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século XX7
expressionismo
No início do século XX, surgiu na Alemanha um movimento 
artístico que se preocupou em expressar as emoções humanas 
traduzindo-as em linhas distorcidas e cores muito fortes. Com 
temas como miséria e solidão, o Expressionismo refletia as 
angústias e amarguras do indivíduo isolado na sociedade 
industrializada moderna. Os artistas dessa escola artística 
pretendiam alcançar o espectador pelo lado emotivo. Paisagens, 
vida cotidiana e o nu feminino eram os motivos mais retratados. 
Como as obras expressavam a visão interior de cada artista, este 
não foi um movimento homogêneo.
Na Alemanha, depois da Primeira Guerra Mundial, o Expressio-
nismo passou a atingir outras artes, como o cinema, o teatro e até 
a poesia. No cinema, o Expressionismo chegou de forma tardia, 
em 1919. No teatro, os dramaturgos passaram a transmitir novos 
ideais, como a renovação da sociedade moral.
Com relação ao movimento expressionista brasileiro, podemos 
citar, entre outros, o nome de Augusto dos Anjos, muitas vezes 
identificado como poeta simbolista.
Na Alemanha surgiram dois grupos de artistas expressionistas. 
O Die Brücke (A Ponte) era mais ligado a temas políticos, e seus 
trabalhos, mais agressivos. Entre seus membros figuravam Ernest 
Ludwig Kirchner e Emil Node. Por sua vez, o Blaue Reiter (Cavaleiro 
Azul) era voltado a temas espirituais e deu origem à escola Bauhaus 
e ao Abstracionismo. Faziam deste segundo grupo artistas como 
Wassili Kandinsky e Paul Klee.
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Capítulo 7 - Século XX120
Saiba
A escola Bauhaus surgiu na Alemanha e funcionou entre 1919 
e 1933. Fundada por Walter Gropius, era uma escola de arquitetura, 
design e arte de vanguarda, em que se primava pela funcionalidade 
dos objetos. A instituição foi perseguida e fechada pelo governo 
nazista, acusada de apologia ao comunismo, por abrigar muitos 
artistas russos.
Um exemplo de projeto artístico da época é a cadeira Wassily, pro-
jetada por Marcel Breuer, em homenagem ao colega Wassily Kandinsky, 
pintor abstracionista e companheiro na Bauhaus.
pintura
O Expressionismo foi um movimento que se opôs ao estilo 
anterior, o Impressionismo. Apresentou características como o 
uso arbitrário das cores, traços expressivos, resgate das artes 
primitivas e formas contorcidas e dramáticas. São recorrentes na 
arte expressionista as figuras angustiadas e solitárias. Um exemplo 
dessa pintura é o quadro O grito, de Edvard Munch.
Edvard Munch (1863-1944), pintor norueguês e precursor do 
movimento expressionista, abordou frequentemente temas como 
a doença e a morte. De seu diário foram retiradas as seguintes 
palavras:
Passeava com dois amigos ao pôr do sol — o céu 
ficou de súbito vermelho-sangue — eu parei, exaus-
to, e inclinei-me sobre a mureta — havia sangue e 
línguas de fogo sobre o azul escuro do fiorde e sobre 
a cidade —; os meus amigos continuaram, mas eu 
fiquei ali a tremer de ansiedade — e senti o grito 
infinito da Natureza.
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Capítulo 7 - Século XX 121
munch, Edvard. O 
grito. 1893. Óleo, 
têmpera e pastel 
em cartão, 91 cm 
× 73,5 cm. Oslo: 
Nasjonalgalleriet.
Amedeo Modigliani (1884-1920), escultor e pintor de obras 
elegantes, possui um estilo próprio, com figuras alongadas cujos 
rostos e olhos têm aspecto de máscaras da arte africana. Por isso, 
não pode ser enquadrado em nenhum estilo propriamente dito. É 
identificado com o Expressionismo por se distanciar da academia 
e por apresentar uma pintura de cores puras.
Retrato do 
artista Amedeo 
Modigliani.
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Capítulo 7 - Século XX122
Música
A música expressionista tem por característica o distanciamento 
do padrão estético tradicional e a ênfase nas emoções. Aqui, destaca-
se o compositor Arnold Schoenberg e sua composição dodecafônica, 
na qual os doze tons da escala passam a ter o mesmo valor.
teatro
As obras se ambientam numa atmosfera de sonho e pesa-
delo, relacionada às transformações sociais, com enredos bem 
construídos, apesar da tendência ao exagero. A primeira peça 
expressionista (A estrada de Damasco, encenada de 1898 a 1912) 
é de autoria do austríaco August Strindberg.
Cinema
Como nas artes plásticas, a realidade exibida no cinema 
expressionista é distorcida para enfatizar as emoções. Produzidos 
principalmente na Alemanha após a Segunda Grande Guerra, os 
filmes usavam cenários fantasmagóricos, os atores exageravam na 
interpretação das personagens e utilizavam-se muitos contrastes 
de luz e sombra. Gabinete do Dr. Caligari (1919), de Robert Wiene, 
é um exemplo do cinema expressionista alemão.
A arte expressionista no Brasil
No Brasil, o Expressionismo influenciou artistas e impulsionou 
o movimento modernista. Observou-se, nesse período, um desejo 
intenso de mostrar as realidades sociais, culturais e espirituais do 
povo brasileiro. Em 1917, a artista plástica Anita Malfatti realizou 
uma exposição para mostrar o que estava acontecendo no meio 
artístico europeu, dando início à formação de um grupo de artistas 
e escritores que viriam a transformar a Arte no Brasil.
