boys, a primeira gera-
ção do hip-hop expressa as frus-
trações de minorias urbanas em 
sua tentativa de criar a sua pró-
pria forma de arte, um não-co-
merciais que não visam agradar 
o público em geral. O estêncil empregado, canetas, e latas de spray 
aerosol, e escreveu com tinta spray e tinta acrílica industrial sobre 
todos os tipos de apoio: pedra, gesso, metal, madeira e plástico. 
Suas "telas" foram os trens de metrô, paredes em áreas urbanas e 
terrenos baldios industriais, metrôs, telhadose outdoors. Durante 
a década de 1970, arte grafite, propagação para a Europa e Japão e, 
finalmente, cruzou da rua para a galeria. O coração do movimen-
to, no entanto, foi New York City. 
 Em Nova York, um dos pioneiros, conhecido pelo seu 
tag TAKI 183, era um jovem de Washington Heights. As primei-
132
ras mulheres grafiteiros foram Barbara Eva 62 e 62. Desde 1971, 
os artistas começaram a adotar estilos caligráficos assinatura para 
distinguir seu trabalho, e também começou a invadir os depósitos 
do metrô, a fim de aplicar as suas tag nas laterais dos trens - um 
processo chamado de "bombing" - com o efeito máximo. O trem 
tornou-se assim a sua "galeria", como ele mostrou seus trabalhos 
fora de toda a cidade. O tamanho e a escala de tags também au-
mentaram em 1972, levando à produção das chamadas "obras" 
ou "peças" de um pulverizador de grafite conhecido como Super 
Kool 223. Um desenvolvimento envolveu a inclusão de projetos 
como bolinhas, hachuras e damas, e logo "Top-a-fundo" - as obras 
abrangendo toda a altura do carro do metrô - começaram a apa-
recer, assim como cenário e personagens de desenhos animados. 
Aos poucos, o mundo da arte do grosso da população começou a 
tomar conhecimento. A United Graffiti Artists (UGA), um grupo 
fundado em 1972 por Hugo Martinez, ampliou sua participação 
para incluir muitos dos principais artistas do grafite, com vista a 
exibição de obras em locais oficiais, como a Galeria de Razor. Em 
meados da década de 1970 a maioria das normas de escrita criativa 
grafite já havia sido estabelecido, e do gênero começaram a estag-
nar. Também o Metro NYC Transit Authority iniciou uma cam-
panha dupla para garantir depósitos e apagar pichações em uma 
base contínua. Como resultado, os pichadores deixaram ao metrô 
e saíram às ruas, onde sua arte estática, necessariamente, a exposi-
ção recebeu menos até agora. Durante a década de 1980 e 1990, 
os grafiteiros mais começou a mostrar seus trabalhos em galerias e 
alugando estúdios de arte, uma prática que se iniciou alguns anos 
antes com pichadores, como Jean-Michel Basquiat - agora um dos 
melhores do mundo de artistas contemporâneos - que abandonou 
a sua assinatura SAMO (Same Old Shit), em favor das oportuni-
dades mainstream. Muitas obras de arte do grafite podem ser visto 
na Galeria B5, New York. Graffiti pode sem dúvida ser visto como 
uma forma de arte Outsider 
 As pinturas mais caras do Mundo!
 As dez mais!
133
 1 No. 5 1948 (1948) Por Jackson Pollock. (140.000.000 $) 
 2 III Woman (1953) de Willem de Kooning. (137,5 mi-
lhões dólares) 
 3 Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907) por Gustav Kli-
mt. ($ 135 milhões) 
 4 Nude, Green Leaves e Bust (1932), de Pablo Picasso
(106,5 milhões dólares) 
 5 Garçon à la Pipe (1905), por Pablo Picasso. (104.200.000 $) 
 6 Oito Elvises (1963), por Andy Warhol. (US $ 100 milhões) 
 7 Dora Maar com Gato (1941) de Pablo Picasso. (95,2
milhões dólares americanos) 
 8 Adele Bloch-Bauer II (1912) por Gustav Klimt (87.900 
mil dólares americanos) 
 9 Tríptico (1976) de Francis Bacon. (86,3 milhões dóla-
res americanos)
 10 Retrato do Dr. Gachet (1890) por Vincent Van Gogh. 
(82500000 $).
Exercício de Fixação
 Faça visita virtual em diferentes museus e tente reconhe-
cer os estilos época.
134
135
Referências
Historia Da Arte
Autor: GOMBRICH, ERNST HANS JOSEF
Editora: LTC
A média de idade 
Ramirez, Juan Antonio 
Alianza Editorial
A arte gótica 
Gualis, Borrás Gonzalo M. 
Anaya Oberon-Grupo
História da Arte
Autor: Proença, Graça
Editora: Ática 
Historia de la estética 
Givone, Sergio
Editorial Tecnos
Courbet,Gustave
Chantal Bérret,Lês ilusions.Art.Press Paris 
maio/ jun 1973
O Livro da Arte
Phaidon
Publifolha
1a. edição, 2010
Arte e Percepção Visual 
Arnheim, Rudolf / Thomson Pioneira 
Reflexões Sobre a Arte - Col. Fundamentos 
Bosi, Alfredo / Atica
Meu Nome É... Vincent van Gogh
136
"Enchi o Mundo de Cor, Energia e Vida"
Carme Martín e Rebeca Luciani: Publifolha
1a. edição, 2008
Curso de Estética - O Sistema das Artes - 2ª 
Ed. 2010 
Hegel, Georg Wilhelm Friedrich / Wmf Martins Fontes 
/ 2870315
Arte em Detalhes
Robert Cumming
Publifolha
1a. edição, 2010
Cézanne 
Autor: Ulrike Becks-Malorny
Editora: Paisagem
Sites pesquisados 
http://www.mundosites.net/artesplasticas
http://www.macniteroi.com.br 
http://www.fineartsites.org/
http://artpad.art.com/artpad/painter/ 
Este site é mais uma distração sobre pintura.
http://www.artcyclopedia.com/
http://www.filosofia.com.br/
Imagens
www.flickr.com.br
Museus on line
http://www.fazfacil.com.br/lazer/museus.html
Este site reuni a maioria dos maiores museus 
do mundo
http://www.itaucultural.org.br/ 
137
Assista no You tube vídeo aulas de historia 
da arte