Anita Malfatti (1889-1964) foi professora, gravadora, desenhista 
e pintora. Depois de sua segunda exposição individual, que já 
apresentava traços expressionistas, o então crítico Monteiro Lobato 
escreveu, para o jornal O Estado de São Paulo, um artigo pejora-
tivo contra Anita. Esse fato fez com que as telas vendidas fossem 
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Capítulo 7 - Século XX 123
devolvidas com muita confusão. A partir dessa ocorrência, foram 
publicadas numerosas notas e artigos desvalorizando a arte da 
pintora, que viria a ser defendida pelo escritor Oswald de Andrade 
e por outros jovens artistas e escritores que ansiavam por mudanças. 
Na obra de Anita Malfatti sobressai o quadro A estudante russa, 
datado de 1915.
Lasar Segall (1891-1957), pintor e escultor de origem lituana, 
mudou-se definitivamente para o Brasil em 1923, quando já era um 
artista conhecido. Porém, segundo o próprio Segall, foi aqui que 
ele conheceu “o milagre da luz e da cor”. De sua obra destaca-se 
Navio de emigrantes (1941).
Candido Portinari (1903-1962), pintor brasileiro consagrado 
internacionalmente, produziu quase cinco mil obras abordando 
questões sociais e aproximando-se, principalmente em seus murais, 
do trabalho de pintores mexicanos. Das pinturas de Portinari, 
marcadas por influências cubistas e surrealistas, porém sempre 
figurativas, destaca-se Os retirantes, de 1944.
Experimente
Sugestão 1: Pense em alguém que você gostaria de homenagear, 
como um jogador de futebol, um artista de cinema ou televisão, ou 
mesmo alguém de sua família. Agora, faça como Marcel Breuer na 
escola Bauhaus: desenhe um móvel ou objeto para seu quarto, uma 
luminária, uma mesa de cabeceira, uma cama ou outro elemento, 
inspirando-se na pessoa que você quer homenagear. Faça vários 
esboços a lápis sobre uma folha de papel. Quando você chegar a 
um bom resultado, faça a arte final, imaginando os materiais que 
serão usados. Então, desenhe seu objeto e tente colocar as texturas, 
que podem ser desenhadas ou obtidas por meio de colagens, em 
cores adequadas ao seu projeto. Geralmente é assim que trabalha 
um designer.
Sugestão 2: Faça como Georges Seurat: produza ou copie um 
desenho e pinte-o usando a técnica do pontilhismo. Para isso, use
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Capítulo 7 - Século XX124
caneta hidrográfica (é só encostar a ponta da caneta no papel). Na 
falta de caneta, a pintura pode ser feita com outro material, como 
lápis de cor. Não se esqueça de fazer pontinhos de vários tons; 
por exemplo: se a área for verde, use verde-claro, verde-escuro e 
amarelo para dar ideia de focos de luz sobre o verde.
Você também poderá fazer esta atividade usando diversos 
chumaços de algodão ou um pincel brochinha. Utilize cores 
justapostas para dar a ideia de que as coresse misturam.
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Capítulo 7 - Século XX 125
TesTe seu saber
1) Quando e como surgiu o estilo Expressionista?
2) Como se deu o desenvolvimento do Expressionismo na Alemanha?
3) Bauhaus foi uma escola:
(A) nazista.
(B) de arte alemã.
(C) de arte francesa.
(D) Nenhuma das alternativas anteriores está correta.
4) As principais características da pintura expressionista são:
(A) as mesmas do movimento anterior.
(B) o uso arbitrário da cor e a produção de formas contorcidas.
(C) as cores neutras e suaves.
(D) Nenhuma das alternativas anteriores está correta.
5) Quais são as características da música expressionista?
6) No Brasil, o Expressionismo influenciou artistas e impulsionou o 
movimento:
(A) modernista.
(B) pós-expressionista.
(C) futurista.
(D) Nenhuma das alternativas anteriores está correta.
7) Em 1917, no Brasil, aconteceu a exposição de uma artista plástica 
brasileira que mudaria a arte nacional. Essa artista foi:
(A) Tarsila do Amaral.
(B) Anita Malfatti.
(C) Camille Claudel.
(D) Nenhuma das alternativas anteriores está correta.
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Capítulo 7 - Século XX126
Fauvismo
O Fauvismo (ou Fovismo) foi um movimento artístico contempo-
râneo ao movimento expressionista e surgiu em Paris por ocasião do 
Salão de Outono, no qual o crítico Louis Vauxcelles chamou alguns 
pintores de “feras” por causa do intenso uso de cores puras. Daí o 
nome Fauvismo, do francês les fauves (as feras).
Este estilo artístico tem por características seguir o instinto, 
usando linhas e cores impulsiva e instintivamente, sem preocupa-
ção — tal como faziam os povos primitivos e fazem as crianças.
Georges Braque (1882-1963), pintor e escultor francês, produziu 
suas primeiras pinturas ao estilo fauvista; porém, mais tarde, foi con-
siderado um dos fundadores do Cubismo, junto com Pablo Picasso.
André Derain (1880-1954) foi influenciado pela pintura de Van 
Gogh e intensificou o uso das cores puras em seus trabalhos. Seu 
ateliê, montado em parceria com o pintor Maurice Vlarninck, tornou-se 
o centro da arte fauvista. Posteriormente, Derain tornou-se cenógrafo 
e ilustrador. Sua obra mais conhecida é O porto de Londres, de 1906.
Henri Matisse (1869-1954), gravurista, desenhista, escultor 
e pintor francês, a princípio foi considerado pintor fauvista, mas 
depois defendeu a tradição clássica. Dentre suas tantas pinturas, 
além da tela Banhistas na margem do rio, considerada também 
pelo artista sua principal obra, está A dança, em que se destacam 
o azul, o verde e o tom de pele rosado. 
matisse, Henri. A dança. 1909. Óleo sobre tela, 259,7 cm × 
390,1 cm. Nova York: Museu de Arte Moderna. Succession H. 
Matisse/Autvis 2010.
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Capítulo 7 - Século XX 127
Cubismo
O Cubismo teve origem com as artes plásticas e depois se 
espalhou por outras manifestações artísticas, como a Poesia e a 
Literatura. Ficaram evidentes as influências das máscaras africanas 
e da teoria de Cézanne, que tratava as formas da natureza como 
geométricas. Mas os cubistas foram além, representando as faces 
do objeto num mesmo plano, ou seja, pintavam a vista lateral e 
a superior, por exemplo, num mesmo plano disposto à frente do 
espectador. Assim, representava-se um objeto tridimensional em 
um mesmo plano, por meio do uso de linhas retas e formas geomé-
tricas, sem a preocupação com a aparência de realidade. Portanto, 
o Cubismo tem como característica a renúncia da perspectiva, a 
geometrização das formas e o uso de cores neutras, como branco, 
preto, cinza e tons de castanho e ocre.
Este movimento pode ser dividido em duas fases: o Cubismo 
Analítico, em 1909, e o Sintético, em 1911. A vertente analítica 
caracteriza-se pela decomposição dos elementos que fazem 
parte da obra, com a preocupação de se oferecer a visão total de 
todos os ângulos e lados, numa sequência de planos sucessivos e 
sobrepostos. O Cubismo sintético procurou reconstituir a figura, 
tornando-a reconhecível, e incluiu elementos como vidro, metais, 
pedaços de madeira, letras, números e objetos, com a intenção 
de tornar a pintura não só visual, mas também provocadora de 
sensações táteis.
Pablo Picasso (1881-1973), desenhista, escultor e pintor 
espanhol, dedicou-se também à poesia. Fundou o Cubismo junto 
com Georges Braque e é considerado um dos maiores artistas do 
século XX. Com sua versatilidade, Picasso criou diversos trabalhos, 
como pinturas, escultura e cerâmicas. Sua obra é classificada em 
períodos: o período azul (1901) é caracterizado por temas mais 
sombrios, pintados em tons de azul e verde; o período rosa (1905) 
caracteriza-se por temas mais alegres, pintados em tons de rosa 
e laranja; e o período africano (1907), inspirado nas máscaras 
africanas, foi inaugurado com o quadro Les Demoiselles d’Avignon, 
considerado o marco do movimento cubista.
Georges Braque (1882-1963), escultor e pintor francês, 
conviveu muito com Picasso, mesmo quando se deu a Grande 
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Capítulo 7 - Século XX128
Guerra, em que foi ferido na cabeça e ficou afastado da pintura. 
Destaca-se na obra deste artista o quadro Violino e cântaro, de 
1910.
Saiba
O maior contato entre Europa e África, decorrente da expansão do 
domínio colonial europeu, levou a arte africana ao velho continente. 
Interessados nessa arte, os europeus promoveram pesquisas antropo-
lógicas entre os vários povos existentes no continente africano. Esse 
contexto influenciou artistas da época, como podemos notar no quadro 
Les Demoiselles d’Avignon, de Pablo Picasso, artista que desenvolveu seu 
trabalho com base na liberdade criativa dos povos africanos.
picasso, Pablo. Les Demoiselles d’Avignon. 1907. Óleo sobre tela, 
244 cm × 234 cm. Nova York: Museu de Arte Moderna.
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Capítulo 7 - Século XX 129
Jules-Fernand-Henri Léger (1881-1955), pintor e gravador 
francês, interessou-se em representar máquinas industriais, por 
admirar a mecanização e a industrialização e considerá-las sinais 
de modernidade. Destaque para a obra Elementos mecânicos, 
de 1923.
A arte cubista no Brasil
Apesar de não haver nenhum pintor brasileiro considerado 
cubista, visto que aqui a técnica era usada apenas para estudo, 
muitos artistas modernistas nacionais foram influenciados por esse 
movimento.
Abstracionismo
A principal característica da arte abstrata é o distanciamento da 
realidade e a necessidade de expressar sensações apenas por meio 
de cores e formas. Este movimento divide-se em Abstracionismo 
Lírico (ou Expressivo) e Geométrico.
O Abstracionismo Lírico foi influenciado pelo movimento 
expressionista e surgiu na Alemanha, com o movimento Blaue 
Reiter (já citado anteriormente), fundado por Kandinsky, Paul Klee 
e Franz Marc.
Wassily Kandinsky (1866-1944), artista russo e professor da 
Bauhaus, foi o introdutor da abstração no campo das artes visuais. 
Fascinado pela cor desde quando era criança, achava que as cores 
podiam ser usadas numa pintura como elementos autônomos, isto 
é, sem que necessariamente servissem à descrição visual de um 
objeto. Kandinsky, que adquiriu nacionalidade francesa, é conside-
rado o idealizador do Abstracionismo Lírico. Ele defendia a ideia de 
que toda forma de arte poderia alcançar a espiritualidade e, tendo 
desenvolvido essa teoria, escreveu Do espiritual à Arte. Compu-
nha suas obras com massas de cor carregadas de expressividade, 
de forma bastante livre. Entre seus trabalhos, chama a atenção o 
quadro Batalha, de 1910.
Paul Klee (1879-1940), um dos abstracionistas líricos mais 
originais, dedicou sua carreira a procurar um elo entre espírito e 
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Capítulo 7 - Século XX130
realidade. Sofreu influências de pintores de diversas tendências, 
como Surrealismo, Cubismo e até mesmo Orientalismo. Klee 
também deu aulas na escola Bauhaus.
O pintor alemão Franz Marc(1880-1916) tinha como tema favori-
to os estudos sobre os animais. Ele sofreu influência de Kandinsky no 
que diz respeito à essência dos seres revelada na abstração. Várias 
obras de Marc foram destruídas por ocasião do regime nazista.
O Abstracionismo Geométrico, mais voltado para a intelectua-
lidade, tem por característica a organização de formas e cores de 
modo a formar uma composição geométrica. O pintor que melhor 
representa esse estilo é o holandês Piet Mondrian, que acreditava 
ser papel do artista revelar a essência que as coisas têm por trás 
de sua aparência, essência essa que preserva a harmonia com o 
Universo.
Piet Mondrian (1872-1944) era filho de um pastor que o queria 
na carreira eclesiástica. Mondrian ficou marcado pela religião, que 
permearia sua obra em meio à geometrização e síntese da reali-
dade. A busca da essência das coisas pode ser vista em Árvore 
vermelha, Árvore cinza e Árvores em flor, obras pintadas entre 
1908 e 1912. No primeiro desses quadros podemos reconhecer 
uma árvore, mas nos seguintes Mondrian representou apenas um 
conjunto de linhas e curvas.
A arte abstrata no Brasil
O Abstracionismo brasileiro teve início por volta de 1940, 
destacando-se dentre os artistas nomes como Manabu Mabe, 
Antonio Bandeira e Regia Marinho.
Manabu Mabe (1924-1997), nascido no Japão, chegou ao 
Brasil em 1934, acompanhando a família para trabalhar na lavoura 
de café. Aqui, adaptou um ateliê para poder pintar. Em 1948, 
Mabe realizou sua primeira exposição individual, unindo manchas 
e caligrafia oriental. Hoje suas obras encontram-se no Museu de 
Arte Moderna de São Paulo e no Museu de Arte Contemporânea 
do Rio de Janeiro, entre outras locações.
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Capítulo 7 - Século XX 131
Experimente
Sugestão 1: Faça uma máscara, recortando um desenho ou 
forma em uma cartolina, e coloque-a sobre uma folha de papel 
canson. Em seguida, molhe uma escova de dente (ou um pincel 
mais duro) em tinta guache e borrife sobre a folha. Repita isso 
com diferentes cores. Quando a tinca secar, retire a máscara. O 
desenho vai ficar contornado pelos respingos coloridos, causando 
um bonito efeito. 
Sugestão 2: Faça um desenho ou tente copiar uma imagem 
(paisagem, folhas, frutas). Com o auxílio de uma régua, vá 
simplificando as formas e transformando sua imagem em uma arte 
cubista. Em seguida pinte-o com cores vivas e vibrantes.
Futurismo
A velocidade produzida pela mecanização levou artistas a 
criarem um novo movimento com forte ligação com a literatura. A 
inauguração do novo estilo é marcada pelo Manifesto futurista, de 
1909, de autoria do poeta e escritor Filippo Tommaso Marinetti.
O Futurismo tem como característica a rejeição do passado 
e do moralismo, e seus temas basicamente se fundamentam 
na velocidade. O primeiro manifesto futurista (1909) pregava 
a liberdade das palavras, levando em consideração o design 
tipográfico.
Em 1910, houve outro manifesto em Milão, mais direciona-
do às artes plásticas do que à literatura e assinado por artistas 
plásticos como Umberto Boccioni e Giacomo Balla, entre outros. 
Esse manifesto era voltado para a representação do movimento e 
defendia o uso de cores e formas de modo não realista, sugerindo 
a velocidade.
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Capítulo 7 - Século XX132
O Futurismo influenciou diversos artistas no Brasil, como Oswald 
de Andrade e Anita Malfatti, que aqui fundaram, na década de 
1920, o Modernismo.
Como outros artistas futuristas, Umberto Boccioni (1882-1916), 
pintor e escultor italiano, apresenta um trabalho bastante dinâmico 
baseado na ideia de movimento. Destaca-se dentre suas obras a 
escultura Formas únicas de continuidade no espaço, feita original-
mente em gesso, em 1913, e fundida em bronze em 1931.
Giacomo Balla (1871-1958), pintor italiano, também usou como 
tema o movimento e a velocidade, a exemplo do quadro Velocidade 
abstrata: o carro passou, de 1913.
Boccioni, Umberto. Formas únicas de continuidade no espaço. 1913. 
Gesso (fundida em bronze em 1931), 111,2 cm × 88,5 cm × 40 cm. 
Nova York: Museu de Arte Moderna.
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Capítulo 7 - Século XX 133
Saiba
Manifesto é um texto dissertativo que tem como objetivo alertar 
sobre um problema ou denúncia pública, geralmente de cunho político. 
A estrutura do texto é livre; porém, alguns elementos são indispensáveis, 
tais como título, descrição do problema, fundamentos do ponto de 
vista dos autores, data, local e assinatura dos criadores e simpatizantes.
Dadaísmo
O Movimento Dadá teve início em Zurique por ocasião da Pri-
meira Grande Guerra (1914-1918), quando intelectuais e artistas que 
não concordavam com o envolvimento de seu país na guerra foram 
se exilar naquela cidade da Suíça, frustrados com o fracasso das ci-
ências, as quais não conseguiram impedir a destruição que acontecia 
na Europa. Esse grupo fundou, então, o Movimento Dadá, que em 
francês significa “cavalinho de brinquedo”. Qualquer outra palavra 
poderia ter sido selecionada para nomear o estilo, pois a escolha foi 
feita abrindo-se o dicionário ao acaso e colocando-se o dedo sobre 
uma palavra aleatória, simbolizando, assim, o caráter antirracional 
de um movimento contrário à guerra. Acerca do movimento, Tristan 
Tzara escreveu em manifesto:
Eu redijo um manifesto e não quero nada, eu 
digo portanto certas coisas e sou por princípio 
contra manifestos [...]. Eu redijo este manifesto 
para mostrar que é possível fazer as ações opostas 
simultaneamente, numa única fresca respiração; 
sou contra a ação pela contínua contradição, pela 
afirmação também, eu não sou nem para nem contra 
e não explico por que odeio o bom senso.
O Dadaísmo tem como característica a ênfase no ilógico e no 
absurdo, a ingenuidade radical, o pessimismo irônico, o ceticismo 
e a improvisação, mas a verdadeira intenção era chocar e protestar 
contra a loucura da guerra. O movimento procurava chocar um 
público mais ligado a valores tradicionais e libertar a imaginação 
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Capítulo 7 - Século XX134
pela destruição das noções artísticas convencionais. A princípio, 
não havia uma estética específica do movimento porque a intenção 
era libertar a criação artística do pensamento racionalista. Para isso, 
eram selecionados elementos ao acaso, como mostra uma receita 
do último manifesto escrito por Tristan Tzara:
– Pegue um jornal.
– Pegue a tesoura.
– Escolha no jornal um artigo do tamanho que você 
deseja dar a seu poema.
– Recorte o artigo.
– Recorte em seguida algumas palavras que formam 
esse artigo e coloque-as num saco.
– Agite suavemente.
– Tire, em seguida, cada pedaço, um após o outro.
– Copie conscienciosamente na ordem em que eles 
são tirados do saco.
– O poema se parecerá com você.
– E eis um escritor infinitamente original e de uma 
sensibilidade graciosa, ainda que incompreendido 
do público.
Além de Tzara, fizeram parte desse movimento os intelectuais 
e artistas: André Breton, Hans Arp, Max Ernest e Marcel Duchamp, 
entre outros.
Samuel Rosenstock (1896-1963), poeta romeno cujo pseudô-
nimo, Tristan Tzara (“triste terra”), foi escolhido em protesto ao 
tratamento dado aos judeus na Romênia, passou a viver na França, 
tornando-se escritor.
André Breton (1896-1966), poeta, escritor e teórico francês, 
fundou em 1919 a revista Littérature, com Louis Aragon e Philippe 
Soupault, e conheceu Tristan Tzara. Breton publicou, em 1924, o 
primeiro manifesto surrealista, dando impulso a um novo movi-
mento artístico.
Max Ernest (1891-1976), poeta e pintor alemão, foi um dos 
fundadores do Dadaísmo e participou também do movimento 
surrealista. Aprendeu a pintar copiando paisagens de Van Gogh 
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Capítulo 7 - Século XX 135
e foi chamado por André Breton de o “mais magnífico cérebro 
assombrado”.
Marcel Duchamp (1887-1968), pintor e escultor francês que se 
tornou cidadão americanoem 1955, foi precursor da arte concei-
tual e introdutor da ideia do readymade. Seu quadro de inspiração 
cubista Nu descendo a escada foi mal recebido pelos cubistas, que 
julgaram a obra uma ironia à proposta por eles pretendida.
Saiba
Readymade é a intenção de romper com a artesania da operação 
artística, ou seja, usar objetos industrializados para fazer arte, estando 
implícito o propósito dadaísta de chocar, como se vê na escultura de 
Duchamp, A fonte, que nada mais era do que um urinol.
Trata-se de uma arte questionadora de padrões artísticos anteriores 
(como os vistos em Mona Lisa, de Leonardo da Vinci, por exemplo). Nas 
palavras de Duchamp, “será arte tudo o que eu disser que é arte, assim 
como toda a produção artística anterior é arte porque alguém disse que 
o era”. Essas ideias influenciaram toda a arte contemporânea.
No Brasil, o livro Poesia pau-brasil, de Oswald de Andrade, publicado 
em 1925, apresenta vários poemas com trechos de textos prontos, como 
a carta de Pero Vaz de Caminha, bem ao estilo readymade, que causava 
estranhamento, assim como as obras de Duchamp.
Experimente
Faça uma obra ao estilo Dadá, recortando palavras de revistas 
e jornais. Faça uma colagem sobre papel sulfite. As letras devem 
ter cores e tipos diferentes e, para ficar interessante, devem se 
sobrepor umas às outras.
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Capítulo 7 - Século XX136
TesTe seu saber
1) O que significa o termo fauvismo?
2) O Fauvismo tem como característica:
(A) linhas e cores usadas impulsivamente.
(B) uso do instinto.
(C) uso do impulso dos povos primitivos e das crianças.
(D) Todas as alternativas estão corretas.
3) O Cubismo é um estilo que sofreu influência:
(A) das máscaras africanas e das teorias de Cézanne.
(B) da ingenuidade infantil.
(C) de Anita Malfatti.
(D) Todas as alternativas estão corretas.
4) A principal característica do Cubismo é:
(A) renúncia da perspectiva.
(B) geometrização das formas.
(C) uso de cores neutras.
(D) Todas as alternativas estão corretas.
5) O Cubismo foi dividido em:
(A) inicial e tardio.
(B) analítico e sintético.
(C) cromático e não cromático.
(D) Nenhuma das alternativas anteriores está correta.
6) Foram fundadores do Cubismo:
(A) Matisse e Van Gogh.
(B) Degas e Renoir.
(C) Picasso e Braque.
(D) Nenhuma das alternativas anteriores está correta.
7) Fale sobre o Cubismo no Brasil.
8) Qual é a principal característica do estilo abstrato?
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Capítulo 7 - Século XX 137
9) O Abstracionismo foi dividido em:
(A) expressivo e geométrico.
(B) inicial e tardio.
(C) analítico e sintético.
(D) Nenhuma das alternativas anteriores está correta.
10) Quais artistas plásticos brasileiros se destacaram no estilo abstrato?
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Capítulo 7 - Século XX138
surrealismo
Como já vimos anteriormente, André Breton escreveu o Mani-
festo Surrealista em 1924, oficializando o nascimento do movimento 
Surrealista, que reunia artistas do Dadá. Influenciado pelas teorias 
psicanalíticas de Freud e pela pintura metafísica de Giorgio de 
Chirico, o Surrealismo tem como características a representação 
do inconsciente e do mundo dos sonhos, a colagem e a escrita 
automática, deixando que o fluxo da consciência e o acaso sejam 
os impulsos criativos, ou seja, o instinto é o ponto de partida para 
a linguagem artística. A intenção é passar para a obra uma visão 
introspectiva do artista, de modo automático, sem que a mente 
exerça nenhum controle.
Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech (1904-
1989), importante pintor surrealista catalão, desenvolveu trabalhos 
também na área de design de joias e esculturas. Seu trabalho, 
de excelente qualidade e influenciado pela pintura metafísica 
de Giorgio de Chirico, mistura paisagens saídas de sonhos com 
elementos bizarros. Em 1927, fez o cenário da peça Mariana 
Pineda, de García Lorca. Em 1929, Dalí produziu o filme O cão 
andaluz, com Luis Buñuel. Na década seguinte, estudou os grandes 
mestres durante os anos 1930. Em 1942, publicou sua biografia, 
A vida secreta de Salvador Dalí. Sua esposa, Gala, foi muitas 
vezes retratada em suas obras. A partir de 1970 dedicou-se à 
construção de um museu. Destaca-se, sob sua assinatura, o quadro 
A persistência da memória.
Joan Miró i Ferrà (1893-1983), escultor e pintor surrealista 
catalão, produziu uma obra com traços nítidos, embora difíceis 
de serem entendidos. Por isso, seu trabalho foi chamado de “o 
máximo do Surrealismo” por André Breton. A obra mais conhecida 
de Miró é a pintura Números e constelações em amor com uma 
mulher, de 1941.
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Capítulo 7 - Século XX 139
Saiba
A pintura metafísica de Giorgio de Chirico consistia numa oposição 
à realidade natural e social, mostrando outra realidade, metafísica, além 
da história. Caracteriza-se por grandes espaços nus, colunas e outros 
elementos arquitetônicos ao estilo neoclássico, figuras meio humanas, 
meio estátuas, que passam um sentimento de solidão. Destaque para 
a obra O enigma da torre, de 1910.
Op Art
Op Art, Optical Art ou Arte Óptica, é uma manifestação artística 
baseada em ilusões de óptica. Geralmente são trabalhos abstratos e 
em branco e preto, ou cores contrastantes, para causar a impressão 
de que estão se movendo ou se deformando. Às vezes, parecem 
clarões e vibrações.
Este movimento tem como característica o rigor de suas cons-
truções, mas passa a sensação de instabilidade e mudança, pela 
própria intenção de causar ilusão.
A Op Art ganhou impulso (tornando-se extremamente popu-
lar) com uma exposição realizada em Nova York, em 1965, a The 
Responsive Eye (O Olho que Responde). Entretanto, muito antes 
disso, alguns artistas já realizavam trabalhos com a intenção de 
causar a ilusão de óptica, como é o caso do gravador e artista 
gráfico holandês Maurits Cornelis Escher, cujos trabalhos respeitam 
as regras do desenho e da perspectiva e têm excelente qualidade 
técnica. As obras desse artista são parodiadas até hoje, a exemplo 
do jogo Sonic, que contém animações de pássaros se transforman-
do em peixe (baseando-se na obra Céu e água, de Escher) e da 
abertura da novela brasileira Top Model (cujo modelo foi a obra 
Relatividade, do artista holandês).
Alexander Calder (1898-1976), escultor e artista plástico ame-
ricano, adquiriu fama por desenvolver escultura com movimento 
— os móbiles. Sob influência de Piet Mondrian, Calder elaborou 
suas primeiras construções abstratas em 1933.
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Capítulo 7 - Século XX140
Victor Vasarely (1908-1997), pintor e escultor húngaro, foi morar 
na França em 1930, onde trabalhou como designer gráfico. Em 
1950, introduziu em sua obra o “movimento sem movimento”, a 
ilusão, consolidando-se como um artista óptico. Vasarely dedicou-se 
tanto a essa arte que é considerado o pai da Op Art.
Pop Art
Este movimento artístico tinha como objetivo a crítica irônica 
da sociedade de consumo. O termo foi usado pelo crítico inglês 
Lawrence Alloway, referindo-se a uma arte popular, que adotava 
como tema produtos industrializados utilizados cotidianamente 
pela população, e também artistas de cinema famosos ou cantores 
populares, signos da publicidade, histórias em quadrinhos etc. Esses 
trabalhos são pintados em cores vibrantes e em tamanho grande, 
transformando o realismo em hiper-realismo. Apesar da intenção 
de fazer crítica, as obras acabaram por obter reação contrária, pois 
estimularam o consumo de produtos usados em sua realização.
A Pop Art aproximou-se das massas utilizando-se de objetos que 
faziam parte do dia a dia da população, como no quadro Garrafas 
de Coca-Cola verdes, de Andy Warhol.
Andy Warhol (1927-1987) foi um artista pop americano que usou 
principalmente a técnica da serigrafia para dar colorido a uma arte 
que queria mostrar objetos produzidos em série, mecanicamente, 
para o consumo. Warhol foi a figura de maior destaqueno movi-
mento pop, incentivando outros artistas. Também produziu discos 
de um grupo musical.
Warhol, Andy. Marilyn. Serigrafia. 1967.
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Capítulo 7 - Século XX 141
Saiba
Serigrafia, do grego serikos (seda), e graphein (escrita), é o processo 
de impressão a partir de uma tela preparada com um tecido de poliéster e 
esticada sobre uma armação de madeira ou metal. Sobre essa tela coloca-se 
uma espécie de filme, que será sensibilizado usando-se uma mesa de luz, 
transferindo, assim, o desenho escolhido. Uma vez pronta a tela, pode-se 
imprimir o desenho em diversas bases ou suportes, tais como tecido, papel 
e madeira, entre outros.
Roy Lichtenstein (1923-1997), artista americano que elaborava 
à mão o que se fazia no setor gráfico, simulava os pontos reticula-
dos fazendo pontos, de modo semelhante ao usado pelos artistas 
do Pontilhismo. Em 1960, após ter pintado o personagem Mickey 
Mouse para seus filhos, passou a usar histórias em quadrinhos como 
tema. Como fazia quadros separados das histórias originais, isto 
é, fora do contexto, suas obras tornaram-se símbolos do mundo 
moderno. Lichtenstein usava cores vivas e contorno preto, causando 
grande impacto visual.
A arte pop no Brasil
No Brasil, os artistas da década de 1960 também usaram o 
recurso da serigrafia, baseando-se em histórias em quadrinhos e 
suas personagens. No entanto, aqui, essa arte era um veículo para 
a denúncia social e política.
José Roberto Aguilar, artista brasileiro de vanguarda, nascido 
em 1941, participou do grupo Kaos, em 1958. Artista essencial-
mente urbano, natural da cidade de São Paulo, realizou várias 
exposições em outros estados e no exterior. No início dos anos 
1970, viu-se obrigado a morar em Londres, como muitos artistas 
dessa época. Retornou ao Brasil em 1973.
Wesley Duke Lee (1931-2010), pintor brasileiro, estudou Arte 
nos Estados Unidos até 1955, onde conheceu a arte pop. Em 1963, 
voltou ao Brasil, depois de ter estudado Arte também na França, e 
iniciou um trabalho com jovens artistas, realizando um dos primeiros 
happenings do Brasil, com o Grande Espetáculo das Artes, no João 
Sebastião Bar, em São Paulo.
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Capítulo 7 - Século XX142
Saiba
Happening (“acontecimento”, em inglês) consiste num tipo de 
arte que alguns historiadores consideram como performance, ou uma 
forma de expressão das artes visuais que, de certa maneira, apresenta 
características das artes cênicas. Nesse tipo de obra, quase sempre 
planejada, incorpora-se algum elemento de espontaneidade ou im-
provisação, o qual nunca se repete da mesma maneira, inovando-se a 
cada nova apresentação.
Arte Moderna no Brasil
Entre os dias 15 e 17 de fevereiro de 1922, ocorreu a Semana 
de Arte Moderna (ou Semana de 22), no Teatro Municipal de São 
Paulo, da qual participaram muitos artistas e intelectuais brasileiros. 
O evento representou uma renovação nas artes.
Essa manifestação começou anos antes, com exposições de 
Lasar Segall, em 1913, e de Anita Malfatti, em 1917, além de 
atividades literárias, da conscientização acerca do momento que 
se vivia e das transformações artísticas que ocorriam na Europa.
Oswald de Andrade aproveitou essas transformações para 
valorizar as raízes brasileiras, que vão orientar os artistas plásticos 
no país. Surgem, então, movimentos como o Pau-Brasil, que mos-
tram as tendências modernas, por meio da divulgação, em jornais, 
das novas propostas estéticas. Mais tarde, em 1928, o quadro 
Abaporu (“antropófago”, em tupi-guarani), da artista plástica 
Tarsila do Amaral, oferecido a oswald de Andrade como presente 
de aniversário, batizou um novo movimento, o Antropofágico. 
Fundou-se o Clube da Antropofagia e o Manifesto Antropo-
fágico foi publicado na Revista de Antropofagia. O novo estilo tinha 
como característica a visão de que, como antropófagos, podemos 
assimilar as formas importadas e criar algo totalmente nacional.
Tarsila do Amaral (1886-1973), pintora e desenhista brasileira, 
formou, com a pintora Anita Malfatti e outros intelectuais brasileiros, 
o grupo de artistas do movimento modernista brasileiro que se 
iniciou com a Semana de Arte Moderna de 1922. Dentre suas 
obras, destaca-se Abaporu.
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Capítulo 7 - Século XX 143
Amaral, Tarsila do. 
Abaporu. 1928. 
Óleo sobre tela, 
85 cm x 73 cm.
Victor Brecheret (1894-1955), escultor ítalo-brasileiro, foi um dos 
mais importantes artistas modernistas do país. Passou a fazer escul-
turas de grande porte depois de ver trabalhos de Rodin. Em São 
Paulo, várias de suas esculturas ocupam praças, museus, parques 
e cemitérios. Sua escultura monumental intitulada Monumento às 
bandeiras (inaugurada em 1953) levou mais de trinta anos para ser 
concluída e encontra-se instalada em frente ao parque do Ibirapue-
ra, em São Paulo. Na Pinacoteca do Estado de São Paulo podemos 
apreciar a obra Musa impassível, feita em 1923 originalmente para 
o túmulo da poetisa Francisca Júlia.
Saiba
Na ocasião da morte da poetisa Francisca Júlia (1871-1920), foi apro-
vada a construção de um mausoléu, idealizado pelo grupo de artistas e 
intelectuais que mais tarde fundariam o Movimento de Arte Moderna. 
A obra abrigaria uma estátua feita por Victor Brecheret.
A estátua, Musa impassível, esquecida no cemitério do Araçá, em 
São Paulo, foi redescoberta por acaso em 1992, pela filha de Brecheret. 
Em 2006, a estátua foi levada para a Pinacoteca do Estado de São Paulo, 
onde foi restaurada e está exposta.
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Capítulo 7 - Século XX144
Saiba
Assim diz Menotti Del Picchia em uma crônica ao Correio pau-
listano:
[...] que se ergue hoje, no Cemitério do Araçá [...]. 
É A musa impassível, um mármore [...] criado pelo cinzel 
triunfal de Victor Brecheret. [...] Na augusta expressão 
dos seus olhos, do seu busto erecto, das suas mãos 
rítmicas, há toda a grandeza e a beleza daquela musa 
impassível da formidável parnasiana que concebeu e 
realizou a “Dança das centauras”.
Brecheret, Victor. Musa impassível.1923. Mármore, 
2,80 m de altura. São Paulo: Pinacoteca do Estado 
de São Paulo.
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Capítulo 7 - Século XX 145
Saiba
A seguir, veja um trecho do poema “Musa impassível I”, de Francisca 
Júlia, do livro Mármores:
Musa! um gesto sequer de dor ou de sincero
Luto jamais te afeie o cândido semblante!
Diante de Jó, conserva o mesmo orgulho; e diante
De um morto, o mesmo olhar e sobrecenho austero.
Em teus olhos não quero a lágrima; não quero
Em tua boca o suave e idílico descante.
Celebra ora um fantasma anguiforme de Dante,
Ora o vulto marcial de um guerreiro de Homero.
Dá-me o hemistíquio d’ouro, a imagem atrativa;
A rima, cujo som, de uma harmonia crebra,
Cante aos ouvidos d’ alma; a estrofe limpa e viva;
Versos que lembrem, com seus bárbaros ruídos,
Ora o áspero rumor de um calhau que se quebra,
Ora o surdo rumor de mármores partidos.
Instalações artísticas
As instalações artísticas são obras de arte que só existem 
durante a exposição e têm a intenção de se relacionar com o 
espectador, provocando-lhe sensações e chamando-lhe a atenção 
por meio de odores, sons etc. Esse tipo de arte teve início em 1923, 
quando o artista Kurt Schwitters transformou seu apartamento, em 
Hannover, Alemanha, em uma obra de arte.
Kurt Schwitters (1887-1948), artista plático, poeta, pintor e 
escultor alemão, ficou conhecido por suas colagens. Foi o inventor 
das instalações artísticas e de outras artes. Criou a palavra Merz, 
derivada do termo Kommerz (“comércio”, em alemão), que, além 
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Capítulo 7 - Século XX146
de nomear uma revista publicada entre 1922 e 1932, batizava to-
das as suas obras, identificando-as como um movimento artístico 
individual.
Arte Conceitual
É um tipo de arte em que a ideia é o elemento mais importante, 
sendo secundários os meiosde se transmiti-la, não importando 
a técnica. Define-se como movimento artístico moderno ou 
contemporâneo.
Este estilo artístico teve origem na obra do artista francês Mar-
cel Duchamp, já durante os anos 1910 e 1920, mas consolidou-se 
em 1960.
A Arte Conceitual usa, geralmente, o recurso da fotografia e 
textos escritos — estes muitas vezes aparecem isolados, explicando 
uma obra que não aparece: como o que importa é a ideia, a obra 
de que se fala não interessa.
Entre os artistas conceituais estão Sol Lewitt, Yoko Ono e 
Lawrence Weiner.
Experimente
Sugestão 1: Tente criar um movimento artístico dos anos 2000. 
Para isso, leve em conta o meio em que vivemos, os principais 
acontecimentos, os assuntos sobre os quais você vai falar. Para 
ajudar, procure responder às seguintes perguntas antes de iniciar 
sua produção:
• Quais são os sentimentos atuais da humanidade?
• O que as pessoas fazem para se divertir?
• Qual suporte você vai usar? Eletrônico? Papel? Tela?
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Capítulo 7 - Século XX 147
Coloque todas as suas ideias no papel. Depois, dê um nome 
para o seu movimento artístico e descreva suas principais 
características. Por fim, é só fazer sua própria obra.
Sugestão 2: Em uma folha colorida, desenhe uma figura 
simples no centro (uma fruta, uma flor etc). Trace linhas paralelas 
na horizontal desta folha (de ponta a ponta do papel). Repita o 
processo agora com linhas na vertical (as linhas irão se cruzar 
formando quadrados ou retângulos). Pinte alternadamente (um 
espaço sim e um não). 
Você também poderá usar linhas sinuosas. O resultado será 
um belo quadro Op Art.
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Capítulo 7 - Século XX148
TesTe seu saber
1) O que influenciou o movimento surrealista?
2) O movimento surrealista tem como característica:
(A) a representação do inconsciente.
(B) o mundo dos sonhos.
(C) a escrita automática.
(D) Todas as alternativas estão corretas.
3) No que consistia a obra de Giorgio de Chirico?
4) Op Art significa:
(A) arte popular.
(B) arte natural.
(C) arte óptica.
(D) Nenhuma das alternativas anteriores está correta.
5) O nome do movimento que tinha como objetivo a crítica irônica da 
sociedade de consumo é:
(A) Arte Pop.
(B) Arte Abstrata.
(C) Arte Surrealista.
(D) Nenhuma das alternativas anteriores está correta.
6) Quais são os temas comuns usados no estilo Arte Pop?
7) O que é serigrafia?
8) O que você entende por happening?
9) A Semana de Arte Moderna brasileira também é chamada de:
(A) Semana de 32.
(B) Semana de 22.
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Capítulo 7 - Século XX 149
(C) Semana de 42.
(D) Semana de 62.
10) Fizeram parte da Semana de Arte Moderna brasileira os artistas e 
intelectuais:
(A) Oswald de Andrade e Anita Malfatti.
(B) Tarsila do Amaral e Mário de Andrade.
(C) Menotti Del Picchia.
(D) Todas as alternativas estão corretas.
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